Nicky Mondellini

Episode Summary

En este nuevo episodio junto a Simone Fojgiel, @simone.fojgiel, exploramos su mente creativa para aprender todo acerca de branding, sitios web y los puntos clave para encontrar trabajo como profesional, sin conformarnos únicamente con nuestro mercado local, sino al expandirse a otros países y continentes.

Episode Notes

Transcript

Locutor: Esto es La Pizarra, un espacio para explorar las mentes creativas del mundo del espectáculo en ambos lados de la cámara y el micrófono. Aquí está su anfitriona, Nicky Mondellini.
Nicky Mondellini: Bienvenidos una vez más a La Pizarra, soy Nicky Mondellini. Me da muchísimo gusto que nos acompañen hoy. Vamos a explorar la mente creativa de una queridísima colega, locutora, productora de demos, es coach y empresaria, su nombre es Simone Fojgiel. Ustedes la podrán escuchar en la segunda temporada de La Pizarra, que la grabamos en el 2020, ella estuvo en el episodio cuatro, y hablamos ya largo y tendido sobre su carrera, sobre su trayectoria tan impresionante.
Ahora vamos a hablar de un tema muy interesante que es la autopromoción, la vamos a tocar ya más en fondo, acerca de cómo hacer una estrategia, de cómo posicionarnos, de cómo curar nuestro branding, nuestro marketing para atraer a esos clientes ideales, ser muy específicos con eso. Para ello, Simone ha creado una nueva agencia de comunicación digital, llamada Woice Over, con doble U, junto con la agencia de comunicación independiente En sus Marcas.
Antes de comenzar con la entrevista, quiero recordarles que todos los episodios de La Pizarra están disponibles en lapizarrapodcast.com o en nickymondellini/lapizarra. Si están disfrutando de esta temporada, les voy a pedir un enorme favor, compártanla en redes sociales, déjenme sus comentarios también, y así muchísima más gente va a poder encontrar estos episodios y beneficiarse de todos los consejos y los tips de toda la valiosa información que damos en este podcast a través de las entrevistas con nuestros invitados de lujo.
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Con más de 30 años de trayectoria en la industria del Voice Over a nivel mundial, Simone Fojgiel es una conocida referente en toda Latinoamérica como coach especializada en locución comercial y narrativa, productora de demos, conferencista internacional, organizadora de eventos de la industria, mentora y comunicadora social. Ha cosechado varios premios alrededor del planeta, The Clio Awards, The New York Festival, Cannes, Voice Arts Awards y Premios Lavat, entre otros.
Decenas de locutores por España y las Américas han recibido su formación y contratado su servicios como productora de demos, ganando ellos también reconocimiento en el exterior. En mayo del 2022, Simone lanzó Woice Over, con doble U, la primera agencia de comunicación digital para locutores hispanos.
El equipo de Woice Over fue creado gracias a la alianza entre Simone Fojgiel y En sus Marcas, una agencia de comunicación independiente, sumando cinco profesionales especializados en desarrollo web, iOs marketing, branding, diseño gráfico, comunicación social y locución profesional. Todos con una extensa y comprobada trayectoria en su área.
Woice Over propone brindarle a los locutores herramientas para atraer a esos clientes que tanto aspira, incluso educándolos para que sean en definitiva un artista cada vez más autónomo e independiente. Simone, ¿cómo estás? Bienvenida, muchas gracias por estar aquí de nuevo en La Pizarra.
Simone: La verdad que estoy superfeliz de haber sido invitada por La Pizarra, de verte nuevamente después de todo este tiempo, Nicky, por cámara aparte, siempre me encuentro con una mujer bellísima, siempre con una sonrisa, y yo intuyo, porque también te sigo a través de las redes, siempre intuyo que cada vez te va mejor y, off the mic estábamos diciendo recién que yo te percibo hecha toda una topadora con el tema de los podcast, que tenés todo superclaro.
Te veo sumamente activa, me pone muy feliz de que hayas encontrado en esto del podcast, una vía para poder mostrar otras facetas, no solamente de quién eres tú sino de qué se trata todo esto que nosotras venimos realizando hace tanto tiempo, a lo que nos venimos dedicando. Está bueno también mostrar otra faceta de todo lo que es la actuación, el mundo del espectáculo, el mundo artístico que cada vez abre más posibilidades.
Nicky: Cierto, que se relacionan todos los ámbitos del medio artístico, los actores que empezamos a hacer Voice Over, que nos gusta y nos vamos metiendo más en el Voice Over, los directores de casting, los directores creativos, todo mundo está tan relacionado para hacer crecer esta industria y para buscar lo que es la excelencia, también, digamos, la tolerancia. También un poco ahí en diferentes temas, la inclusión, etcétera, el respeto a la gente, los derechos.
Son muchos temas que hay que estar tocando poco a poco, yo creo que muchos de ellos los tocamos a través de las historias de vida de cada uno de los invitados, de esa trayectoria que varios llegan a tener momentos muy difíciles, y todos aprendemos de ver cómo pudieron sobrepasarse a ese obstáculo tan grande, y cómo evitar ciertos errores.
Los errores pasan, las cosas pasan y uno tiene que seguir adelante, y parte de eso, quisiera que me contaras, hablando de historias, cómo es que decidiste volver a Uruguay, porque tú eres de allá, estuviste un buen tiempo.
Simone: Soy uruguaya que estoy acá con el mate.
Nicky: Con el mate, salud, yo con mi agüita. [ríe] Estuviste un buen rato en Tampa, en el estado de la Florida, y ahora de nuevo, que te veo muy contenta, por cierto, me da mucho gusto que estás contenta ya. Cuéntanos un poquito.
Simone: Estoy muy contenta. Estuve en Tampa hasta el año 2017, después me mudé a cerca de Fort Lauderdale, cerca de Miami, digamos a unos 40 minutos de Miami, en la zona que se llama Plantation, Davie, Weston, toda esa zona donde viví cuatros años y huracanes mediante. La pandemia indudablemente fue un factor determinante y definitivo. Cada vez me fui yendo más al sur, empecé viviendo en Wisconsin, en Milwaukee, me fui de un extremo a otro literal, a nivel climático.
Nicky: A nivel climático sobre todo, qué barbaridad, sí. [ríe]
Simone: A nivel climático, geográfico, etcétera. Definitivamente, hubo muchos factores, pero llegó un momento que ya no tenía para mí más sentido vivir lejos de mi familia, porque aparte los vuelos a Uruguay son muy largos, duran nueve horas y media, con suerte de encontrar uno directo. Mi vida no podía consistir en despertar–
Hay una canción de Charlie García, un notavilísimo músico argentino, que siempre lo parafraseo, que hay una canción que se llama Yendo de la Cama al Living, y mi vida consistía en ir de la cama al living, del living al estudio, del estudio al living y del living a la cama.
Mi vida no podía consistir en eso con todo el tema del encerramiento obligatorio, el aislamiento obligatorio, más allá de que tuve la suerte de vivir en una comunidad de apartamentos hermosísimos donde había muchos parques, pero yo me sentía totalmente vacía, aparte se instauró ya como una cuestión de carácter mandatario trabajar con Source Connect o equivalentes. La presencialidad del locutor no tenía cabida, digamos, para ser real en esos momentos, no se podía que el locutor fuera a un estudio de grabación.
También llegué un momento de mi vida, me vine con 52 años, que ya está, es una etapa que fue maravillosa en muchos aspectos en otros no, pero yo siempre tuve un sentimiento de gratitud a los Estados Unidos por haberme dado todo lo que me ha dado, porque no hubiera sido posible plasmarlo en otro lugar. Estados Unidos me abrió las puertas a sus anchas para que yo pueda desarrollar todo ese potencial que estaba latente en mí.
Yo sabía que tenía mucho para dar y superó por lejos mis expectativas, en todo aspecto, aspecto humano, aspecto laboral, aspecto económico ni que hablar, pero todo tiene una etapa, yo no quería que mi vida consistiera en ser eso, un ser autómata que va de la cama al living, del living al estudio y viceversa.
Tomé la decisión de traer toda mi casa en un contenedor de allá, de Florida, a Montevideo, y llegó, llevó todo un proceso muy largo de pienso, de comprar cosas, ya para traerme, etcétera, más todos los atrasos hasta que llegó el contenedor, llegó un mes más tarde a Montevideo, pero acá estoy, en pleno Montevideo, frente al Río de la Plata, el río más ancho del mundo, con una vista hermosísima.
Agradecida a la vida de poder disfrutar a mi familia, de poder vivir aún viviendo en la otra punta del mundo, de poder seguir viviendo o hasta seguir ampliando mis posibilidades laborales.
Nicky: Definitivamente, tú siempre has sido muy creativa, muy emprendedora, siempre estás ahí elaborando diferentes maneras de traer a la gente, en conjunto tienes un tino para crear equipos con gente muy talentosa. Siempre estás pensando más allá, qué se puede hacer, cómo se puede mejorar esto, y estás pensando, no nada más a nivel personal, sino con tus alumnos y a nivel industria, eso me parece maravilloso porque ves un poquito más allá de lo que es el trabajo que hacemos.
Ves como las piezas de arriba, es decir, “A ver, ¿cómo se pueden mover?” y parte de eso, lo hablábamos, de todas las maneras que podemos conseguir trabajo como locutores, son los representantes y son las compañías pay-to-play, pero realmente llega un punto donde dices, “No, uno tiene que realmente saberse dar a conocer, posicionarse, ir detrás de esos clientes que son los ideales, y de pensar más allá cuál es tu estrategia”.
No nada más tiene que ser así, “Llega una audición, la hago, llega una audición, lo hago”, sino, a ver, cuál va a ser tu estrategia, dónde te ves trabajando, qué es lo que te gusta, qué es lo que te llama la atención. Siento que parte de lo que tú estás haciendo ahorita, me parece maravilloso, todo lo que estás haciendo me parece maravilloso porque yo creo que eso sí va a ser algo muy importante para ayudar a los locutores de forma integral. Cuéntanos un poquito cómo es que surgió la idea del Woice Over con doble U.
Simone: Sí, Woice Over con doble U o doble V por woman, web y world. Surgió en un momento muy difícil que tuve el año pasado, yo volvía a Uruguay, a pesar de la felicidad que me causó reeecontrarme con mi país, con mi cultura, con mi esencia, con mi identidad, con mi familia y amigos.
Yo vine con muchas expectativas a Uruguay para poder, digamos, rencausar mi carrera en radio que desde que me fui a Estados Unidos prácticamente en forma definitiva, se estacionó, se frisó. Yo soy un mujer de radio, lo llevo en el alma y de la música. La música es un elemento– A mí me puede recorrer linfocitos, glóbulos blancos, plasma, no sé, glóbulos rojos, lo que quieras, pero también la música, el sonido. El sonido, la comunicación convertido en palabra y convertido en música fluye por cada una de mis mitocondrias.
[risas]
Simone: Porque es como el aire que respiro y la función de la mitocondria en la célula es la función respiratoria, por eso siempre saco a colación el tema de las mitocondrias. No pudo ser, vine con la idea de asesorar a radios acá en Uruguay para todo lo que podría definirse como subbranding sonoro, pero lamentablemente la situación de la radio, como medio de comunicación aquí en Uruguay, se ha venido a pique.
Radios que antes estaban en una situación muy privilegiada en materia de facturación, en materia de perfil de clientes, en materia de rating, obviamente, de un montón de cosas, se vinieron a pique porque todo ha cambiado, la gente escucha podcast, [ríe] la gente escucha Spotify, ve YouTube, no mira televisión, no mira cable, ve Netflix, ve HBO Max, todo se ha diversificado.
Las radios no tienen los medios, no tienen el dinero y no han sabido reinventarse tampoco, por más que quieran muchas de ellas reinventarse, no cuentan con los medios económicos para poder hacerlo. Se me pincharon específicamente dos proyectos o dos sueños que yo tenía, pero uno en particular era muy especial para mí y no se pudo dar. Fue un golpe muy fuerte, me angustió muchísimo.
Nuevamente, como me había pasado en 2014, entré en una crisis, no te diría que vocacional, pero una crisis laboral, porque aparte, para mí, no sé cómo habrá sido para vos, Nicky, el 2021 en materia de facturación, en lo que respecta la locución, para mí, fue el peor. Fue un año donde tuve un montón de gastos y casi nada de ingresos, no te voy a decir que nada pero tal, en comparación con otros años, fue lamentable el año pasado. ¿A vos te pasó el año pasado también?
Nicky: No lo sentí tanto, para mí fue un poquito diferente, empecé yo a encontrar otras cosas. Mi situación empezó a mejorar a finales del 2019 y empezando 2020, incluso en medio de la pandemia, los primeros seis meses fueron bastantes difíciles, pero después me empezó a ir bien.
Simone: Repuntó.
Nicky: Repuntó, y hasta ahorita he seguido, gracias a Dios, he seguido en pie.
Simone: La verdad que me alegro muchísimo por vos. Obviamente que depende del perfil de clientes que uno tenga, no es que toda la industria del Voice Over mantiene una uniformidad, claro que hay denominadores comunes, hoy por ejemplo, estamos viviendo un nivel de inflación a nivel mundial brutal, el dólar está bajando su valor en muchos países, el petróleo, la guerra Rusia-Ucrania, hay muchos factores.
Nicky: Muchos factores.
Simone: Pero yo, como buena capricorniana que soy, siempre soy muy previsora, necesito como mi espacio para lamer mis heridas a solas, de procesar lo que me está pasando, de entender lo que me está pasando, aparte aplicando una cantidad de tips de perfil terapéutico, emocional, como lo quieras llamar, para no derrumbarte.
Casualmente, mi diseñador, el diseñador miográfico con el cual vengo trabajando hace ya varios años, él también estaba pasando por una situación bastante similar, estaba muy preocupado, padre de un bebé, con una señora encantadora, pero no le estaba entrando laburo, y yo le venía diciendo a él hacía mucho tiempo que teníamos que crear una especie de agencia de comunicación digital porque la necesidad que hay en el mercado de los locutores es real, incluso sin que esos locutores lo sepan, lo necesitan por una cuestión comercial.
Lo cierto es que un buen día me dice, “Vamos a hablar y te voy a presentar unas personas”, él creó su propia agencia de comunicación digital con otras tres personas maravillosas, uno de los cuales es el coordinador y también diseñador gráfico como él, que se conocieron estudiando juntos hace muchos años, otro que es el desarrollador web, y una chica divina, María Alejandra, Male, ella se especializa en CEO marketing aplicable a Google y aplicable a todas las redes sociales.
Ya estaban trabajando en otras cosas y cuando me dice eso, de tener una reunión, yo puse toda la carne en el asador con todo el equipo y les dije que mi idea era crear una agencia digital, que ellos ya estaban conformados pero que el gran diferencial era hacer algo específico para locutores, que estuviera dirigido por una persona, en este caso esta humilde servidora, que conociera bien todo el tema de la industria, que puedo ir a asesorar a los locutores, sean ultra pro o sean principiantes, pero asesorarlos en todo lo que es su puesta en práctica en cuanto al tema de su marca.
Cómo hacer rendir bien un website, que logre posicionar toda esa imagen, ese look and feel que representa el branding, es decir, la marca más allá del logo. Después, todas las estrategias de marketing que el locutor pueda necesitar conforme a sus necesidades, porque no es lo mismo un locutor que se especializa en audioguías de museos, que ese es su fuerte y de hecho, hay. A nivel americano hay locutores que están ultraposicionados en eso.
Hay otros locutores que son más abarcativos, pero hay un marketing para un locutor, como el especialista en audioguías de museos y hay otros para especialista en audiolibro de ficción, que lo contratan principalmente para eso. Le puede surgir algún trabajo de locución comercial o de grabar algún video explicativo, pero su fuerte es eso. Ese es su posicionamiento.
Vivimos en, no me cansaré de decirlo, los tiempos de la hipersegmentación del hiperposicionamiento. ¿Por qué me entusiasmó desde hace tanto tiempo hacer esto? Yo soy egresada de la Universidad Católica del Uruguay, estudié comunicación social, me especialicé en radio y publicidad. Trabajé en radio, ocupándome de toda la imagen, no voy a decir de toda la imagen, pero todo el branding sonoro de la radio.
En muchos aspectos dependía de campañas que yo escribía o yo atendía a los clientes directos, me los mandaban para que yo les hiciera los textos, buscar las cortinas musicales, hacer toda la artística de lo que era mi programa, para otros programas también.
Sentí que esta era una necesidad que, incluso yo tenía, que la tuve en su momento, pero creo que es hora de que el locutor sea consciente de que su website, es un negocio. Es el negocio en vez de estar parado en una calle, está en el éter, que tiene que dejar de depender de sitios pay-to-play.
Yo vi una imagen en el medio de esta crisis, que fue un sacudón para mí, esa imagen. Ver una cantidad de conejitos blancos, divinos, suaves, hermosos, todos y una sola zanahoria bien naranja en el medio. El mensaje era, “Be the carrot”. “Sé la zanahoria”.
Yo venía sintiendo desde hace muchísimo tiempo, más allá de que me ha llegado proyectos muy lindos y todo, pero que todos nosotros nos hemos convertido en conejos y que ponemos toda nuestra energía, toda nuestro know how, todo nuestro tiempo audicionando para sitios pay-to-play, que además, en casos específicos te cobran una anualidad y se llevan un 20%, como una, literal, comisión de una agencia que tiene que pagar teléfono, internet, alquiler, pero ellos te lo cobran porque lo hiciste gracias a ellos.
Ellos tendrán todo su séquito de personas trabajando como pseudos ejecutivos de cuentas, etcétera, pero 20% y no podemos seguir así. No podemos ser 50 tipos atrás de un trabajo de $400 y que a veces ni te escuchan.
No, tiene que ser al revés, tenemos que cortar ese círculo vicioso y no sabemos cómo hacerlo, no sabemos cómo acudir a las personas correctas y si lo hacemos, es subdividiendo todo en 30 personas que están en distintos lugares. Por eso me parecía superconstructivo hacer una agencia que nos ocupáramos de todo. Hay una persona que se especializa en CEO marketing. Incluso te puede formar.
Si vos no deseas que nosotros estemos todos los meses haciendo todo el trabajo de marketing para ti, tú puede aprender the basics, lo básico, para poder ser vos el gestor de tu propio marketing. Que no es solamente poner cositas en las redes sociales, es entender los metatags y un montón de cosas. Creo que el locutor tiene que ser de una buena vez consciente, que a pesar de nosotros vivir a través de la voz, lo nuestro es imagen, todo es imagen.
Nicky: Todo definitivamente es imagen. Comentábamos antes de empezar la entrevista, lo importante que es ahora también hacer más cosas en video. Realmente tú vas en redes sociales, en cualquier cosa, lo primero que vez, lo que más te llama la atención, es un video, no tanto una foto fija. Realmente, si nosotros podemos, obviamente, pensar en eso y pensar que sí es nuestra imagen, nuestra personalidad y nuestro branding lo que nos va a ayudar a traer ese cliente específico, ese cliente tan codiciado, ya cambia la jugada.
Empezamos a pensar también como dueños de negocios, como empresarios. En lugar de ser los conejitos de los pay-to-play, que no está mal para empezar. Uno siempre empieza una carrera metiéndose a un pay-to-play y audicionas ahí. Si te empiezan a caer trabajos, te vuelves complaciente y nada más te dedicas a estar audicionando para eso, 30, 40 audiciones o más a la semana.
Realmente no le pones ganas, sientes que se trata de eso y dejas de lado lo que es realmente el crear tu sitio web con todo lo que se necesita para posicionarte. Nuestra voz ya es única, es como nuestra huella digital.
Simone: Porque podrá sonar parecida a la de una colega, pero no tiene nuestra historia, no tiene nuestro acento, no tiene nuestra forma de acentuar las palabras, de sentir las palabras y de transmitir esa emocionalidad en base a todo lo qué es ese entretejido de vida, de historia tuya. Justamente tocaste una palabra que es clave y por lo que yo siempre he apostado, que es la unicidad. Eso se refleja también en mis producciones de demos.
Yo tengo una metodología en OneDemoStudio, en lo que me enfoco y a lo que apunto, es a destacar cuán única es esa persona. Lo mismo pasa acá, pero con la imagen, con el branding, con el website y con un posicionamiento marketing que te puedan encontrar y que digan, “Esta persona es inolvidable”. No es un sitio más. Te sentís que podés captar el alma de la persona a través de lo que estás viendo, que podés conectarte con esa persona, que podés deducir por dónde vas.
Si vos encontrás un sitio totalmente híbrido, decí, “Bueno, ta–“. Nos pasa a muchos locutores o que le puede pasar a muchos locutores, que tienen un sitio que no transmite nada, que lo tiene ahí como decir, “Tengo el sitio–“. Si querés escuchar otras cosas, tenés ahí todo concentrado, pero no es un sitio que revele, que refleje realmente quién es esa persona.
Es muy importante, no solamente por el sitio, sino por las redes sociales, de que haya una unicidad, que haya una razón de ser, una complementación de todo, una conexión entre todo.
Nicky: Así es. Cuando un locutor empieza, ya dice, “Okay, ¿sabes qué? Sí, quiero hacer mi marca”. ¿Por dónde empiezo? ¿Cuál es la manera como empiezan ustedes a desarrollar ese branding para armar el sitio web?
Simone: Tenemos muchas reuniones con el locutor en cuestión. En primera instancia tenemos una reunión antes de todo el tema del branding, para conocer quién es esa persona, quién es ese cliente o potencial cliente, ¿dónde está parado en su profesión? ¿Qué es lo que quiere lograr en materia de trabajos o de clientes, o también de escenarios geográficos?
¿Cómo se imagina que va a interactuar él con el sitio y con sus redes sociales frente a sus potenciales clientes? ¿Qué busca transmitir? También, ¿qué es lo que no quiere hacer? ¿Qué es lo que le ha pasado antes si es que tuvo otros sitios? ¿Cuáles fueron los procesos que no le funcionaron?
Tenemos la reunión y a partir de allí le enviamos un brief con un montón de preguntas, donde no solamente se incluyen las preguntas clásicas de un brief de marca, sino que también se han agregado una cantidad de cuestiones, de preguntas relacionadas con su trabajo de locutor, desde lo técnico hasta qué cosas graba más, si predominan más los videos que los audios.
Por ejemplo, un locutor, volvemos al caso del locutor, que es un audioguía de museo, no va a tener muchas cosas en video. Lo mismo puede pasar con un locutor que se dedica a grabar audiolibros de ficción. Podrá tener las tapas de los libros, capaz que animarlas, pero no va a tener videos que muestren eso. Eso, quieras o no, influye hasta en el tipo de plantillas que se pueden usar, que tenemos miles de plantillas o de templates que se pueden utilizar para aplicarlo a su caso.
Requiere mucho pienso esas preguntas que le hacemos, ese cuestionario. A partir de ahí se pasa a la etapa de presentarle, en función de sus respuestas, tres logos que no son los definitivos, y sobre el que él seleccione o los que él seleccione se va acotando cada vez más lo que lo representa, lo que él quiere y lo que nosotros consideramos. Una vez definido el logo se hace el manual de marca del locutor.
El manual de marca incluye desde los colores Pantone específicos que van a formar parte de toda su marca, las tipografías, las principales y las alternativas, los sí y los no de la combinación de todos esos factores en las redes sociales, los fondos aceptados, los fondos no aceptados. Es un trabajo maravilloso el que hace Juan Pablo, que es el que se encarga de eso y es el que fundó la agencia, y es con quien yo trabajo hace años.
Abro paréntesis, están todos en Colombia menos uno que se acaba de ir a España a vivir, a Valencia, y yo, como siempre pasa, soy la única uruguaya, porque somos tres gatos locos. Después de ahí, en base a todo eso, Juan Pablo, y seleccionado el template del website que se va a utilizar acorde a lo que el locutor indica que necesita, se buscan los mejores ejemplos y una vez definido el mejor template, a partir de allí Juan Pablo empieza a diseñar–
No, se hace la arquitectura del sitio, donde se le muestra al cliente, al locutor, cómo va a estar organizado su sitio, con sus secciones principales y sus subsecciones, y sus sub-subsecciones de ser necesarias. A partir de ahí, Juan Pablo, basándose en la arquitectura y en todo el tema del manual de marca, se empieza a armar toda la estética del website.
Nicky: ¿Al locutor le toca, en ese proceso, escribir, por ejemplo, qué es lo que quiere decir de sí mismo o en general de cada uno de los géneros que va proponiendo? Por ejemplo, si tiene una página o una sección nada más con comerciales y luego tiene otra nada más con narraciones corporativas. ¿Debe de escribir en base a?
Simone: Sí, se le pide que escriba– No puede escribir una Biblia. La gente cada vez, y se nota con las faltas de ortografía y de semántica que uno ve en las redes, la gente cada vez lee menos. Se busca que el esfuerzo de leer, porque como todo es imagen, el esfuerzo de leer texto del usuario sea mínimo, se busca que todo esté bastante resumido. Le pedimos al locutor que escriba y yo como redactora creativa que soy del equipo también, le voy corrigiendo las cosas.
Lo vamos adaptando de la idea original a cómo queda desde un punto de vista estético y comunicacional profesional, cómo puede quedar mejor. Se van teniendo varias reuniones con el locutor para que vaya viendo cómo vamos avanzando, le vamos mandando materiales, etcétera. Después, una vez que está el sitio hecho, se selecciona qué tipo de planes de marketing hay y cuál quiere usar.
Nosotros le aconsejamos al locutor utilizar mínimo un plan bastante completo, pero por cuatro meses hasta que el sitio de él logre posicionarse en Google, que no es de un día para el otro, es un proceso que lleva un buen rato y mínimo tiene que hacerlo por cuatro meses, donde también se le ofrece la oportunidad de que nos ocupemos de sus redes sociales.
Tenemos planes donde le diseñamos, siempre inspirándonos en ese famoso manual de marca y en todo lo que él quiere lograr, se diseñan desde reels hasta historias, hasta cosas para TikTok, cosas para Instagram.
Nicky: Eso me parece maravilloso porque es una de las cosas que siempre estamos como dejando, de que, “Ay, ¿ahora qué voy a postear? Ay, ya sé que tengo que hacer otro reel”. Llega un momento en donde dices, “Es que no”, y es lo que más vamos dejando de lado porque luego nos crea conflicto estarnos manteniendo al día con eso y también porque no nos gusta presumir mucho de nosotros mismos. Es importante que haya una estrategia para eso.
Simone: Claro, hay una estrategia que hay que hacerla muy bien. Incluso hay horarios, por ejemplo, idóneos para mostrar reels o para subir cosas en Instagram, dependiendo del timezone que a vos te importe. No es tu timezone, tu zona horaria, sino depende de tu público objetivo también. Por ejemplo, si a mí me interesa que me vean productoras de Los Ángeles, no voy a estar publicando en horario de Uruguay, que son cuatro horas más.
Nicky: Cierto.
Simone: Lo bueno que además de todo el posicionamiento del website con todos los metatag, y también se buscan que haya palabras claves que realmente funcionen para que el locutor pueda posicionarse bien y aparecer en los primeros lugares, y cómo se ubican secretamente esas palabras claves, esos keywords, para que en forma totalmente subliminal vaya escalando y vaya subiendo en posicionamiento.
No es decir spanish voice talent, no. Es poner, sos narrador, narrator, audiobook, spanish o bilingual narrator, non-fiction. Yo qué sé, te voy tirando– Aparte, te hacemos la planimetría, quieras publicar o vos– Si vos, por ejemplo, dominás el tema de Hootsuite para hacer en forma predeterminada y por adelantado las publicaciones, Hootsuite es una herramienta fabulosa que te permite publicar con días de antelación u horas de antelación, una cantidad de post, sea a través de LinkedIn, sea por Instagram, sea por Facebook.
Publicarlos en determinados horarios, basándote en los momentos picos, que ya Hootsuite te lo indica, cuáles son los momentos picos en esa zona horaria. Si ya conoces todo eso, nosotros te hacemos toda la planimetría para que vos para tal día publiques tal imagen, ponele, con estos keywords, con este texto, ya todo prediseñado. Porque hay una comunicación, en ese caso, muy fluida entre María Alejandra y Juan Pablo, María Alejandra de marketing y Juan Pablo el diseñador.
Porque ella que está craneando todo tu marketing, le tiene que indicar a Juan Pablo qué es lo que tiene que diseñar.
Nicky: Por ejemplo, le van pidiendo a los locutores, “Oye, venme mandando fotos o cosas de los trabajos que vayas haciendo y entonces te vamos a armando algo”, y si no están trabajando mucho en ese entonces, ¿cuál es la estrategia? Se abocan de otra forma para que nunca se interrumpan.
Simone: Generalmente, por ejemplo, a través de Instagram lo que más se aconseja es que se publiquen mínimo dos post por semana, el tema es hacerlos rendir porque para publicar dos post y que nadie te vea en el horario que no corresponde o que no lo promociones, sobre todo si sos un business, como es mi caso, por ejemplo, yo promocionó una cantidad de cosas para poder llegarle a más potenciales clientes, en este caso a través de Woice Over lo que yo busco es tener cada vez más clientes.
Lo mismo pasa con OneDemoStudio, con mi productora de demos yo programo promociones para que salgan en determinados mercados que son herramientas que te da Instagram Business. La gran suerte es que nosotros nos ocupamos de todo eso y vos no tenés que pensar en nada, obviamente no es gratis, pero si estás absolutamente enfocada, embarcada en salir de un status quo y ya ponelé que sos una locutora como es su caso, que sos una locutora consagrada y sentís que necesitás llegar a otra gente.
A mí, por ejemplo, me fascina todo lo que es la inteligencia artificial, de hecho, te diría que en este último año y medio he trabajado mucho en la industria de la inteligencia artificial con la voz como herramienta con todo lo que eso significa. Yo no voy a estar publicando cartelitos como locutora en Facebook o en Instagram para que me digan otros colegas, “Qué lindo”, no es lo mismo que esos locutores, viste que hay grupos de locutores que publican su demo o que dicen, “Para lo que usted necesiten de locución estoy acá”, y somos todos locutores.
Nicky: Sí, todos sus followers son locutores, ninguno es cliente potencial.
Simone: Estamos todos en la misma que vos, otra vez todos los conejos atrás de la misma zanahoria, no, es posicionamiento, posicionamiento, posicionamiento. ¿Qué vas a hacer? ¿Vas a publicar en Instagram o en Facebook? No, yo voy a publicar en Linkedin, voy a salir a buscar a mis clientes en Linkedin.
Nicky: Dónde están, tienes que ir a dónde están tus clientes y darte cuenta de quiénes van siendo tus seguidores. Tiene, por ejemplo, ya que tocaste Linkedin que a mí me parece una de las mejores plataformas para la cuestión de trabajo. Ustedes también crean ahí lo que es el banner, el que va ahí en Linkedin y también hay una estrategia acerca de a quién estar contactando y como saber usar bien esa herramienta, esa plataforma. Incluso ya tiene tipo Stories también Linkedin y tiene likes también, puedes hacer todo eso.
Simone: Sí.
Nicky: Es impresionante.
Simone: Nosotros no salimos a buscar a tus clientes, no somos tus agentes comerciales, eso es algo que quiero dejar muy claro, nosotros no nos dedicamos a salir a buscarte los clientes, nosotros somos una agencia de comunicación no una agencia, ni de talentos ni una agencia que te sale a buscar trabajo.
Nicky: No son managers.
Simone: No. Es como si fuéramos una agencia de publicidad. Definitivamente Linkedin está cambiando. Todo cambia todo el tiempo, por eso yo siempre le he dicho a todos los locutores que han pasado por mis manos, en el buen sentido de la palabra que han sido alumnos míos o que son amigos o qué me consultan que uno tiene que estar permanentemente actualizado acerca de todo lo que está pasando a su alrededor.
Uno tiene que saber dónde está parado, tiene que conocer esas herramientas fabulosas que están a su disposición o pagando $5 desde una aplicación a lo que sea para facilitarles la vida o para poder llegar más lejos todavía de lo que se había propuesto.
Nosotros queremos ser precisamente a través de Woice Over, queremos facilitarle al locutor un ahorro de tiempo impresionante, ahorrarle angustia porque no tiene tiempo, ni sabe o no tiene tiempo o no conoce de diseño gráfico y necesita salir a decirle al mundo que él existe, de armar un website como la gente, de no hacer un website con Wix, eso no sirve porque es lo mismo cuando uno se hace un demo.
Vos podrás agarrar textitos de trabajos a los que te has presentado antes o podrás mostrar cosas que ya han salido al aire, por ejemplo, y mezclarlo vos, pero, ¿lo sabés mezclar bien? ¿Lográs generar como ese entramado entre una pieza y otra en forma adecuada? ¿Ubicás las piezas en el orden que genera más impacto en el otro lado del parlante? No, eso es tocar de oído y ser locutor hoy es ser empresario.
Nicky: Sí, definitivamente, tienes que ser empresario. También, por ejemplo, una vez que se hace, ya tienes tu sitio web precioso, ya desarrollaste marca, todo eso. Qué tanto, se tiene que hacer unas actualizaciones porque queda la cuestión está de los cookies y de las cosas de que no se te vaya a llenar de virus, etcétera, una limpieza integral del sitio y de esas actualizaciones.
Simone: De eso también nos ocupamos nosotros, perfectamente eso se puede pautar con el locutor cada cuanto quiera hacerlo y también quería decirte que hablando del empoderamiento y de la autonomía del locutor que cada vez lo es más y tiene que apuntar a eso, a su autonomía en todo sentido.
Nosotros creamos sitios de tal forma de que vos como locutor puedas subir tus logos nuevos, los logos de los clientes nuevos para los que grabaste, de actualizar tus audios, nosotros te enseñamos a hacerlo, de hacer cambios en tu biografía y que no tengas que depender, a ver si te responden o no te responde el que te diseñó el sitio hace tres años y que capaz que utilizó una plataforma que solo él entiende, no. Nosotros tratamos de hacer todo muy fluido para que el locutor sea el dueño, que sea el capitán de su barco.
Esa es otra cosa que para mí es reimportante porque es lo que yo siempre quise para mí. Por suerte yo tengo actualmente un sitio en Squarespace que de hecho el chat de paso y cañazo te cuento que voy a cambiar todo mi branding, va a ser algo completamente diferente, respetando muchas cosas de antes, pero Simone no es la misma de hace seis años que la actual. Lo que ha pasado por mi vida y por mi carrera en estos últimos años es lo que no me pasó en todos los años anteriores.
Por eso te decía que Estados Unidos para mí fue lo máximo que me pudo pasar en la vida en cuanto a mi profesión y otros factores y digo por qué, todo lo que yo pude hacer en Estados Unidos viviendo allá 15 años no me lo hubiera imaginado en otro lugar y hay que empoderarse locutores.
Tenemos que ver a nuestro trabajo no como una cuestión desprolija, con esa visión de lo que era el almacenero que tenía la libretita donde anotaba la plata que le fiaba a los vecinos que le pagaban a fin de mes o tener todo lleno de polvo, no, tenemos que limpiar la casa, hay que renovarse. Tenemos que ser nosotros los dueños de nuestro negocio y hacerlo funcional a nosotros, no al revés.
Nicky: Además porque realmente hoy en día como bien dices, cambia todo tan rápido en cuestión del branding, en cuestión de imágenes, en cuestión de una plataforma y otra y este plugin y el otro plugin, que uno sí tiene que estar al día y es muy importante que tengas un equipo que te ayude a mantener esa frescura y a mantener esa imagen y a posicionarte como lo eres y no tener un sitio web que te crearon hace cinco años y que nunca has actualizado y que no te estás manteniendo al día y saber que sí, el SEO es importante.
También es importante esa marca, esa posición tuya, esa imagen que tiene que ser única. Tienes que estar en coordinación con todo, realmente mantenerte al día y dedicarle el tiempo necesario a eso, porque si se va dejando de lado, puedes estar perdiendo trabajo. No vas a atraer a tus clientes ideales a menos que sepas qué es lo que están buscando, cómo te pueden encontrar. Por ejemplo, en tu sitio web, es otra cosa que te iba a preguntar, ponen los demos, el trabajo ahí, es como de lo primero que uno puede encontrar.
Porque sí, claro, la imagen, obviamente, es muy importante, que te empieza a decir a un cliente, “Sí, esta persona tiene una imagen que yo creo que le va a ir bien”, pero lo que me interesa de esta persona también es, “¿Esa voz va con esa imagen? ¿Dónde están sus demos?”. Inmediatamente, quieren saberlo, escucharlos y hasta poderlos descargar en ese momento.
Simone: Exacto. Por eso es tan importante que no simplemente sea una agencia de diseñadores, especialistas en marketing y chao, sino que haya una persona atrás que entiende lo que es el negocio, que entiende lo que se está pidiendo en la industria y que si vos sos un locutor, el cliente potencial no tenga que hacer el más mínimo esfuerzo para escucharte. Tu demo tiene que estar ahí, tiene que ser visto. Tu teléfono, tu e-mail, todo tiene que estar a la vista.
Nicky: Sí, así es.
Simone: Aunque te parezca mentira, si bien hemos salido oficialmente hace cuestión de dos, tres semanas a la opinión pública, tengo la gran dicha, la gran suerte, Nicky, de que, personas que me conocen hace mucho tiempo o que fueron mis alumnas, al yo comentarles off the record, en forma extraoficial, que iba a lanzar está agencia, me dijeron, “¿Cómo? Ya te contrato”.
Ya terminamos un sitio de una locutora de Colombia y estamos avanzando muy rápidamente en el sitio de una colega de Chile. Si Dios quiere, vamos a trabajar con uno de Argentina, el mío también va a entrar en la bolsa y no sé, capaz que el tuyo entra en cualquier momento entra también.
[risas]
No, pero fuera de broma, lo increíble es que sin haberlo anunciado públicamente, a la poca gente que se lo comenté me dijo, “Los tengo que contratar”, eso te da la pauta. No te hablo de locutoras que están a full todo el día grabando, te hablo de locutoras que están en una etapa, te diría que intermedia en sus carreras.
Una quizás más avanzada que la otra, pero que están laburando mucho y entienden que no se pueden conformar únicamente a su mercado local, sino que hay que expandirse. También Estados Unidos o Europa son zonas del planeta, que increíblemente están en el norte, como decimos, “You have to look up to them”.
Los tenés que tomar como referencia, tenés que mirar para arriba, porque ahí están quizás tus clientes principales. No digo que, para todos los locutores, pero hay muchos locutores que miran a Estados Unidos principalmente como su mercado ideal y te tenés que poner a la altura. Lo mismo pasa con tu demo, lo mismo pasa con la calidad de tus audios, de cómo respondes los mails, todo. Es muy importante profesionalizarse.
Nicky: Así, es. Sí, profesionalizarse es la palabra perfecta, es la clave, porque no es nada más, “Ya estoy empezando en esto, ya tengo un equipo, ya lo puedo grabar de casa y vamos a estar nada más, así acá audicionando. Vamos a ver qué sale”, pero no te tienes contemplado un negocio estructurado.
Realmente vas a llegar hasta cierto punto, pero si no le estás invirtiendo en esa estrategia, en educarte, tanto en la forma de tu negocio como obviamente seguir en la interpretación, buscando tendencias nuevas, etcétera, si uno no se sigue revolucionario constantemente, llegas hasta cierto punto y como que te estancas.
Hay que seguir adelante porque si no, realmente no se va a llegar más allá y esas metas que nos podemos fijar, no van a ser tan alcanzables. Todos tenemos un punto y un proceso donde queremos llegar a algo muchísimo más allá de lo que hemos pensado, pero tienes también que saber a qué puedes aspirar.
También por eso es importante comparar esto, ver otros sitios web, escuchar otros colegas y decir, “Espérame, yo también quisiera hacer eso. ¿Cómo le hago?”. Obviamente, hay que presentarse de la mejor manera posible.
Simone: Totalmente de acuerdo contigo, Nicky. Para aquellas personas que se están dedicando a la locución desde hace algunos, no te diría que unos meses, pero sí que llevan unos años y que entienden que tienen que pasar al próximo nivel, por ejemplo, es muy aconsejable que empiecen a encarar esto seriamente.
Pasa por el branding, pasa por hacer un sitio que sea funcional a lo que se está pidiendo hoy en la industria, de poder llegar a las personas correctas. ¿Te acordás en nuestra época que íbamos a las agencias con el cassette? El cassette vuelve aparte, el walkman también, pero eso es un capítulo aparte, pero sí, ya fue esa época de pasar de agencia por agencia, ahora ellos van a vos, te buscan.
Yo siempre parto de la premisa, como en el amor, siempre hay alguien que está buscándote, que aspira encontrarse con alguien como vos. No podemos dejar todo librado al azar, tenemos que ser encontrables.
Nicky: Totalmente encontrables. Sí, definitivamente, hay mucha gente que se quiere brincar a los representantes, mucha gente que prefiere hacer el trato directo con el locutor.
Simone: Agentes.
Nicky: No, con el locutor.
Simone: Con el locutor.
Nicky: Sí, que no quiere agentes, que quiere tratar directamente con el locutor. Claro, ojo, también dentro de eso está saber cobrar, porque hay veces que es otro capítulo, que quieren ahorrarse el representante porque no quieren pagar esa comisión o lo que sea, o porque piensan que van a conseguir unos sueldos más bajos, no, pero si tú le inviertes a tu marca, a tu entrenamiento, a tu website, tu branding, todo eso, eso es algo que te va a llevar a atraer a los clientes que te van a redituar.
Vas a empezar a recuperar esa inversión sabiendo negociar y siguiendo ese posicionamiento tan importante.
Simone: A la larga terminas ahorrando ansiedad, dinero, porque el dinero que le pagas anualmente o en supuestas comisiones a los sitios pay-to-play, te los guardas vos en tu bolsillo, hasta podés cobrar más, porque uno nunca sabe realmente qué cobra cierto sitio pay-to-play. Nunca sabemos en el fondo cuánta plata pone el cliente por ese trabajo y cuánto es lo que publica ese sitio pay-to-play.
De esta forma, que ellos te encuentren a vos, es cobrar capaz que tres, cuatro veces más de lo que te hubieras imaginado que ibas a cobrar por un trabajo, sin pagar comisión y sin estar corriendo junto con 499 otros conejos atrás de la misma zanahoria. Sé la zanahoria, déjate encontrar y sé inteligente haciéndote encontrar más fácilmente.
Esa es la idea, de pensar en tu carrera como locutor, como un negocio. Es una inversión a largo plazo, también, Nicky, porque obviamente que todo lo que es el refuerzo de las redes sociales, es una vez el impacto que puede tener inmediato un reel es brutal, pero después, capaz que ya no tiene el mismo valor, pero tu posicionamiento– Todo el trabajo de posicionamiento es un trabajo de hormiga.
Por algún lado tenés que empezar y lleva tiempo, como decíamos hace un rato, pero es una inversión a largo plazo. No inviertas en sitios pay-to-play, invertí en vos. Abrite a posibilidades nuevas, dejá que te encuentren empresas impensadas y date la oportunidad de llegar más lejos.
No en vano elegimos todos los colores más hermosos de las aves latinoamericanas para nuestro sitio, que jugamos tanto con las aves y con todo tipo de aves con el objetivo de pintarnos nosotros los latinoamericanos como locutores repletos de color, porque estamos repletos de acentos, repletos de tonadas, repletos de historias, de garra, de las garras que pueden tener algunas aves.
Porque más allá de todo lo que nos han pasado, nos ha pasado a nosotros los latinoamericanos, por temas de carácter, de colonización, económicos, políticos, todo lo que quieran. Aquí estamos y seguimos bailando y seguimos brillando con nuestros colores. Tenemos muchas cosas para dar y para lograr como profesionales latinos de la voz que somos.
Nicky: Así es. Simone, ¿dónde te pueden encontrar? ¿Obviamente dónde pueden ellos–? Voy a poner todo las ligas en las notas del programa. El nombre del sitio web, ¿es?
Simone: Woice Over con W, al principio en vez de voys, es woice, woiceover.com. Woice Over somos en Instagram también. También estamos en Facebook, pero le damos más preponderancia, ni que hablar a Instagram. Nos pueden contactar telefónicamente. Así que estamos a las órdenes.
Nicky: Perfecto. Simone, muchísimas gracias realmente que nos hayas dado acá la primicia de esta nueva empresa, de esta nueva agencia digital para locutores hecha por locutores, muy puntual y muy necesaria. Ya saben entonces a dónde pueden comunicarse contigo para empezar su branding y para realmente llevar su carrera al siguiente nivel. Muchísimas gracias, Simone, por estar acá de nuevo.
Simone: Gracias a ti por la invitación y un abrazo muy grande a quienes nos estén mirando y estamos a las órdenes.
Nicky: Muchísimas gracias. Lo mejor y el super, súper éxito para Woice Over.
Simone: Gracias.
Locutor: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. ¿Quieres escuchar más episodios? Visita www.lapizarra.podcast.com o nickymondellini.com/lapizarra, donde podrás suscribirte al boletín mensual y tener acceso a los avances exclusivos de los nuevos episodios, así como recursos para tu negocio creativo. Sintonízate la próxima semana para otra interesante entrevista.

Episode Summary

Tito Vasconcelos nos lleva por su interesante y particular proceso artístico y de creación, como referente del mundo de las artes en México e investigador teatral. En este nuevo episodio, nos comparte cómo ha sido el proceso del CabareTito creado hace ya 25 años, y cómo el cabaret se convierte en una posibilidad de romper tabúes, de reeducar, un espacio de convocatoria a gente que tiene ganas de hacer algo distinto y también cómo ha ido incluyendo temas políticos y sociales contemporáneos en sus creaciones.

Episode Notes

Transcript

Presentador: Esto es La Pizarra, un espacio para explorar las mentes creativas del mundo del espectáculo en ambos lados de la cámara y el micrófono. Aquí está su anfitriona, Nicky Mondellini.
Nicky Mondellini: Hola, ¿cómo están?, bienvenidos a un episodio más de la pizarra, soy Niky Mondellini. Hoy vamos a transportarnos a los escenarios de teatro y cabaret con el incomparable Tito Vasconcelos, actor y director de teatro y cabaret, profesor, empresario y activista de la diversidad sexual en México. Tito nos va a hablar sobre los arquetipos en la actuación y también sobre su proceso creativo. Me da muchísimo gusto que nos acompañes hoy.
Cuando me preguntan qué plataforma recomiendo para grabar un podcast o reuniones virtuales, yo siempre digo que SquadCast es de lo mejor que existe hoy en día, porque puedes grabar con hasta nueve invitados, con una increíble calidad de sonido profesional. La verdad es que es de lo mejor que yo he escuchado en cualquier otra plataforma. Además, puedes descargar tus archivos de audio ya masterizados con sonido Dolby.
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Hay mucho de qué hablar con Tito Vasconcelos, él es un gran referente para el mundo de las artes en México y un ávido investigador teatral. Su impresionante trayectoria fue celebrada en 2017 por sus 50 años de carrera con la puesta en escena de Divina Despierta, escrita especialmente para él por José Ramón Enríquez, inspirada en la pieza de Jean Genet, Nuestra Señora de las Flores.
En 1980, Tito creó, junto a José António Alcaraz y Fernado López Arriaga, el primer montaje considerado por la crítica como teatro gay en México, que fue llamada, Y, sin embargo, se mueven, que fue estrenada en 1980, como ya lo mencioné, en el Teatro Universitario Arcos Caracol de la UNAM. En 1984, Tito inició como productor, especializándose en el cabaret, trabajando más tarde en este género con Jesusa Rodríguez en el teatro El Hábito, hoy llamado, El Vicio.
A fines de los años 90, Tito fundó junto con su esposo David Rangel, El Cabaré Tito, un antro LBTQ en la zona rosa de la Ciudad de México, que luego se convirtió en una franquicia con diversos locales y conceptos diferenciados como café, antro, teatro, por supuesto, cabaret y discoteca. Es en El Cabaré Tito, donde Tito realiza el montaje de La pasión según Tito, en Semana Santa, con gran éxito escrita y dirigida por él.
Por si fuera poco, Tito realizó el programa de radio, Medianoche en Babilonia durante ocho años en Radio Educación. Entre sus créditos de cine están, Danzón, Dollar Mambo, De noche vienes, Esmeralda; Al borde, Sin ton ni Sonia, El edén y La vida precoz y breve de Sabina Rivas. ¿Cuándo fue que tú empezaste a sentir ese gusto, esa pasión por la vida artística, por el teatro?
Tito Vasconcelos: Mira, yo creo que tiene que ver mucho con que mi madre fue maestra de educación elemental y mis primeros años la acompañaba a trabajar y la veía preparando las cosas, los festivales cívicos, día de las madres, día del maestro, todas estas cosas, las fiestas patrias. Siempre la organización de estos eventos me causaba mucha emoción. El ser escogido para declamar una poesía a la patria, a la madre, al maestro, yo siempre estaba ahí muy presente, veía que mi madre preparaba sus festivales, que hacía ropa de papel crepe para las niñas.
En fin, toda una serie de cosas, de preparaciones, de preproducción que me llamaron siempre la atención y empecé desde la educación primaria declamando, porque me gustaba muchísimo, la voz y se me educó la voz naturalmente.
Nicky Mondellini: La timidez nunca fue algo en tí.
Tito Vasconcelos: No, sí fui tímido porque solo me sentía muy seguro y muy protegido en esos momentos, porque yo empecé la educación primaria muy temprano. Tenía yo cuatro años y medio cuando me inscribieron a la escuela, porque ya sabía yo leer a esa edad. Era el más pequeñito siempre, no del salón, de toda la escuela. Sí, me daba susto sentirme vulnerable con todos. Los niños de seis años ya eran grandes para mí. [ríe]
Nicky Mondellini: Sí, a esa edad es una diferencia bárbara, como no.
Tito Vasconcelos: Bárbara, sí. Ese espacio en el que los profesores me dedicaban tiempo específicamente a revisar que yo aprendiera poesía y todo eso, me daba seguridad por lo menos en el aula. [ríe]
Nicky Mondellini: Sí, claro.
Tito Vasconcelos: Yo creo que de ahí nació mi entusiasmo y mi interés por estar trepado en un escenario, porque sentía bonito los aplausos y me sentía importante.
Nicky Mondellini: Por supuesto.
Tito Vasconcelos: Dejaba de ser el niño pequeñito, el hijo de la maestra, el hijo de– Era Tito, Tito Vasconcelos que sabía declamar y que “Uy, cómo se aprende tantas cosas de memoria”. Era divertido eso.
Nicky Mondellini: Claro, mira, pues, realmente ya lo traías, naciste ya con eso. Con esa [unintelligible 00:06:40] en la frente.
Tito Vasconcelos: Yo creo que sí. Yo me enteré mucho tiempo después que mi madre también tuvo unos intentos de vida artística, pero mi abuela que era muy severa no se lo permitió. Mi madre empezó a trabajar muy jovencita también, casi una niña. Tenía 13 o 14 años cuando empezó su carrera de maestra y le tocaron ir a pueblos lejísimos de la capital de Oaxaca, que es el Estado donde yo nací.
Éramos, nada acomodada la familia, éramos una familia pobre, entonces había que trabajar y ganarse, tener el sustento seguro. No arriesgar a que te llamen a trabajar y seas la estrella de una temporada y luego no te vuelvan a llamar. Tú sabes qué es esta carrera, ¿no?
Nicky Mondellini: Muy bien, así es esta carrera. Claro.
Tito Vasconcelos: No hay nada que te asegure que vas a permanecer ahí y vas a tener un ingreso seguro permanente.
Nicky Mondellini: Hay que estar correteando el siguiente proyecto todo el tiempo.
Tito Vasconcelos: La chuleta, decimos aquí los mexicanos. [ríe]
Nicky Mondellini: No quise ser tan burda, pero sí. Correteando la chuleta.
Tito Vasconcelos: Correteando la chuleta.
Nicky Mondellini: Ni modo. [ríe] Así es. Tito y entonces, ¿cómo es que luego llegas a los escenarios de México?
Tito Vasconcelos: Cuando cumplí 12 o 13 años, empecé a tener mala relación con mi madre porque yo tengo el mismo carácter de mi madre, de una rebeldía y soy contestón, en fin. Empezamos a tener conflictos de autoridad y mi hermana que ya vivía en la Ciudad de México, me fue a rescatar porque era muy mala la relación realmente. Yo hacía cosas para hacerla rabiar y ella me daba unos buenos cuerazos para tratar de controlarme.
Estuvo muy bien, yo creo que mi hermana hizo una gran labor en irme a rescatar, porque cuando llegué a la Ciudad de México, el anonimato fue maravilloso. Que nadie me conociera, porque yo salía a la calle en Oaxaca y la gente me conocía, “Pues es el hijo de la maestra que vive en tal calle y en tal número, y está–“. Era una ciudad muy pequeñita Oaxaca en ese momento, mil novecientos cincuenta y tantos.
Llegar a la capital y que nadie te conociera y que nadie supiera quién eras, sobre todo porque yo ya había descubierto mi sexualidad y empezaba a curiosear con el asunto de la sexualidad. Era yo muy atrevido, porque era menor de edad, pero tenía yo la curiosidad de saber qué era lo que me sucedía. El anonimato obró a mi favor en ese momento. En la secundaria conocí a Asucena Rodríguez que era profesora de literatura española, ella misma era actriz y tenía una hermana también actriz radiofónica, Alicia Rodríguez, eran unas voces muy parecidas.
La primera estación de FM en México, se llama FMFO, ellas eran las voces de la frecuencia modulada. Ella me invitó para el festival de fin de año. Estaba yo en segundo año de secundaria, y me invitó a hacer El Retablo de las Maravillas de Cervantes. Me estrené con un clásico, con una obra además maravillosamente escrita, breve, pero tan rica en posibilidades.
Yo en ese momento no lo sabía, pero divertía mucho entrar, porque además, era un pícaro yo, era Chan-falla. Ya después que entendí qué era lo que estaba haciendo, porque yo lo hice de manera muy silvestre y lo hice bien, me imagino, porque recibí muy pocas correcciones y muchos aplausos.
Nicky Mondellini: Lo hiciste muy bien.
Tito Vasconcelos: Lo hice bien. Ya después que lo analicé, me encantó que haya sido esa mi primera experiencia teatral. Yo retomé El Retablo de las Maravillas, luego para 2016, que eran los 400 años de Cervantes y de Shakespeare. En el cervantino hubo un festival, una obra de Cervantes, para hacer una versión nueva. A mí me tocó Pedro de Urdemalas, que es malísima la obra de Cervantes, es muy mala. [ríe]
Porque creo que sus obras cortas son buenísimas, pero Pedro de Urdemalas, la famosa comedia de Urdemalas, no es nada buena, porque es una adaptación que él mismo hizo de La Gitanilla, hizo de chile, de mole y de guacamole. No le quedó. Sí, pero dije, la premisa es, como Cervantes tomó de acá y tomó de allá, tomé los personajes del Retablo de las Maravillas para hablar de Pedro de Urdemalas, que es un pícaro.
Las historias de Pedro de Urdemalas llegaron en la época colonial a México, pero donde hicieron mucho furor y mucha historia fue en Sudamérica, en Chile y en Perú. Hay recopilaciones de cuentitos de Pedro de Urdemalas, que se volvió como el Pepito de los cuentos, de los chistes de adolescentes. Hicimos un espectáculo que se llamó De Pícaros Trúhanes y Actores, en donde sí hablaba yo de Pedro de Urdemalas, pero como un personaje más de una cadena de pícaros que dieron origen a la literatura picaresca española.
Pedro de Urdemalas volvió a salir en este espectáculo, De Pícaros Truhánes y Actores, que fue muy exitoso. Con ese espectáculo fui al Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en el 17. También fui a un Festival Internacional en Quito. En fin, es un espectáculo en tono de teatro cabaret que fue muy exitoso y que me ha dado mucha satisfacción, es como cerrar un ciclo de mis inicios escénicos con Cervantes, retomar y despedirme de Cervantes. Porque no creo volver a hacer ningún Cervantes en lo que me queda de vida, por lo menos que venga de mi parte el proyecto.
Nicky Mondellini: Tú tienes una extensa trayectoria tanto en teatro personales icónicos como el de Sarah Bernhardt que hiciste, por ejemplo, ¿no? ¿Cómo fue para ti esa experiencia?
Tito Vasconcelos: Fantástica, porque yo no conocía el potencial del travestismo en escena. Para mí, yo veía a los travestis que imitaban a las cantantes de moda de mis juventudes, que en todos los shows travestis había una Sonia López, una Sarita Montiel, una María Victoria, que ahora ya nadie se acuerda quiénes son esas personas. Me parecía muy fascinante, porque te provocaban a la fantasía, a la imaginación, a creer que de veras estabas viendo a las artistas de tu preferencia.
A mí se me ocurrió con José Antonio Alcaraz, nos convocaron a hacer un espectáculo para una entrega de premios de críticos y cronistas de teatro, escogimos una serie de críticas de teatro escritas por Luis Reyes de la Maza, que fue un gran estudioso y un gran crítico de teatro. Es un volumen, él juntó en un volumen que bautizó Cartas de Ultratumba. Los personajes que les escribían al actor, a la actriz, al director o al productor de la obra que se criticaba.
En el caso del texto que yo escogí fue una carta dirigida a un periodista que le entró por ser teatrero, que se llamaba Severo Mirón, y que compró los derechos de una obra feísima de Enrique González Deza, un monólogo sobre Sarah Bernhardt. Él armó toda una faramalla, una historia muy fantasiosa, y la publicidad rezaba, “Más de 250 de las mejores actrices”. Fíjate, si había 250 de las mejores, ¿cuántas actrices había en México? Que eso ya era una cosa muy graciosa para audición.
El papel que finalmente se lo ganó una aficionada, una actriz aficionada que él bautizó como Julia Bautista, porque Juli Christi y Aurora Bautista eran sus actrices favoritas. Ya te imaginarás la cursilería que era aquello. El monólogo se anunciaba solemne y sublime. Era pan comido, era piece of cake, como dicen, [ríe] para chacotear. La carta que escribía Luis Reyes de la Maza, en voz de Sarah Bernhardt, esa fue la que yo escogí.
Desafía al pobre productor, director de la obra y fue fantástico porque era un público integrado por puros actores. Era una entrega de premios. Tuve al público de pie y fue una cosa fantástica así de, “¿Cómo? ¿Yo provoqué esto?”. No porque no considerara que pudiera ser, pero el potencial de un personaje femenino travestido fue extraordinario y decidí que iba a averiguar un poco más profundamente y más seriamente por qué, qué era lo que pasaba.
Me empecé a involucrar en el estudio del teatro japonés, del kabuki, del noh, porque uno es con máscaras y el otro es con maquillaje, el teatro inglés de la época de Shakespeare y todas estas cuestiones. Luego, a lo largo de toda mi vida he visto que el travestismo es fantástico, que provoca muchas cosas, muchas cosas deliciosas y muchas cosas espantosas también. Se volvió como una especialidad mía.
Luego, resulta que en 1991 llegó a mis manos un guion cinematográfico fantástico que en principio me lo dieron a leer como integrante del colectivo LGBTTTI, porque María Novaro y Beatriz Novaro, quienes habían escrito ese guion querían saber si el personaje estaba abordado correctamente, respetuosamente. El personaje era Susy de Danzón. Lo más bonito fue que no me lo gané, audicioné y no me lo gané.
Empezaron la filmación y como dos semanas después me llamaron a medianoche de, “Perdónanos, la regamos, tú eras Susy. ¿Puedes venir?” “¿Cuándo?” “Mañana”. [ríe] Al día siguiente salí, salí a Veracruz. Sí, fue muy chistoso no había ropa para mi. Yo tuve que sacar de los trapos que tenía en mi casa, todo el vestuario de Susy, es hechizo, totalmente hechizo, pero es un gran personaje que me dio la oportunidad de brillar a nivel internacional, que me reconocieran en Nueva York, en la calle o en París, en la calle. Fue fantástico.
Nicky Mondellini: Claro, ¿cómo no? Qué maravilla. Después, ¿cómo es que empiezas ya tú a tener ese gusto por romper la cuarta pared y ahora sí entrar de lleno en el cabaret?
Tito Vasconcelos: Trabajar con José Antonio Alcaraz, que fue un gran hombre de espectáculos, un teórico de música, un ave de 1.000 tempestades, muy provocador. Él había trabajado con Jodorowsky en la época dorada de Jodorowsky, en la década de los 60 y 70, en México, y él aprendió de Jodorowsky la capacidad para hacer un espectáculo del texto que les cayera en las manos.
Si era el directorio telefónico, no había ningún problema, vamos a hacer un espectáculo sobre el directorio telefónico, a ver qué les provoca el directorio telefónico. Un poco el asunto con José Antonio, era ese, la provocación de pensar en algo que te interesará a ti decir. Para esas fechas, también que empecé, porque fui secretario de José Antonio Alcaraz en la década de los los 70, conocí yo el teatro Cabaret.
También, hice La Ópera de los Tres Centavos. Conocí de cerca, en vivo y a todo color Brecht y Kurt Weill, y me enamoré de las músicas de Kurt Weill para esta obra, y luego averigüé que había hecho cosas para cabaret y conocí el teatro cabaret que empezaba a hacerse en México, en una nueva época rescatado por teatristas como Juan Ibáñez, Julio Castillo, Enrique Alonso.
A principios de los años 80, José Antonio, en este mismo formato de vamos a hacer un espectáculo sobre qué– “A propósito de Pum”, decía él, “De a propósito de Pum, vamos a hacer un espectáculo”, y alguna tarde noche tomando café, en un café de la zona Rosa, decidimos que teníamos que hablar como homosexuales en primera persona, que teníamos que hacer un espectáculo entretenido.
Porque todas las presencias homosexuales en el teatro mexicano eran horrorosas, desastrosas, eran personajes marginales que sufrían horriblemente, que inclusive, en los 70, cuando surgió en Estados Unidos el boom de Los Chicos de la Banda, que también se hizo aquí en México, en esa misma década, que la dirigió Nancy Cárdenas, una lesbiana maravillosa también, los personajes eran horrorosos.
Era los arquetipos que justamente el mainstream heterosexual quería ver de nosotros para poder burlarse más a gusto y con un contexto de, “¿Ya ven por qué no los queremos? Porque son unos enfermitos y son unos personajes patéticos y son, etcétera”. Son muy negativos los personajes de Los Chicos de la Banda. Decidimos que íbamos a hacer algo muy gozoso sobre los homosexuales de la Ciudad de México.
Porque no pretendíamos hablar en nombre de todos los homosexuales del país, sino de lo que estábamos viviendo, la década de los 70, muy fea porque no había lugares de socialización. Nos juntábamos en cafeterías en la zona rosa, que fue siempre como un territorio fantástico que nos acogió bien, como un barco bohemio. Empezamos un grupo de actores, éramos cuatro actores varones homosexuales, que éramos Homero Wimer, Gustavo Torres Cuesta, Fernando López Arriaga y yo.
Nos acompañaban dos actrices heterosexuales que eran, Delia Casanova y Carlota Villagrán. Contamos con el apoyo de mucha gente del mundo de la música, porque José Antonio es músico, era músico de profesión, aunque también teatrista, pero él era crítico de música, estaba relacionado con todos los niveles de la música en México. Tuvimos ensayos con Alicia Urreta, con Consuelo Luna, que recientemente falleció.
En fin, tuvimos muy cobijados y la producción prácticamente se la impusimos al teatro de la Universidad, fue en un teatro de la Universidad en donde realizamos este espectáculo que se llamó Y, Sin Embargo, se Mueren. Que marcó un hito en la historia del Teatro Nacional, porque a partir de esa fecha, la crítica especializada y la gente estudiosa de teatro decidió que habíamos fundado el teatro gay, como si hubiera arquitectura gay.
Era una manera, de poner la etiqueta, que no era del todo grato, pero servía de alguna manera como para provocar que la gente fuera a ver. Fue un éxito el espectáculo, hicimos 200 representaciones de ese espectáculo. Yo ya traía el impulso del cabaret, porque el cabaret que se hace en Ciudad de México y en general, ya en muchas partes del país, tenía más que ver con que con el cabaret alemán, por toda la impronta del cabaret, o es francés o es alemán.
El cabaret francés que es más divertido, no hay tanta política de por medio como en el cabaret, con K, el kabaret alemán, que fue fortalecido con influencias brechtianas y con Karl Valentín, que era un clown muy inteligente, muy brillante, un intelectual importante, que planteó toda una serie de posibilidades del cabaret con K, que eso sí era el asunto de, “Esto es político y tenemos la obligación como artistas, de dar una respuesta política al momento histórico que estamos viviendo”.
Nicky Mondellini: ¿Tuviste ya, por ejemplo, una interacción del público al hacer este teatro de cabaret, [unintelligible 00:26:51], de protesta, de crítica?
Entrevistado: Sí. Hice un espectáculo que se llamó Mariposas Maricosas, en 84, que fue también un gran éxito. Hice 350 representaciones del primer show, 200 de una segunda temporada de las Mariposas. Era la revista mexicana, nosotros estábamos más apuntalados en la revista mexicana que es un producto netamente nacional y que empezamos inclusive a incluir temas políticos y sociales, muchísimo antes que Bertolt Brecht en su teatro cabaret.
Es una cuestión muy interesante que ya los estudiosos de las artes escénicas algún día descubrirán a México como esa potencia y como esa aportación que hemos hecho a un teatro. El estilo del cabaret mexicano, ya llegó a España, ya llegó a Sudamérica. En fin, ya hay gente que dice. “Ay, mira, sí se pueden hacer cosas como muy divertidas, sin el arquetipo del cabaret francés, que si no es can-can no es cabaret, o el cabaret alemán, que si no es Marlene montada en una silla, no es cabaret.
La tropicalización del cabaret es nuestra aportación realmente al mundo del espectáculo nocturno, porque sí es si es algo realmente novedoso, nadie lo espera, que tengamos esa posibilidad de eso y de la ruptura de la cuarta pared y de pedir que el público participe, que por lo menos diga, “Sí. No”. “¿Estás de acuerdo?” “No”. Que si quiere decir en una frase más y entrar, no a pelear sino a divertirnos entre todos.
Porque el cabaret desde su nacimiento es un espacio para marginales. El cabaret inicial eran fondas donde se comía y donde llegaban a comer músicos ambulantes, que a veces para pagar su comida tocaban ahí, recogían unas moneditas y podían pagarse la comida. En ese espacio marginal llegaban artistas de la feria, llegaban travestis, llegaban cojos que tenían habilidad, había bailarines de una sola pierna.
Había gente que pintaba con los pies porque no tenía manos o pintaba con la boca y se volvían espectáculos. Los monstruos de feria. La Mujer Araña, que eran personas con defectos físicos notables y que tenían que vivir, tenían que vivir de alguna cosa. Vivían de exhibirse. Esos cabían y cupieron en el cabaret y fueron parte del cabaret, ya durante 200 años. Ya en el siglo XIX, algún empresario muy listo dijo, “Estos marginales pueden producir dinero”. [ríe] Se empezaron a hacer los– Empezaron cabarets chiquitos.
El gato negro o el lapin à Gill o cabaret de los asesinos, que fueron los dos primeros cabarets en el último tercio del siglo XIX. Eran espacios muy chiquititos. Empezaron a crear un público que iba relajado, a beber, a comer y a participar de un comentario político, a estar o no estar de acuerdo, divertirse, estar con iguales, con marginales. Muchos intelectuales han sido primero marginados hasta que su inteligencia es reconocida y sus opiniones son requeridas y seguidas.
Eso es lo que me ha fascinado a mí del teatro cabaret, porque sigue convocando a marginales, sigue convocando a gente que tenga ganas de hacer otra cosa. El teatro tradicional tiene en su contra, que necesita primero como productor, encontrar una obra que te guste o como actor, una obra que te guste y que quieras hacer y que haya una posibilidad de producirla. Para producirla tienes que conseguirte el elenco, un productor, un teatro, un director, un diseñador, etcétera. El sistema de producción del teatro tradicional es muy difícil y los teatros son costosos.
Nicky Mondellini: Tito, háblame sobre estos arquetipos dentro de la actuación y los que tú más usas o los más vistos en el teatro de cabaret.
Tito Vasconcelos: Yo descubrí que la comedia del arte era un sistema profesional de actuación muy útil para realizar el teatro cabaret. La comedia del arte tiene tres niveles de personajes en donde se puede acomodar el universo completo. Hay un universo de personajes viciosos, pero que tienen el poder, que son los magníficos, en donde ahí están el Doctore, Pantaleone, el Capitán Fracasa o cualquier otro capitán. Están los militares, están los pseudo científicos, están los los curas, están los viejos.
Luego hay un nivel intermedio que es el de los enamorados, porque toda buena obra de teatro debe haber una historia de amor, los enamorados. Luego en el piso están los zanni o las cerbetas, que son los criados, que son los personajes trasplantados de los pueblos que rodean las grandes ciudades, que viajan a las ciudades en busca de mejorar su estilo de vida y su economía. Son denominados los Juanes o las sirvientas. Aquí en México seguimos igual.
Todas las mujeres que venden naranjas en la calle son todas las Marías y sus maridos son Juanes. Eso viene también desde la revolución. Estos tres niveles de interacción son el fundamento de la comedia del arte. Sobre todo en la comedia del arte, se privilegian las cuestiones de la comedia de enredos, de confusiones y de vicio. Porque los magníficos son personajes viciosos, los enamorados podrían o no tener un vicio, pero realmente no importa.
Al paso de los años se empezaron a volver cada vez más importantes los enamorados, porque también tenían ganas de hacer comedia, no solamente escenas de amor. Los enamorados también van participando. Están las Isabel y Lelio, y las parejas. Esos personajes persisten en algunas obras de Shakespeare y en otras obras con los mismos nombres, pasaron también a ser personajes de ópera. La comedia del arte es un sistema muy práctico para entenderlo.
Uno piensa, ¿qué personaje quiere hacer? ¿En qué nivel está el personaje? Yo ya no puedo hacer enamorados. [ríe]. Aunque los magníficos o los zanni se enamoran, no pertenecemos eso. Está el terreno de la picaresca y está el terreno de los vicios. Los enamorados son las historias bonitas, las historias que facilitan los enredos. Es muy fácil entender porque son niveles sociales.
Los enamorados generalmente son los hijos o de gente muy pobre, pero que eran de buenas familias venidas a menos, pero tienen criados y generalmente en los enredos de comedia del arte resultan que no son luego lo que resultan ser, sino que son hijos de alguien rico y tal. Los personajes magníficos son estos personajes de los que nos burlamos nosotros aquí en México, pueden ser los políticos, que pueden ser la gente que detenta poder. Una cosa muy inteligente que hicieron en la comedia el arte fue que nunca se metieron con príncipes ni con reyes.
Nicky Mondellini: [unintelligible 00:37:05].
Tito Vasconcelos: No. Eran los patrones, eran los que compraban [ríe] el trabajo de estas compañías. Es un sistema fantástico que puede trabajarse. Lo más fantástico es que si no te conoces toda esta historia, no sabes que por ejemplo las sitcom son hijos de la comedia del arte.
Nicky Mondellini: Sí, eso se puede ver muy bien. Un poco también en cierto grado en las telenovelas, que tenemos ese [unintelligible 00:37:35].
Tito Vasconcelos: Sí, pero el melodrama como que se cuece un poco aparte y en las telenovelas priva el asunto melodramático. Las telenovelas están más emparentadas con la ópera, porque de ahí salió el apelativo de melodrama, los dramas cantados, los dramas musicales. Brecht, retoma el melodrama con la propuesta eurípidiana, porque Eurípides no todo el tiempo quiso escribir tragedias. No, eso es algo que Aristóteles no acabó de entender con todo y lo brillante, lo inteligente y lo cerebral que era.
Él planteó los principios básicos de la tragedia e hizo como un esbozo de la comedia porque le parecía una vulgaridad horrenda y porque seguramente Filipo, el papá de Alejandro, debe haberle encargado que pusiera orden, porque los cómicos somos muy deslenguados. Nos burlamos desde Dios para abajo y de Dios para arriba. Eso a la gente que ejerce el poder no le gusta. Por eso la comedia ha sido tan perseguida en todas las épocas.
Nicky Mondellini: A ti, por ejemplo, en uno de estos espectáculos, por ejemplo, en la pasión que haces en el Cabaretito. Por ahí vamos a poner un pedacito de la pasión para que la gente lo pueda escuchar. ¿Te ha tocado algún intercambio en donde–? Digo, lo manejas muy bien el– No sé si callar necesariamente a alguien o callarlo elegantemente, pero cuando alguien empieza a pasarse un poquito de rayar en la falta de respeto o algo así. ¿Cómo manejas esas situaciones?
Tito Vasconcelos: En el caso específico de la pasión, por ejemplo, la gente que se indigna y se va, es porque no ha entendido la propuesta. Porque yo sigo la premisa inicial de Darío Fo, que es el maestro del teatro medieval, su estudio sobre el teatro medieval el Misterio bufo es fantástico, que todo mundo, todos los actores tendrían que leerlo y hacerlo alguna vez en la vida aunque sea en una fiesta familiar.
Él, con todo y que era un comunista muy recalcitrante, cuando habla del asunto de la fe, no se mete con la fe. Él le quita el almidón a las figuras de madera de los retablos, los baja, los pone a nivel de pueblo, los humaniza y eso es maravilloso. En el Misterio bufo, casi en uno de los últimos misterios, la Virgen María es interpretada por una mamma italiana que llega furiosa pateando cosas, y que llega pidiendo pinzas y una escalera porque va a bajar a Jesús de la cruz.
En la acotación, solo se ven los pies de Cristo crucificado y se oye su voz que dice, “Mamá, mamá, por favor. Ya, de veras, mamá”, pero la mamá– Es un cambio tonal muy duro que bien hecho a la gente le deja el corazón hecho bolsa de papitas fritas. Él nunca se mete con la fe. A quienes no aguantaba Darío, fuera a los curas. Definitivamente, del Papa para abajo, para él no le merecían el menor respeto, pero el pueblo y la fe del pueblo eran muy importantes para él, en un país donde la religión es– Tú eres de familia italiana, tú debes saber como era la nonna, ¿no?
Nicky Mondellini: Sí, obviamente la religión es lo más importante.
Tito Vasconcelos: En general, la gente que llega allá a ver un espectáculo de cabaret, sí se espera de alguna manera las alusiones políticas, los chistes sobre sexualidad, pero que además, no es– La sexualidad es un gran tema para el cabaret, definitivamente, y es una posibilidad de romper tabúes y de reeducar a la gente con respecto a la sexualidad, la propia y la ajena.
La gente opina de la sexualidad ajena con una facilidad asombrosa, decide que la sexualidad tuya está mal y que ellos son correctos y están en la perfección. Hablar de estos temas, política y sexualidad son dos grandes temas nutricios del cabaret. Siempre hablamos de política y de sexualidad y de sexualidad política, además.
Nicky Mondellini: Ya la gente que vaya, los espectadores [conversación cruzada] ese tipo de [conversación cruzada] mente abierta ya, ¿no?
Tito: Sí, es lo que te digo, de esta cosa de, “Vamos a ver a los marginales porque qué chistosos y qué divertidos pueden ser”. Tenemos público nice que bajan a darse un baño de pueblo. “Qué chistoso”. Es muy gracioso porque los distingues, van en grupitos y todo. A mí lo que me encanta de estos grupos que se dan un baño de pueblo es que finalmente, sí se llevan algo y sí les mueves el tapete porque de repente ves sus rostros, cómo se demudan o cómo se van hacia la reflexión de, “Oh my God, acabo de escuchar una verdad del tamaño de una pirámide y me estoy riendo de algo que no debería estarme riendo”, y eso es fantástico. A un par de gente que le lleguemos en cada espectáculo de cabaret, no es un gran avance, pero es un avance.
Nicky Mondellini: Totalmente. Tito, muchísimas gracias. Ha sido un verdadero placer escucharte, escuchar tu historia y ver todas estas facetas que tienes tú, también la de empresario. ¿Tú pensaste alguna vez que ibas a acabar también de empresario?
Tito Vasconcelos: Fíjate que no. La vida me ha premiado, debo haber hecho algo bien en la anterior, en esta me ha dado mucho premio porque en 1995 conocí a David Rangel, que es ahora mi esposo, y ya tenemos desde 1995 juntos. Él fue el que me dijo, “Vamos a poner un negocio, ándale. Vamos. Tú pones el nombre y yo pongo mis ahorros. Vamos a vender los coches y vamos a montar un cabaretito”. Ya lo demás es historia. Lo pusimos en 98, empezamos como empresarios y seguimos. Este año cumplimos 25 años ya de haber puesto el cabaret y 27, 28 años juntos.
Nicky Mondellini: Muchas felicidades, la verdad.
Tito Vasconcelos: Muchas gracias.
Nicky Mondellini: Qué belleza, qué belleza. ¿Dónde te pueden encontrar? Yo voy a poner todas las ligas en las notas del programa.
Tito Vasconcelos: Básicamente, si me quieren seguir, síganme en Twitter o en Facebook. El Instagram no le acabo de entender y me aburre muchísimo porque me hace perder mucho tiempo. [ríe] También me están pidiendo que tiktokée, pero no sé si lo voy a hacer. Tendrían que encontrarle alguna manera, sobre todo porque tienen que ser cosas como muy breves, y ya ves que a mí no se me da hablar.
[risas]
Nicky Mondellini: Creo que ahora ya te lo permiten un poquito más, creo que ya es más de– Antes era como que seis segundos, pero ahora ya es bastante más, me parece que hasta tres minutos, algo así, que es muy cortito de todas formas.
Tito Vasconcelos: Ya tres minutos sí. Ya hay cortometrajes cinematográficos que han ganado Oscar por tres minutos. Eso sí.
Nicky Mondellini: Definitivamente.
Tito Vasconcelos: A mí también me ha dado mucho gusto reencontrarte porque te conozco desde que eras pequeña. Siempre recuerdo con mucho cariño a tu mamá que fue mi maestra de tap y de haber tomado clases con tu papá de tap que era fantástico. Era muy solidario y era un hombre fantástico.
Nicky Mondellini: Sí, siempre [conversación cruzada]
Tito Vasconcelos: Toda la familia. Las Mondellini son famosas en el medio teatral.
Nicky Mondellini: Encantada de trabajar contigo y también, te lo mencioné la vez pasada, gracias a ti yo logre entrar en el NET, el Núcleo de Estudios Teatrales porque era un monólogo, una escuela difícil para entrar, con el maestro Héctor Mendoza, Julio Castillo, Luis de Tavira. Tenía que ser algo muy bien hecho, y gracias al maestro Tito Vasconcelos, yo pude entrar con un muy bonito monólogo de la señorita [unintelligible 00:47:13]. [ríe] Tito, pondremos esas ligas y espero que la gente esté al pendiente de todas las presentaciones que vas a dar.
Tito Vasconcelos: Perfecto, muchísimas gracias. Una abrazo muy grande.
Nicky Mondellini: Igualmente, otro abrazo fuerte para ti. Te deseo lo mejor y que sigan esos éxitos.
Tito Vasconcelos: Para ti también.
Presentador: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. ¿Quieres escuchar más episodios? Visita www.lapizarrapodcast.com o nickymondellini.com/lapizarra, donde podrás suscribirte al boletín mensual y tener acceso a los avances exclusivos de los nuevos episodios, así como recursos para tu negocio creativo. Sintonízate la próxima semana para otra interesante entrevista.

Episode Summary

Valentina Latyna @valentinalatyna nos invita a navegar a través de las múltiples facetas de la actuación, la locución y el doblaje, en las cuales lleva más de 20 años de trabajo profesional. También nos platica del método que la ayudó a usar correctamente la voz y la respiración para evitar el desgaste de las cuerdas vocales:

Episode Notes

Transcript

Presentador: Esto es La Pizarra, un espacio para explorar las mentes creativas del mundo del espectáculo en ambos lados de la cámara y el micrófono. Aquí está su anfitriona Nicky Mondellini.

Nicky Mondellini: Hola, ¿cómo están? Bienvenidos a un episodio más de La Pizarra. Soy Nicky Mondellini. Me da muchísimo gusto que nos acompañen hoy porque vamos a hablar de la actuación, de la locución, del doblaje y los videojuegos, con una talentosísima colega y querida amiga, pero antes de presentárselas, les quiero recordar que todos los episodios de La Pizarra están disponibles en lapizarrapodcast.com.

Me encantaría que ahí mismo ustedes me dejaran su comentario o sus preguntas, ¿les está gustando este pódcast? ¿Cuál es el episodio que más les ha gustado? También les quiero pedir que lo compartan, ustedes me harían un enorme favor porque así más personas se pueden beneficiar de los consejos que aquí compartimos con los expertos del mundo del entretenimiento en ambos lados de la cámara y el micrófono.

En el episodio de hoy les tengo preparada una entrevista muy entretenida con la talentosísima Valentina Latyna. Ella es actriz y locutora, ella es colombiana y lleva muchísimos años ya viviendo en Los Ángeles. Nos va a platicar de su vida, nos va a dar algunos consejos de lo que hace ella en su modo de trabajar, en cómo se prepara y otras cosas muy interesantes, así es que, acompáñenos y vamos a escuchar a Valentina Latyna.

Cuando me preguntan qué plataforma recomiendo para grabar un pódcast o reuniones virtuales, yo siempre digo que SquadCast es de lo mejor que existe hoy en día porque puedes grabar con hasta nueve invitados con una increíble calidad de sonido profesional. La verdad es que, es de lo mejor que yo he escuchado en cualquier otra plataforma. Además, puedes descargar tus archivos de audio ya masterizados con sonido Dolby.

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Busca el link en las notas del programa para que pruebes SquadCast gratis por siete días y luego elijas el plan que más te convenga, ya sea mensual o anual. Valentina Latyna, ella inició su carrera a los ocho años de edad en su natal Colombia, siguiendo los pasos de su madre quien es una reconocida actriz de telenovelas en ese país.

Lleva ya más de dos décadas trabajando activamente en la locución, incluyendo el doblaje, series de películas y animación, text to speech, videojuegos, narraciones, videos institucionales, comerciales, audiolibros y learning, un poco de todo. Desde hace varios años ella radica en Los Ángeles y ha sido la voz oficial de Eva Longoria, Brooke Shields, Giada De Laurentiis y Tiffany Haddish para el mercado latino.

Recientemente formó parte del elenco de la película animada Encanto que, como ustedes bien saben es una película de Disney y ha sido la ganadora en dos ocasiones del premio SOVAS. También obtuvo el reconocimiento por mejor actriz por la producción Defenseless del año 2020 en medio de la World Premiere Film Award. Ella es graduada de la Academia Superior de Artes de Bogotá y también estudió cine en New York Film Academy.

Además, de técnicas de voz en UCLA. También actuó en varias telenovelas para Telemundo y películas de Hollywood, entre ellas the Eternals, de Marvel y también en All-Star Weekend, Catalyst y L.A. Rush, que ahora están en postproducción. Valentina, qué gusto que estés aquí en La Pizarra, quisiera empezar con una pregunta, para ti, ¿cómo fue eso de seguir los pasos de tu madre? Empezar a una edad tan temprana, desde pequeñita en la carrera artística.

Valentina Latyna: Antes que nada, 1.000 y 1.000 gracias, de verdad Nicky para mí significa esto no solamente un honor por toda la admiración que yo tengo a ti como persona, sino también por tu trabajo. De verdad gracias por tenerme aquí invitada, estaba cruzando mis dedos, “Que me invite Nicky por favor”. [ríe]

Nicky: Cómo no. Yo feliz de tenerte, feliz.

Valentina: Mis inicios fueron bastante– ¿Cómo se puede decir? Un poco traumáticos en el momento de mi niñez y adolescencia, y yo siempre hago referencia a las mamás managers, este tipo de mamás que siempre están ahí como pellizcando a los hijos, “Hágale, siéntese, parase, salude, haga la clase de taekwondo, de natación, de pintura, de–“. Mi mamá era de ese tipo de mamás y obviamente uno como niño crece, así medio obligado.

Uno no ve la riqueza y el tesoro que está teniendo realmente a largo término, de una mamá que incentiva la educación, el arte, la cultura, miles de cosas que yo siempre hago el chiste, que estaba medio traumada yo, pero que hoy en día solamente puedo decir gracias y apoyemos a todas esas mamitas que también incentivan la educación de este tipo a los hijos.

Nicky: Así es. Tú veías ya a tu mamá, ¿cómo era para ti eso? Cuando tú la veías en las telenovelas, ya tu mamá una actriz formada, una actriz exitosa, ¿qué significaba para ti? ¿Te dejaba ver sus telenovelas cuando eras pequeña?

Valentina: Sí, es cierto. Sí, todo el tiempo gritaba, “Estoy saliendo en el televisor”, gritaba ahí en medio de la calle y todos salíamos corriendo a verla. Hubo un tiempo en donde sí fue un poco incomodo también salir porque la arribaban muy fácilmente para pedirle autógrafos y fotos, para nosotros sí era extraño, como decimos aquí en Los Ángeles, los callejones, a ir a las tiendas regulares de cualquier ciudadano de a pie.

Era como, le pedían autógrafos, “Usted compra acá” y mi mamá, “Claro”. Eso era un poco a veces incomodo, en un momento por ahí desde el 98 al 2000, ella estuvo en un show que fue muy insignia en la televisión en Colombia, se llamaba Francisco el Matemático, esta historia de la escuela, de high school. El personaje de ella era la villana, por supuesto llamaba más la atención. Eso fue como la anécdota de tener una mamá famosa en su momento, eso fue chévere. Hoy en día es chévere.

Nicky: Al mismo tiempo tú decías, cuando la veías, no sé, te pregunto porque mis hijos no eran de que quisieran correr a ver qué estaba yo haciendo en televisión, desde pequeños. ¿Para ti cómo era? Tú ya estabas intrigada, tú decías, “Quiero hacer eso que hace mi mamá”, o, ¿quién fue la persona? ¿Qué fue el motivo que a ti te inspiró para decir, “Esto es lo mío. Yo quiero estar en esta carrera”?

Valentina: Sí, inevitablemente ella fue una inspiración, pero tienes toda la razón, sobre todo en la adolescencia, es difícil apreciar tal vez lo que está alrededor tuyo y no todas las veces estaba yo en el mood de, “Mami”, eso sí es muy cierto. Así que, salgo de la escuela, de la high school, del bachillerato y ella fue la que me dijo directamente, “Tienes que hacer un trabajo, una carrera que te de dinero o que te mantenga económicamente estable porque ya me ves. Yo tengo dinero tres meses y otros cinco no”.

Esa es la realidad para muchos artistas en todo el mundo, no es solamente en Latinoamérica, ahora sí que en carne viva lo estoy viviendo yo en Estados Unidos, de tener esta economía como una montaña rusa en donde nada está garantizado. Le hice caso e hice una carrera que se llama ingeniería de alimentos, para allá para el segundo año, que eso es como el cuarto semestre, a escondidas porque había ese reign allá diciendo, “Usted tiene que hacer actuación”.

Era una manera tal vez de escapar en su momento de tanto número y tanta– El regular programa de una ingeniería en donde yo necesitaba desenvolverme haciendo otras cosas, yo quería seguir haciendo voces, yo quería modelar, no sé, un montón de cosas, seguir leyendo. Me escapo, y me presento a lo que es como el conservatorio nacional de artes en Colombia, se llama ASAB.

Me presento, me acuerdo que se presentaron hasta casi 5.000 jóvenes de todo Colombia porque como está en Bogotá, obviamente muchos vienen de todo el país, de pueblos cercanos, etcétera, y pasamos 40.

Nicky: Guau.

Valentina: Ahí, Nicky, yo creo que ahí fue cuando dije, “Ya. Esto sí es lo que me toca hacer”.

Nicky: “Esto sí es lo mío”.

Valentina: Ya no era mi mamá diciéndome, “Hágalo”, sino el periódico porque eso era de que– Yo no sé si todavía pasa, que salía en el periódico la lista de los que habían pasados y habían sido admitidos en la universidad. Ese fue cuando yo dije, “Bueno, okay”. Así continué e hice dos carreras. No sé cómo me gradúe como ingeniera. Ya en los últimos semestres, por supuesto, era como, “Pónganme el nombre en el trabajo de que yo hice ese trabajo de termodinámica”, pero yo no tengo ni idea qué estaba haciendo. Yo solamente voy a hacer mi tesis. Estaba haciendo arte dramático e ingeniería de alimentos al tiempo.

Nicky: Madre santa. Tienes ahora sí que garantizado el trabajo. ¿Sí fue así? ¿Empezaste a trabajar dentro de esa carrera o dijiste, “Mamá, aquí está mi título, ahora déjame irme al escenario. Ahora me voy a parar en frente del micrófono, ahora voy a estar en frente a cámaras”.

Valentina: Tal cual, Nicky, yo no tengo un solo peso o dólar ganado como ingeniera. Sin embargo, y tal cual como tú lo dices, el día de la graduación le dije, “Aquí lo tienes, señora, mañana tengo función de teatro, la otra semana tengo otra serie que estoy doblando”.

Aun así, cuando todo en la vida, y creo que tú entiendes y todos los que nos están escuchando como artistas en proceso, porque nunca seremos materia terminada. Todo lo que uno pueda aprender se pueda aplicar. Esa organización o esa manera en que yo– Hablábamos un poco afuera del micrófono, antes de iniciar del marketing y eso, se lo debo a la ingeniería, en donde me enseñaron a tener ese lado del cerebro, “Okay, si voy a gastar 1.000 es porque ya me gané 4.000. No voy a gastar así nomás. Ahora voy a reinvertir este dinero”.

Reinvertir qué significa en mi carrera. No es lo mismo que la ingeniería, en una máquina, en un estudio, no, “Voy a invertir en coaching, voy a invertir en una conferencia, voy a invertir en unos nuevos audífonos”, etcétera. Eso es de las cosas que yo más le digo a mis estudiantes, como todo el arte está muy bonito y está muy nice, que todos salgamos en TVyNovelas en algún momento, chévere, que todos se ganen unos premios, chévere, pero mantener esa carrera también necesita más bien un cerebro que le ayude a uno aterrizar muchas cosas.

Nicky: Una estructura, ¿no? Una estructura, porque no puede uno nada más abocarse a lo qué es la interpretación y mejorar técnicas de actuación y todo eso, porque también es un negocio y tienes que saber estructurar tu negocio. Es algo de lo que nos duele mucho a los emprendedores creativos, pero que hemos tenido que aprender de mayor o menor manera.

Contratamos gente que nos ayude con eso, porque también hacerlo todo y aprenderlo desde cero no siempre es fácil, pero sí acercarte a la gente que te ayude, vas a ver cómo te estructuras. Si ya lo tienes en una carrera que hiciste aparte, qué mejor, obviamente, ¿verdad?

Valentina: Sí.

Nicky: Vamos a hablar ahora un poquito ya propiamente de esa carrera tuya. Te empezaste a desarrollar ya en Colombia, dentro del doblaje más que nada, pero a la par con teatro y televisión. ¿Cómo veías tú esa diferencia en tu interpretación y qué fue lo que se te fue dando un poco más que para ti era más accesible o las oportunidades que se presentaban eran más grandes que otras? ¿En cuál de los dos ámbitos?

Valentina: El doblaje definitivamente sí fue la cuna, peleaba yo mucho con el tema, por supuesto de las tarifas que no es un secreto, el cual muchos años después entendí el porqué el doblaje tiene unas tarifas bastante considerables en la diferencia que puede hacer con lo comercial, con la animación, con el videojuego. Ahora con audio description, que pareciera un hermanito, pero no, realmente no lo es.

Pelee con eso, sin embargo, dije, “Okay, voy a hacer este trabajo, aunque me están pagando aunque sea muy poco, pero me están pagando por aprender”. Tomé esa decisión y creo que las personas que hacemos doblaje entendemos que eso es como tener ese novio pobre, el noviecito que uno lo adora, pero uno sabe que el pobrecito no tiene para darle a uno un chocolate.

Tiene que uno caminar, porque no tiene para el taxi, pero a uno le encanta estar con el hombre porque uno la pasa super bien, a uno lo hace reír y besa delicioso. Ese es el doblaje para mí. Creo que ese fue mi escenario que más importa o al que más le debo. Las oportunidades se me abrieron definitivamente mucho más a través del doblaje y con eso mismo vino el teatro del cual ya me había graduado y estaba todavía formándome, empezaron a haber grupos, entonces sí tenía mi compañía de clown.

Eso fue lo que más hice en Colombia con una compañía muy hermosa que se llama la Rueda Roja. Hacíamos clown, hacíamos muchos sketch de la vida diaria y tratábamos de sacar el mayor provecho, sobre todo como a las tusas que decimos nosotros cuando tienes un desamor. Salía cada personaje y contaba su despecho cortándose las venas. En el lenguaje del clown todo es válido y era supremamente gracioso en temporadas increíbles en Bogotá.

Ya de eso llevar a traducir a la pantalla que es tan diferente del cine a la televisión. Mis oportunidades se abrieron más en Telemundo y para esa época era muy complicado para mí entender el lenguaje que era un acento neutro para televisión, porque ya no era el acento neutro del doblaje, pero ya en cámara eran novelas que no eran trasmitidas normalmente en Latinoamérica, sino en Miami, especialmente en la Florida, que era la gran cuna y por supuesto aquí en Los Ángeles.

Sobre todo en la Florida es donde más se acoge la audiencia hambrienta en este tipo de telenovelas. Entendí que ese era mi trabajo, desempeñándome en los tres campos, era traducir. Voy a traducir esta escena de dos amigas hablando, la tengo que traducir en doblaje, va a hacer otra traducción en una telenovela y va a hacer otra traducción si estuviéramos en un escenario de un teatro con 5.000 personas.

Nicky: Esa traducción tú te refieres traduciendo el estilo de la interpretación que estás usando, ¿no?

Valentina: Sí. Todo en base al teatro, que es lo que yo digo, el laboratorio. Ojalá que todo el mundo, doctores, odontólogos, arquitectos, se hicieran un cursito de teatro alguna vez en su vida, porque es definitivamente el espacio más íntimo en el que uno se puede ver a sí mismo.

Nicky: Totalmente de acuerdo.

Valentina: Yo recojo muchas cosas de lo que viene del teatro, a veces más de lo que debería, aquí entre nos lo confieso, de llegar overacting también, que eso es lo que pasa con esa traducción de la que hablamos. Yo no puedo decirle, “Ay, amiga”. Claro, esto va a hacer demasiado para la cámara y si es en cine va a hacer todavía muchísimo más grande, pero si estoy en el teatro seguramente es completamente válido.

El traducir a eso es lo que me refiero, en intensidad, en volumen de voz, en controlar mi cuerpo, en saber cuál es el espacio en el que me estoy desenvolviendo. A eso es a lo que me refiero. Creo que sigo en la tarea, realmente es una tarea de nunca acabar.

Nicky: Sí lo es. Porque, por ejemplo, si tú en un día normal, tienes en la mañana una sesión de comercial, enseguida empiezas con un doblaje de animación, luego te vas a un videojuego y luego tienes función en la tarde, tienes que estar regulando, como le regula uno el volumen en su interfaz a esa intensidad, porque obviamente se manejan unas energías totalmente diferentes.

Hay veces que en los videojuegos– No me dejarás mentir y ahorita ya nos explicarás más. Según el tipo de videojuego que sea o según el personaje, se requiere a veces de una exageración. Yo he participado en pocos, pero sí en algunos. Sobre todo si son cosas de combates, cosas de confrontación, todo eso y hay que hacer unas exhalaciones con unos sonidos guturales muy fuertes y muy desgastantes. Que es parecido al teatro y hasta pudiera ser como rayando en el teatro farcico, según el tema, ¿no?

Valentina: Sí. Totalmente

Nicky: ¿Cómo haces eso? ¿Cómo te vas regulando? ¿Necesitas un tiempecito de preparación antes de cada una de esas sesiones?

Valentina: Me encanta el ejemplo que pones de regular como una interfaz. Claro, eso lo que tengo que ponerle un nombre a cada botoncito.

Nicky: Es como cambiarte los switches de repente. Es todo una reprogramación. Es lo que es, ¿no? De acuerdo al género que vas a hacer.

Valentina: Sí. En ese camino de saber regular o de poder captar la atención de la audiencia en cada uno de los escenarios, por diferentes que sean, también hay que cuidarse mucho. No solamente físicamente, como tú dices, el desgaste vocal que puede haber en un videojuego, sino mentalmente también, emocionalmente también. Es de las cosas que yo más critico.

Gran parte de la formación que tuvimos los de mi generación y de para atrás, era como que tuvimos unos maestros bastante rudos, bastante fuertes, que en su momento era válido y estaba bien. Era normal decir malas palabras, sacar al estudiante y hacerlo sentir mal porque era la peor actriz del planeta, y así no se sentía.

Lo digo sin vergüenza porque queda uno con una sensación de, “¿El teatro no era un lugar seguro para mí, entonces?”. Me fui reconciliando también un poco a través de los años, ya después de graduarme. Eso es lo que también yo procuro hacer con mis estudiantes y con los talentos que trabajen conmigo, es como, “Este tiene que ser un lugar seguro para ti emocionalmente y mentalmente”. Aquí no hay nada de que todos somos malos, usted es pésima, ¿sí me entiendes? Esa formación ya está mandada a recoger.

Nicky: Así es. Esas emociones que empleamos y que tenemos que tener a flor de piel, si no son auténticas, si no son verdaderas, se nota en la voz, obviamente. No puede uno encontrar el personaje simplemente con el volumen de la voz o con estar leyendo más o menos medio naturalito. ¿Cómo es tu preparación para un videojuego y cómo lo comparas con, por ejemplo, cuando vas a leer una narración corporativa? Porque también requiere de una preparación diferente, ¿no?

Valentina: Sí, empiezo por lo más práctico. No es fácil, pero práctico. Las narraciones corporativas e institucionales y todo lo que tiene que ver con e-learning, cuando uno tiene el cerebro un poquito más de imaginación, de creación y eso, cuesta. Porque yo quiero como que, “Voy a ponerle. Si te pones el casco”, pero ahí no hay necesidad de poner nada de esto intención. Vamos a lo que vamos. Por eso digo que es práctico, no es que sea fácil.

La preparación, por supuesto, vocalmente es mucho más sencilla. Siempre procuro dormir más de seis horas, el tomar agua también es un hábito muy mandatorio para mí, a lo largo del día. El silencio, procuro no tomar el WhatsApp solamente para los audios. Este es un ejemplo simplemente, no estoy en contra de la aplicación, pero me parece como voice-overs no deberíamos sobre abusar de ese tipo de herramientas, ya que ese es nuestro instrumento, básicamente.

Con esos pequeños tips trato de que la sesión sea mucho más práctica y ya. No me tengo que emocionar tanto, no tengo que llegar a pensamientos super profundos, ni nada, pero a la información directa y la audiencia necesita también la información super clara y concisa, vámonos. Se vuelve una meditación de alguna manera también. Como que después de los 20 minutos uno ya está meditando y vámonos, como montando la bicicleta.

Ya con el tema de los videojuegos sí soy un poquito más exigente, sobre todo al ver cómo los videojuegos, desde el primer videojuego que hice por allá en el 2003, tal vez. Tenía como 18, 19 años, era otra onda. Era tipo Pac-man, un poco, como que los comandos eran muy diferentes. Hoy en día es todo una película, es toda una experiencia y la gente está realmente viviendo otras realidades, otras dimensiones.

En donde yo como que jalo un poco las orejas en cuanto a los creativos de los videojuegos, que ojalá que todo lo que estén creando en esos mundos también tenga algo de enseñanza o algo en pro de la humanidad, y no solamente matar, poner bombas y granadas. Eso ya es como filosofía de cada quien, pero yo procuro que los videojuegos en lo que yo esté tengan algo más de la fama o gran ruido que tengan mundialmente. No persigo, realmente, ese tipo de proyectos.

Por lo cual procuro de que el personal, lo que sea que vaya a decir, puede ser también granada, pero ella tiene realmente una historia y eso es lo más apasionante que tienen los videojuegos hoy en día, es que los personajes pueden estar persiguiendo al fulano y de repente paran y se acuerdan de sus papás cuando la llevaron en el verano del ochenta y no sé qué, y cuenta toda su historia. Eso se me hace super bonito.

Nicky: Eso me parece muy buen momento para presentar tu demo de videojuegos. Así es que vamos a escucharlo y verlo.

Personaje 1: No, I will not kill you, that’s what you people expect for us, to be monsters. We are better than that. My twin brother and I have the same hair, same eyes and obviously the same birthday. Technically, I was born first so I was always the boss. I’m glad you’re here. Too bad, I have to kill you. Astronaut Teresa Lopéz, personal log October 16, 2037. Our communications broke down today, again. Speak not, I already know what you’re looking for, but it commands a hefty to price, a price beyond your expectation.

Personaje 2: The mother demand sacrifice. There is no escape from that which is written in the stars

Personaje 3: No, don’t, I need to see. I need to see because this is what happened. If no one sees it’s like it doesn’t exist.

Personaje 2: Good and the evil are two sides of the same coin, but the evil side is so much shiner.

Personaje 1: Objection, Hussein. Mister Carter, limit your questions to the evidence this court has been admissible. Tomorrow they will begin to know fear and soon they will have forgotten they were ever a people.

Nicky: Ahí tienen. La verdad es un derroche de talento con esos personajes. Me gusta mucho también cómo te presentas visualmente. Para presentar esos demos tú te pones el personaje, el vestuario y todo eso, lo muestras y puedes ver un gran cambio de personalidad entre un personaje y otro. De todo lo que eres capaz de dar no solamente con la voz sino completamente tú. Realmente, si no eres, si no te conviertes en ese personaje y lo acercas a lo más profundo de ti, no lo vas a interpretar igual de esa manera.

¿Cómo es tu preparación también vocal antes de empezar un videojuego? Tu rutina de un calentamiento vocal, tanto eso como mentalmente. ¿Cuánto tiempo te toma decir, “Okay, ya hice mi preparación, ya estoy lista. Vamos a empezar la sesión”?

Valentina: La sesión de los videojuegos normalmente van entre tres a cinco horas, eso significa que tienes que conciliar con el director y con el ingeniero. Yo normalmente les pido que empecemos de lo más suave a lo más desgastante. También hay otro factor importante y es que todos los personajes normalmente tienen que repetir sus líneas tres veces, en susurrado, en un tono de conversación y proyectado, y muchas veces sí requiere gritar.

Cuando hay screams, cuando hay cosas de terror y eso, procuro que esas partes sí vayan hasta el final. Como les decía anteriormente, dormir, silencio, no WhatsApp, tomar mucha agua. Soy colombiana, me encanta el café, por supuesto, entonces ese día que hay sesión Valentina está castigada de café hasta después de la sesión, eso también. Precisamente porque el café y el chocolate te produce, o ya sea más flemas o esta incomodidad aquí, como la gastritis. Procuro eso.

Me voy en el carro, si es que tengo que manejar, haciendo todos mis ejercicios faciales y de lengua Hay una técnica que literalmente me salvó la vida y el bolsillo, digo yo, porque si no hubiera sido por eso no hubiera rescatado mi voz. Estaba a punto de quedar afónica, de haber perdido mi voz, precisamente por ese sobreuso. Hubo un par de años en mi vida donde era maestra en un colegio femenino.

Te puedes imaginar que tendría yo que imponer mi voz muchas veces, ahora sí que con volumen para que me pusieran cuidado estas niñas tremendas que tanto adoraba. Ahora las adoro, en ese momento no las adoraba tanto. Era una jornada de cinco o seis horas y de ahí salía a doblaje, y si era jueves a domingo tenía temporada de teatro. Era realmente un sobre uso de la voz. Conozco la técnica de Lessac, Arthur Lessac. Para los que no la conozcan se los dejo ahí el nombre sobre la mesa. Investíguenlo un poco.

Hoy en día ya es un instituto Lessac. Es una técnica que aprendí aquí en la Universidad de California. Más allá de haber recuperado también mi voz, era haber recuperado la confianza en que yo era responsable de mi propio instrumento y reconocer ese instrumento era como cuando le pasan a uno un violín y uno no sabe cuál es la cuerda del do y cómo es que le hago el re, como manejo el– Así nos dieron el instrumento y yo había venido utilizando ese instrumento, utilizándolo y sobreutilizándolo sin conocerlo.

Es por eso que yo también digo que es muy importante uno reconozca ese instrumento que le dieron. ¿Usted hasta dónde llega? ¿Cuáles son sus bajos más bajos? ¿Cuáles son sus agudos más agudos? ¿Qué es la voz de Nicky proyectada a tres metros? Pero si el fulano está en la otra montaña, como pasa en muchas escenas de videojuegos, no vas a tener que proyectar de la misma manera.

El reconocer ese instrumento creo que fue vital también para mí y por eso todos los ejercicios de Lessac son muy claves para mí. Es reconciliarse otra vez con el instrumento, saberlo manejar y amarlo. Hay que amar nuestra voz.

Nicky: Definitivo. ¿Esa técnica es la del tracto semiocluido?

Valentina: No. Está técnica habla de– Como Arthur era un cantante de ópera, originalmente esa fue su carrera base y su calling por el tema de la voz. El puso cada consonante en– Cada consonante tiene un instrumento en la orquesta filarmónica. Cada consonante tiene, no solamente un ritmo acorde a ese instrumento, sino una calidad de sonido, una prolongación apropiada. Ya sabes, la trompeta no va a durar lo mismo que puede durar un bombo. Por eso cada consonante suena diferente.

Mis calentamientos son precisamente así, recorrer todo el abecedario con todos los instrumentos. No solamente permite que mi cuerpo tensione todo lo que he acumulado, de pronto, estoy cansada, no dormí lo suficiente, o no dormí bien o no comí, etcétera, estos ejercicios para eso sirven. También, cómo el cerebro conecta cada palabra.

Para ponerte un ejemplo, rápidamente. La letra N es la que va con el violín. Yo tomo mi violín imaginario. A veces solamente así, solita, pero me gusta más hacer la mímesis de que estoy interpretando el violín y voy a hacer mi N. Hago mi propia melodía, la orquesta de El Chavo. Esto es aquí mi canción. Valentina como Valentina. Hago toda mi canción. El cerebro lo que está haciendo inconscientemente es asociando todas las palabras que yo vaya a hacer con la N tienen esta melodía. No, no, no, no, no, no, no, señora, venga para acá. Nada de eso. A esa N hay una melodía. Ahí más o menos.

Nicky: Qué interesante.

Valentina: Superinteresante y salvavidas.

Nicky: Mira, vamos a buscar la liga y la vamos a poner en las notas del programa acerca de la técnica Lessac, porque es muy bueno y muy importante que todos los que nos dedicamos a trabajar de la voz, ya sea el micrófono, frente a cámaras y todo, sobre el escenario, obviamente, podamos calentar adecuadamente la voz y conocerla de esa manera, ese instrumento como tú dices.

Valentina: Lessac también dijo algo muy bello y es que él se inventó esta técnica no solamente para actores, sino también para los conferencistas, para los profesores, para el señor que tiene una bodega y tiene siete empleados, pero también el otro tiene 2.000 y no tiene idea como pararse allá frente a decir el itinerario del día. Él también es un locutor. Nuestros maestros, imagínate, todos tuvimos un maestro por allá en la primaria que hablaba así, “Rodríguez”, y uno como, “Ay Dios mío, como habla de chistoso”.

Luego uno entiende que es que la pobre maestra, ganando del sueldo que se ha ganado, toda su vida expuso y sobreexpuso su instrumento y, ¿quién le va a compensar eso? Jamás, ya se quedó así. Sobreuso y mal uso de la voz.

Nicky: Exacto, que ha usado así la voz. Se paran a dar una conferencia en una sala de juntas o lo que sea, o que también han fumado mucho y ahí le vas a agregar eso, terminamos mal.

Valentina: De acuerdo.

Nicky: Ahora, vamos a hablar un poquito acerca de la tercera generación en tu familia, que se está dedicando a lo mismo que es tu hija.

Valentina: Qué horror. Dios mío santísimo. Ya está todo público.

Nicky: Vi por ahí un post de tu nena también. ¿Eres mamager también tú o no?

Valentina: Sí, es cierto. Me están obligando. Lo juro, señor juez. Mira, yo hago mis audiciones, gracias a Dios de verdad cuento con un esposo que él es el supporter número uno. Él me pone la luz, él me no sé qué. Hannita, mi hija de seis años, ha estado como creciendo en esa misma dinámica de ver a la mamá frente a una cámara y hablando sola y aprendiéndose líneas, etcétera.

Ella solita fue la que como, “Mami, yo tengo una audición. ¿Me puedes grabar, por favor?”, “Bueno”. Entonces empieza yo no sé qué. Ya al verla a ella que solita ha estado pidiendo, ya la mandé con mi agen, y así ha hecho varios, no solamente comerciales, que aparte le ha ido superbién a esta chiquita. Era era como que de verdad le gusta interpretar. Le ha gustado el tema también del voice-over y todo. No ha sido nada de que ahora sí que yo la pongo, “Haga, siéntese, pare, diga”, no, realmente ella es la que me está diciendo, “Mami, llévame, tráeme, ponme. ¿Tienes teatro? Yo voy a verte”.

Nicky: Qué maravilla. No podías negarlo. Qué lindo que lo haga de gusto propio y que esté tan dedicada. ¿La ves así con un talento natural para eso? ¿La ves encaminada muy bien hacia eso, con pasos firmes?

Valentina: Sí, la veo muy feliz, muy realizada, muy creativa, pero no la quiero llenar ni de juicios ni de prejuicios, de que esto se hace así, esto se hace asá. Mi responsabilidad única es velar por su seguridad y sanidad mental, por supuesto, emocional. No sobra decir eso, pero también de saber en dónde está, quién está ahí, el director. Es mi única responsabilidad, realmente, que la niña esté segura, que esté tranquila y que esté feliz. De lo contrario, si ella realmente lo quiere hacer a futuro y de verdad como un medio de vida, genial. A mí me parecería superchévere.

Nicky: Sí, sería maravilloso. ¿Qué te dice cuando te ve a ti? ¿Sí tiene el interés de verte?

Valentina: Le encanta. Cuando me estoy aprendiendo una escena o cualquier cosa ellos como, “A ver mami, vamos a ensayar. Action. No, mom, no, así no dice el texto, no, dilo bien”. Hasta ínfulas de directora tiene.

Nicky: Ahora hasta te dirige. Me parece maravilloso.

Valentina: Es que es un personaje Nicky, por favor. Tienes que entrevistarla la próxima vez es a ella, realmente.

Nicky: Debería ser, sí, algunas entrevistas con actores infantiles, porque es interesante. Lo hice hace poco en la telenovela de Viva los Niños. Los entrevisté, tuvimos esa reunión y les preguntamos cómo eran sus experiencias de cuando estaban grabando la telenovela, que era interesante. Yo los veía trabajar arduamente y tenían unos ritmos de trabajo hasta más duros que los adultos porque estaban todo el tiempo a cámara.

Valentina: Tú más que nadie tienes esa experiencia de trabajar con niños y sabes lo bello y lo impresionante que es, para uno como adulto ver a los niños tan comprometidos.

Nicky: Sí, están totalmente comprometidos. Como son tan naturales, por ejemplo, Scott Rice también, a quien entrevisté acá en la quinta temporada, decía que le gusta mucho trabajar con los niños por esa naturalidad, porque no tienen prejuicios y son como son. Él disfruta mucho. También por ahí el dicho que dicen varios, “No quiero trabajar ni con niños ni con animales, porque te roban la cámara”, roban el foco de atención.

[risas]

Valentina: Es divina. Si es mi hija que la robe todas.

Nicky: Sí, no hay problema. [risas]

Cuéntanos ahora quién ha sido para ti, además de que tu madre fue la persona que fue para ti tu primer ejemplo y a quien seguiste, pero, ¿a quiénes consideras que hayan sido tus mentores que te hayan dado herramientas o consejos que llevas contigo toda la vida y que siempre, cuando estás en determinadas circunstancias piensas en ellos inmediatamente?

Valentina: Qué pregunta tan bonita. Mi familia en Colombia, es una familia de matriarcado, mi conexión con las mujeres, no solamente en mi núcleo familiar, sino también externo, todos los amigos más cercanos que tengo son mujeres, creo que la mujer en general significa para mí un gran apoyo. Todas mis mentoras son mujeres, la mayoría de directores con los que trabajo en proyectos que van a largo plazo, cuando voy a ver para atrás digo, “Es una mujer, también. Otra vez es una mujer”.

Mi relación con lo femenino es algo muy valioso para mí, es muy importante y es por eso también que inclusive a veces sí tengo la opción– Hombres no se vayan a molestar, pero procuro trabajar con mujeres, es una cosa superpersonal porque me entiendo más, porque me gusta apoyar a otras mujeres emprendedoras, porque me gusta trabajar desde el– “Tengo una idea”, “Vámonos”. “¿Qué es esa idea?”, “Me soñé que no sé qué”, “Hagamos un cortometraje”.

A lo que voy con todo es– La lista es infinita, Nicky, tengo muchas mujeres que me han nutrido y que me apoyan no solamente en la industria como tal, pero espiritualmente, emocionalmente, económicamente, porque son directoras, son personas que ahora que sí apuestan por ti y dicen, “Haz esto. Te vamos a poner allí”. El reconciliarse con todo este mundo femenino, en un mundo en donde pareciera cada vez más dividido es algo útil, es algo que se necesita, ojalá nos empoderamos muchísimo más.

Esta excusa de llamarme Valentina Latyna no es precisamente porque soy la única que habla español o la única latina, sino porque me he solidarizado con muchas mujeres de Latinoamérica en una ciudad que me tocó vivir, realmente, que es Los Ángeles, pero si mañana tengo que irme a vivir a Filipinas, me voy tranquila y sigo siendo la misma Valentina Latyna y ya, no te puedo decir alguien, porque si digo alguna después las otras van a decir, “¿Por qué no me dijiste a mí”.

Nicky: Teniendo tú todo ese apoyo tan fuerte en Colombia, ¿cómo fue que decidiste hacer ya el cambio de país y decir, “Sabes qué, ahorita mi carrera creo que ya la quiero seguir en Estados Unidos”? ¿Cómo fue para ti esa decisión?

Valentina: Como los boxeadores, dejé mi carrera en el punto más alto. [ríe] Yo creo que sí llegué el punto más alto en Colombia, para mí, en mis capacidades llegué al punto más alto como locutora y como actriz de teatro, lo que podía hacer en las telenovelas y lo que estaba pasando en las telenovelas en aquel tiempo. Vino una excusa superbuenísima que en el momento no fue buena, pero fue una decepción de amor, hoy en día la agradezco precisamente porque ese fue la patada que me dieron para yo decir, “Me voy, no quiero saber

nada de ti ni de nada”.

Me arriesgué a todo, a no saber el idioma, realmente yo aprendí a hablar inglés casi a los 30 años, hace muy poco, con esto todo, escritura, lectura, todo casi así en ceros y fue el amor realmente, el amor de querer abrirme paso en otro lugar donde– No voy a decir, “Me recibió con los brazos abiertos de par en par”, porque creo que a muy pocos les pasa.

Sí pasa, pero a muy pocos les llega a pasar, eso, no fue mi caso, por lo cual pues para mí fueron los primeros años caminar mucho, perderme en las calles de Los Ángeles aterrorizada, no saber en inglés. Preguntar cómo regresaba a casa, porque es que no sabía, no entendía que un metro se conectaba con otro, no entiendo eso.

Poco a poco darme cuenta de que esa Valentina sí existía y era una Valentina valiente que sí podía arriesgarse y poco a poco he ido construyendo más allá de lo que se pueda llamar éxito o lo que sea, es creer, es un acto de fe de que sí se puede y poco a poco he ido consiguiendo cosas que he ido atesorando para mí. Para otros resulta muy inspirador, para otros es whatever, para otros es it’s fine, está muy bien para cada uno.

Para mí han sido pequeños pasos que solamente me permiten hoy en día decir, “Quiero hacer más”, no solamente por mí, quiero hacer más por otros, quiero seguir dirigiendo, quiero hacer otro proyecto, ahora sí que ya no quiero que me contrate Marvel, un día yo quiero ser la CEO de Marvel, [ríe] ¿sí me entiende? No quiero ser la voz de Target, yo quiero ser la dueña de Target y contratarme a mí.

Nicky: ¿Por qué no? ¿Ya te diste cuenta de lo que eres capaz? Eres capaz de todo.

Valentina: Ahí voy, ahí vamos.

Nicky: Realmente. Llegaste sin saber hablar el idioma y estás donde estás ahorita, ¿por qué no? Ahora sí como dicen acá [unintelligible 00:46:32] y sigues adelante, definitivo.

Valentina: Right. Todo ese apoyo que te decía de ese network, que no es solamente tus amigas y compinches para echar el chisme, qué bueno que esas amiguitas del chisme también te sirvan para, “Arriba. Ojo con ese inglés, todavía no sé que, pilas con esta clase. Vamos a hacer esto. Hagamos una call reading ahora”. Un montón de cosas que uno tiene que seguirse apoyando y con los pies en la tierra.

Nicky: Sí, con un grupo de apoyo, con un gran networking capaz de ayudarte y sostenerte en todos los aspectos de tu vida logras muchísimo más, ¿no?

Valentina: Sí. Hay otra cosa que como yo lo escucho muy a menudo en todas las charlas, que es importante estar superbién conectado con el medio del entretenimiento para no sé qué, sí se me hace valioso, pero en mi caso mis apoyos más importantes no tiene nada que ver con la industria, son personas que ya sea porque me inspiran a través de su religión y sus creencias, yo recojo cosas de ahí, o es la tía que con una llamada te anima y dijo “Pucha, ya tiene toda la razón”, ¿me entiendes?

No solamente encontrar valor en lo que es la industria como tal y todas las personas a las que puedo conocer, sino recoger de todo un poco, esa sobrinita que te está

contando que se cayó en el parque, ahí hay toda una anécdota y hay toda una historia, etcétera. Recoger de todo un poco también se me hace supermal.

Nicky: De todo un poco también para darte cuenta que no eres solamente alguien que se dedica a trabajar, que tienes toda una vida que complementa y que alimenta

también tu vida laboral, ¿no?

Valentina: De acuerdo, exacto y no perderse en eso. “¿Tú que eres?”, “Yo soy locutora”. What?, no, ese es un rol y es un rol que tú escogiste. Si ya no existe la locución– También se escucha mucho, “Se va a acabar porque la inteligencia artificial”. ¿Qué? ¿Nos vamos a morir? ¿Ya no vamos a ser creativos? ¿Ya no vamos a poder hablar y expresar? No, estamos mal, porque, ¿cuál es la fundación de todo este tema de la voz y de saber comunicar? No era solamente ser la voz de Target, ese no era el fin.

Qué pena con Target, no tengo nada en contra de Target ni me están haciendo sponsor, creo que no están haciendo sponsor, ya no lo voy a decir más.

Nicky: Pedirles ahí un dinerito.

Valentina: ¿Target? ¿Aló? Sponsor no hay. Love.

Nicky: ¿Qué haces para recargar pilas? Obviamente tienes a tu gran network familiar y todo eso, pero tú dónde dices, “En este momentito me desconecto de todo y voy a recargar pilas”, ¿qué significa eso para ti?

Valentina: Me encanta colorear, es hacer mandalas, se me hace una nota increíble.

Nicky: Tenemos eso en común.

Valentina: Tienes que mostrarme tus book y tus mandalas para compartir.

Nicky: Sí, haremos una sesioncita de esas en el próximo congreso en el que nos veamos o que nos apartemos un momento.

Valentina: Sí, me encantaría, claro que sí. No lo hago nada profesional, atención, esto es literal para eso, lo que tú dices, relajarse, como que la mente de verdad se me va mucho, eso es una cosa. Otra cosa, yo siempre el ejercicio fue a lo largo de mi vida una ficha muy importante, después de mi embarazo lo olvidé completamente y con eso, no puedo decir que tuve sobrepeso, pero sí estaba arriba de mi peso regular.

Hace como tres años más o menos, he vuelto a hacer ejercicio, para mí el workout, el boxing, MMA, que son las artes marciales mixtas, significa un outlet para mí, en donde mi cerebro también hace eso. Se relaja, se distrae, está en la nada, también esa es tan importante.

Nicky: Qué maravilla. Yo siento que por ahí también algo de eso te ayuda a prepararte físicamente para ciertos personajes, por ejemplo, de videojuegos o para teatro, todo eso. Sí, es un desgaste que te ayuda a desestresar, te energetiza también. ¿Cómo es que escogiste precisamente eso en lugar de cualquier otro tipo de ejercicio?

Valentina: Creo que tuve la destreza de la resistencia. Cuando empecé a hacer gimnasia olímpica, fue lo que hice, hice parte de la liga de gimnasia en Colombia por muchos años y luego en la universidad, como la formación era demasiado clásica, nos ponían hacer acrobacia, tipo así en madera, que estaba rota y, “Vaya tírese y péguese tres giros en el aire”, y uno todo chiquito.

Ya tenía como esa destreza, también, formada de la resistencia, de ser fuerte, no se me dificultó. Creo que por eso fue, como que tuve ese skill, no soy elástica, pero soy fuerte, resisto mucho, soy muy buena para el cardio, también.

La vida es la vida, me volví mamá y dije, “Este es el papel más importante que yo tengo que hacer. Lo que yo le diga a esta niña, es la locución más importante que voy a hacer en mi vida”, ¿sí o no? “El performance que haga, es el más importante que voy a tener que hacer en mi vida”, y el mejor pago además.

Me dediqué a eso, a ser mamá, pero el cuerpo, el músculo y los huesos tienen memoria, ellos están pidiendo y cuando uno le duele mucho la espalda, que ahorita, yo estoy haciendo un tratamiento importante, fue por eso, por haber descuidado mi cuerpo físico y de estar muchas horas así sentada, frente al micrófono y de olvidar que también hay que cuidar el cascarón ese violín del que hablábamos.

“Mamita, párese y empiece a moverse”. El cuerpo lo pide, los músculos piden y, ¿qué hacen? Se inflaman, te duelen, se tensionan, etcétera. Hay que volver a estirarse, a hacer ejercicio, a caminar, a correr cuando las rodillas te dejan.

Nicky: Cuando las rodillas te dejan, precisamente. [ríe]

Valentina: Te dan permiso. ¿Sí o no?

Nicky: Sí, sí, que me lo digas, claro. Sí, uno tiene que calentar muy bien esas rodillas antes de su cardio, así como calientas la voz antes de empezar a grabar, así como todo. Es una preparación íntegra. Valentina, ya lo estás haciendo todo, lo has hecho todo, ¿cuáles son ahora tus metas? Obviamente, sigues muy activa tanto en cine, en locución, doblaje y todo. ¿Hacia dónde ves tu carrera seguir avanzando?

Valentina: Caray, todos los días me preguntó lo mismo Nicky, en cuanto te tenga una respuesta, yo te prometo vas a ser la primera.

Nicky: Se irá descubriendo poco a poco.

Valentina: Divina. Ahorita estoy superfeliz porque hago parte del cast de Griselda, que es la nueva serie para Netflix de Sofía Vergara. Ya se está grabando aquí en Los Ángeles, es un proyecto que me tiene muy animada. Sofía, por supuesto, sobran las palabras y los argumentos para resaltar que ella es una representante de la mujer latinoamericana en todo el mundo. Ella ha decidido apostarle también a un cast donde, efectivamente, ninguno de nosotros somos tan famosos como uno creería y eso es muy valioso

Nicky: Te refieres a Sofía–

Valentina: Vergara.

Nicky: Sofía Vergara, claro. No tenía yo conocimiento de esa serie con ella, pero sí, definitivamente ha sido, sí —

Valentina: Tremenda mujer.

Nicky: Un parámetro importante, un referente importante, sí.

Valentina: Sí y ella complementa su carrera como actriz, ahora como productora y a eso iba. Veo el cast y digo, “Guau, aquí realmente no es about celebrities, pero le está apostando a otro tipo de casting. Eso me tiene muy concentrada, muy juiciosa, estudiando y trabajando. También una película que se va a hacer en San Diego en Julio, dirigida por un colombiano que se llama Javier Núñez.

Es un largometraje de 90 minutos, un thriller, que es también uno de los géneros que me gusta del cine, a mí me encanta el terror. Creo que con eso tengo suficiente para estar por lo menos por este año concentrada en el tema de la actuación. Más allá de eso, ¿qué quiero hacer? Quiero eso dirigir, quiero seguir dirigiendo.

Mi mayor reto, digamos, en este momento, si me preguntas, de aquí a tres años, va a ser desarrollar mi propio videojuego, eso sí es lo que yo quiero hacer. Ya tengo la idea, tengo la maqueta que llaman, así que si alguien que nos está escuchando y quiere ser parte de este proyecto, por favor no dude en contactarme, porque estoy haciendo eso, recogiendo ese grupo de trabajo. No solamente de locutores, pero también de developers de videojuegos.

Nicky: Maravilloso. Precisamente, ya que lo mencionas, ¿cómo te puede contactar la gente?, tanto para eso, como para los cursos que das. ¿Los das siendo invitada para otras escuelas o tú organizas cursos de entrenamiento, tipo de interpretación? ¿Cómo te pueden encontrar? Hablarnos un poquito de tus cursos.

Valentina: Claro que sí. En cualquier red social me van a encontrar como Valentina Latyna, la palabra latina tiene la, “Y”, y yo feliz. Siempre respondo todos los mensajes, a veces me demoro un poquito, pero respondo todo. La red que más utilizó es Instagram, porque es muy práctica, muy visual a mí se me hace, muy práctica, más que todo por mi trabajo.

El Real Voice LA es un estudio aquí en Los Ángeles muy bonito, muy prestigioso. Mike DeLay es el director y él llevaba varios años apostándole también a los talentos muy nuevos, sin darles la ilusión de que ya estás en Hollywood, tienes que pagar $10.000 y ya vas a triunfar. Vender esa idea es muy común aquí en Hollywood.

Real Voice hace una gran diferencia ahí, como que aterriza mucho a la gente que está entrando en la industria, decirle, “No tiene que pagar los $10.000 tampoco, porque realmente sería una estafa, primero tienes que formarte. Primero hay que hacer esto, has lo otro, vete a esta conferencia”.

Ahí dicto clases una vez al mes, es una clase de tres horas en donde hago un espectro de cómo está el mercado hispano en los Estados Unidos, qué están buscando los clientes, cómo están sonando los comerciales hoy en día, ahorita mismo prendo la radio aquí y puedo saber que está sonando, cuál es ese tono que hablan, que es el californiano, en nuestro caso, los que estamos a este lado.

Seguramente, si sintonizara las emisoras de la Florida o de Texas, como tú que estás allá, seguramente voy a encontrar alguna diferencia, tal vez no mucha, pero sí puede haber una diferencia. Procuro que, en esas tres horas de la clase mensual, las personas no solamente conozcan el mercado cómo está, sino también ellos sepan, “Bueno, yo qué puedo dar acá”.

Me encuentro con muchos estudiantes de segundas y terceras generaciones, “Que hablan un poco el español así, porque estaba hablando con la abuela en la cocina”, y se mueren del susto y del miedo, de que no pueden hablar bien el español y le digo, “Hombre, ya yo quisiera hablar así, porque resulta que los clientes, muchos están buscando ese tono”.

Es que tú estás representando una comunidad que ya no son las 100 familias que inmigraron, pero son miles de miles, de personas que hacen parte de esa segunda y tercera generación, que creen que hablar español es así. Uno como latinoamericano, por supuesto, uno va a pelear y uno va a decir, “Eso no es así, eso no es español, así uno no habla”. Sí, en Latinoamérica, pero en Estados Unidos así hablan, “Hey, man, give me that cerveza, because–“. Así hablan.

Nicky: Totalmente spanglish, totalmente. Hay muchos, por ejemplo, aquí sucede también, que varios dueños de negocios pequeños hacen su propia locución y así hablan.

Valentina: Es que no están haciendo locución para Venezuela, ni para Bolivia, están haciendo locución para acá. Lo que yo les digo es como mire, “Usted, primero ahorita antes que nada póngase un plus, usted tiene no solamente inglés, tiene español, pero tiene este acento que le puede llamar californiano, tercera generación, como le quiera llamar, spanglish, ahí lo tienes”, eso es lo que trato de hacer en esa clase.

De hecho, mañana viernes, ¿qué es mañana viernes? ¿30? No, 29. Mentiras, hoy.

Nicky: Hoy es viernes.

Valentina: Hoy tenemos clases a las de las 3:00 PM de la tarde con Real Voice y las clases privadas si las pueden encontrar en mi página de internet latynastudios.com y ahí hay una pestañita que dice latynastudios y yo soy superfeliz haciendo coaching privado, acompañando a mucha gente. Ahorita por lo menos estoy un poquito más enfocada en adolescentes, en jóvenes y eso me ha traído otro aire también, otro reto, qué está pasando con estas nuevas generaciones de locutores aquí.

Todos ya estamos como pasando un poco los 30 años, que interesante ver a aquellos que tienen 14, 15 y están empezando a decir, “Oh, yo quiero ser locutora”, con quiénes se están formando esas personas nuevas y jóvenes.

Nicky: Un tema muy interesante, definitivamente lo tiene que hacer con el pie derecho, ¿verdad?

Valentina: Sí.

Nicky: Para eso vamos a poner la liga a tu página web, al Real Voice LA y a tus redes sociales, definitivamente estar pendientes de cuándo va a ser el estreno de esa serie de Netflix con Sofía Vergara porque me encantaría verla, seguir adelante con esas noticias y dar actualizaciones, tanto a la gente que está escuchando este podcast como a la gente en general. Saben que se pueden poner en contacto contigo para los que estén interesados en hacer esos entrenamientos, ese coaching privado o en clase.

Valentina: Sí, de acuerdo. Si no quieren hacer coaching, no quieren hacer nada nos tomamos un cafecito, nos tomamos una botellita, nos tomamos un té, qué te parece.

Nicky: Perfecto, con música clásica mientras dibujamos nuestras mándalas.

[risas]

Valentina: Ya me disté ganas, esta tarde después de clase voy a pintar otra vez.

Nicky: Es rico. Vale, ha sido un deleite tenerte aquí en La Pizarra. Realmente he gozado muchísimo esta plática, en serio te lo agradezco de corazón y en el alma, esta es tu casa, nos echaremos otra platicadita aquí en un futuro.

Valentina: Por supuesto. Claro que sí. Gracias y gracias a todos los que se tomaron el tiempo de escucharnos y ojalá que tengan un muy, muy, muy lindo día y que cualquier cosa que hayamos dicho acá, compartido, haya resonado, échele ganas, sí se puede, sí se puede.

Nicky: Si tuvieras que dar un consejo a la gente, no nada más a los que empiezan, sino a los que ya llevan años acá, pero que han sentido su carrera un poco estancada, ¿cuál sería?

Valentina: La verdad y la realidad es esta, nadie te está esperando, nadie te va a preguntar y nadie tiene porqué creer en ti además y eso es de las grandes lecciones que uno tiene que aceptar con amor, a pesar de que duelan. Estados Unidos no estaba esperando una colombiana que no hablara inglés para hacer algo, pero ella loca se aventó y abrió su estudio y hoy ya tiene empleados y da trabajo.

Cuando uno aprende a creer en uno mismo y en las capacidades que uno puede dar no porque el otro me echo el [unintelligible 01:04:07], me dio, sino porque yo puedo generar y soy un motor de energía, de amor y de cariño. Todo va a ir circulando muchísimo más fácil.

Cuando llegó al punto donde digo, “No me gano, no me dan, no me contratan”, ese es el momento en el que uno tiene que utilizar para reservarse un poco y decir, “Acaso yo qué estoy dando y acaso yo qué estoy contratando y acaso yo qué estoy reinvirtiendo”. Lo que hablábamos al principio.

Mi invitación es, crea en usted, o crea en ese sobrino que le está diciendo, “Yo quiero ser voces de dibujos animados”, mover esa energía y esto tiene que ver mucho con las clases que yo doy de respiración, para mí la voz es aire y el aire es precisamente energía. Yo tomo poquito, lo aguanto y lo multiplicó, como el amor, me quieres poquito, te espero y te voy a amar toda la vida.

Nicky: Qué bonito. Muy bien dicho y muy bien explicado. Otra vez te agradezco muchísimo que hayas pasado por acá y seguiremos pendientes de todos tus éxitos y muchísima suerte con todos esos proyectos.

Valentina: Tan linda. Bendiciones. Gracias.

Presentador: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. Quieres escuchar más episodios, visita www.lapizarrapodcast.com o nickymondellini.com/lapizarra, donde podrás suscribirte al boletín mensual y tener acceso a los avances exclusivos de los nuevos episodios, así como recursos para tu negocio creativo.

Sintonízate la próxima semana para otra interesante entrevista.

[música de fondo]

Episode Summary

This week I have the pleasure of introducing not one, but two experts from Texas, who are an important part of the audio production world, Ray Schilens and Bruce Abbott, co-owners of Radio Lounge USA, a full-service audio production company that specializes in podcasts, voiceover, broadcasting, TV, radio and live events, among other things. As Ray puts it, “We were doing podcasting before it was even called podcasting”.

Episode Notes

Transcript

Alan Villatoro: This is La Pizarra, a place where we explore creative minds in the entertainment industry on both sides of the mic and the camera. Here is your host, Nicky Mondellini.
Nicky Mondellin…: Welcome to another episode of La Pizarra. My name is Nicky Mondellini and we are still going on with season six. And today, I’m very, very excited because I’m going to be talking to a couple of dear friends and colleagues. And we have collaborated over the years. We’re all in the sweetest town in Texas, as Ray would say, which is Sugar Land, Texas. And well, they are experts on both sides of the camera and the mic. Their names are Ray Schilens and Bruce Abbott, and they are co-owners of Radio Lounge USA, a full-service audio production company that specializes in podcasts, voiceover, and anything of audio production for broadcasting, TV and radio and live events and many other things.
So I am very happy to be doing this interview also because Ray was one of the first people that actually told me or suggested that I do a podcast. And I had the pleasure of being a guest on their podcast, Feel the Ad Love! which I’m going to link to on the show notes. So I’m very happy to bring this full circle now and have them on the show. So without further ado, we will start this wonderful interview.
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As president and partner of Radio Lounge, Ray’s commitment to quality media has earned him much respect by his contemporaries. And overseeing all facets of broadcast production facility and organizational creative think tank, Ray has vast experience in various areas of advertising, marketing and business leadership. Ray’s extensive background includes broadcast programming and creative services management in Detroit, Houston, and Miami-Fort Lauderdale. His combination of creativity, dedication to quality, which I can attest to, and his strength in client relationships has driven his successful career. Ray is currently the host of Ad Speaks Houston, the podcast and radio program that promotes the programs and people behind the American Ad Federation in Houston. Ray is also a board member of the AAF Houston, and he is also the co-host of Feel the Ad Love! And if that wasn’t enough, Ray is also a licensed pilot. And now we will talk about Bruce.
Bruce Abbott has provided all types of voiceovers and narration for the past 20 years for a lot of big brand companies like HP, so Hewlett-Packard, Pearson Education, Verizon, Nickelodeon, Chevron, Google, Schlumberger, CBS Television and Radio, and hundreds more. And he’s also the co-owner of Radio Lounge, as I mentioned before. And well, Radio Lounge is, like I said, it’s a full production and sound design company. And they provide everything from coaching and production to high-end voiceover demos as well, and they do a phenomenal job. And he is the co-host of Feel the Ad Love! podcast. Now, we will talk about other special things and little secrets that you guys maybe haven’t heard about from Bruce and Ray, but for now I’m just going to give them a huge welcome. And guys, thank you so much for being guests on La Pizarra. I’m so happy you’re joining me today.
Ray Schilens: It’s wonderful. And I’m so happy for you that you’re doing this as well and doing it well. Well, you do everything over the top great.
Nicky Mondellin…: Thank you so much.
Ray Schilens: But again, I think it’s kind of comical. We’re people with microphones hanging over our heads, sitting in phone booths, talking to each other from around the country.
Nicky Mondellin…: I think it’s a wonderful thing.
Ray Schilens: Yeah, you’re doing great at this, Nicky. This is good.
Nicky Mondellin…: Oh, thank you so much. Thank you. I mean, you have been one of my mentors and so I’m kind of nervous. I’m like, “Oh, I have to be perfect today,” but if I’m not-
Ray Schilens: No, you don’t. No, let’s not be perfect today. Okay? Let’s just be us. Don’t you think, Bruce? I think we should be you and me and Nicky.
Bruce Abbott: You know? That’s all we can be.
Nicky Mondellin…: Just relax. Well, I’m going to jump in with a few-
Ray Schilens: Go ahead. Go ahead, Nicky.
Nicky Mondellin…: Okay. Sorry for interrupting. I’m just going to jump ahead with a few questions because I have many things that I want to ask you and others that you will obviously just talk about on your own, which is amazing. Well, the first thing is, Ray, as a licensed pilot, that you’ve been flying all over, trying to find the perfect burger joint, what have you found? I want to know that because we live in the same town and so…
Ray Schilens: Oh, there are so many places to go. And it’s funny you mentioned that. I’m in the process of buying an airplane. And some people… You would say, wow, but they’re not as expensive as we think they are. And the freedom of flight is so amazing. It’s like you’re in a different place. And especially on a day like today here in Houston, we have blue skies. It’s called [inaudible 00:07:27] clear invisibility. That’s the feeling. And it takes you to a different place. And I’m sure that everybody has something that they do, I know Bruce loves the ocean, when you’re there, you’re there and you’re nowhere else.
And that’s the cool part about flying. Also, sharing the love of aviation is a fun thing too, as well. I was involved with the civil air patrol for many years and just about to get back involved here in Sugar Land with them as well. But again, sharing that passion and sharing all of the cool vibes that go along with that. Bruce’s son Shane has a love and an interest in that area as well. And he’s now part of civil air patrol.
Bruce Abbott: Oh yeah. He’s part of the civil air patrol here in this [inaudible 00:08:10] airport. Yeah.
Nicky Mondellin…: That’s amazing.
Ray Schilens: So flight is wonderful. It was a gift. My wife, back in the seventies, when I got my license, she goes, “You better do this now because you won’t be able to later. We’ll be too busy.” And she was right. So because of her, I am a pilot. By the way, we’re recording this one day prior to my 51st wedding anniversary. That’s a factoid.
Nicky Mondellin…: Congratulations. Wow.
Ray Schilens: I know. So we’re gone 51 years now, the 26th.
Nicky Mondellin…: Oh, wow. Really cool. That is amazing.
Ray Schilens: So a lot of great things. And you’ve met Catherine before and you know what an incredible person she is.
Nicky Mondellin…: She’s a lovely, lovely lady. Yes. You guys have an amazing family, wonderful kids and grandkids. So yes. Yeah.
Ray Schilens: An inspiration, always a cheerleader, always a supporter, and always…
Nicky Mondellin…: Have you taken her on an airplane? I mean, does she like to fly as well? Yeah?
Ray Schilens: Not as much as I do, but there again, that’s an indicator of her selfless demeanor. She makes sure that other people have the opportunity to do things that they enjoy. So I think that’s part of the formula of longevity, 51 years. You look out for the other person and make sure they’re [inaudible 00:09:30]
Nicky Mondellin…: That is amazing.
Ray Schilens: So that’s the marriage part of Nicky’s podcast today.
Bruce Abbott: [inaudible 00:09:40]
Ray Schilens: That’s a real long answer to the airplane question.
Bruce Abbott: Welcome to marriage and family counseling.
Ray Schilens: Well, you know what’s funny about counseling, and talking about voice coaching and everything? It really is not here, it’s up here. And what we find is the people that come to Radio Lounge for voice coaching, it’s more of a psychology thing than anything else. Of course, we teach the business of voiceover and craft, the attributes that lead to being a successful voice actor. More importantly, and every time it happens over and over and over again, it’s like, I feel so good about myself. I realize that I can do something that I didn’t think I could do. So it’s more in the head than any place else.
Nicky Mondellin…: I agree. I totally agree. And you produce amazing demos. And talking about that, and in the process of that, because I know people always look for a good demo producer and if they have them already, then they want to update them or people who are just starting out. And what things do you recommend, or things that you have seen that are important to put in demos now that maybe you didn’t see a few years ago?
Ray Schilens: Bruce, do you want me to take this or do you want to take this?
Bruce Abbott: Well, I think that yes, you have to be aware of the current trends. Obviously, voice acting and delivery is very different now than it was 10, 15, 20 years ago. I mean, definitely, just look at how the styles have changed. But I think also, you look at the trends outside of voiceover where things like authenticity, transparency. When you’re an actor, whether you’re on camera or you are behind a microphone, yes, you can take on other characters, if that’s the word I’m looking for. But when it comes down to it, you’re yourself. That’s all you can be.
I do a lot of work in corporate and e-learning and I just come at it with the approach of, I’m me. I’m not somebody else. I’m not whatever. So I am that person that is sitting at the computer or maybe the front of the room, teaching this person who is taking, let’s say, an e-learning course that their job requires it or they’re taking it to achieve some upgrade in their job or something like that. And the demos, they reflect that too, is that when you pull up a demo, you don’t necessarily want to have the demo producer’s stamp on it. You want that to be just the vehicle. All we’re doing is providing the vehicle for the best of the best and that person’s authenticity to stand out. And I think that’s where, before they really had to be glorious and wonderful. I mean, they still have to be great, don’t get me wrong. You can’t be stumbling and mumbling. You have to [inaudible 00:13:05] But it’s that whole idea of it’s natural now, it’s more organic.
Nicky Mondellin…: I totally agree. I definitely think trends have become so much more that whenever you see the specs for any auditions coming in, they push for that so much more than ever before. Before, it used to be, oh yes, we just want it to be conversational. That’s not a word that is being used as much right now. They just want authenticity. They do not want it to sound like an announcer.
Ray Schilens: An announcer, yeah. Authenticity is connectivity as well. And as far as the individualistic approach to demos. And we’ve seen this by some of our competitors, they’ll allow the talent to pick the content, which is totally wrong. How we approach both coaching and both the demo production is it’s almost like going to your favorite store and you look on the rack and you go, “Huh? I wonder what that would look like on me,” or whatever. All of the things that we use are a good fit for the voice actor. It has to be that way. You have to fit the brand. You have to fit the style delivery and such. And we do that through the process of coaching, and what we do, it’s a process of fine tuning and discovering, fine tune, discover, fine tune, discover. And then launch with a demo as a kind of a graduation exercise. So the content has to fit the voice actor and you can’t make a voice actor be somebody who they are not.
Many of these voice actors want to be anime people as well. It’s like, okay, can you really, really, really do that? And we find sometimes that, no, you can’t do that. Or you need to go and get further training, possibly some acting and such and maybe some improv or something to kind of build that. But for the most part, the demo, the process of the coaching and the demo is a good fit. When it’s done, it fits the person and it looks good and feels good on them, because everybody, and you guys know this, we are all very specific in our DNA in terms of who we are and what we can do. And as soon as we realize that and understand that we can operate very well in that circle.
Nicky Mondellin…: And has it happened to you guys? Sorry to interrupt, Bruce. But has it happened to you that some people that come to you to look for a demo, they want a demo produced in a genre that, as you say, Ray, it probably doesn’t fit them well? Or people that really want to jump into it without having to go through the coaching process. They just want to speed things up. And we know that in the business, sadly, there’s companies that are what we call demo mills. But I know that with you guys, integrity and attention to detail and quality comes first and then you don’t end up producing something for someone who is not ready for it. And I think that part of coaching and getting to know the voice actor before you jump into the demo is so, so important.
Ray Schilens: Yes, it is.
Bruce Abbott: That’s the thing, is it really depends on the voice actor. It depends on where they are in their career. We had the pleasure of doing a demo of yours, Nicky, and that was one where you came to us, you knew exactly what you wanted. You are at a certain status of voice acting. So at that point, it’s getting your vision, and matched with our expertise and kind of putting it all together. At that point, we’re not having to train you in what you were about to do. You knew what you wanted, you knew exactly, and it was just a matching of the demos. And so what we have in certain situations, there’s times where we’ve said, No, we’re not going to do that. We’re not going go and just take your money for it.”
Because we know that, in other words, there’s the demo and then there’s everything after the demo. And the demo is just part of your calling card, it’s like your business card. And so we don’t want to put something out there that you’re not going to be able to take and effectively get work and have success with that. We do coaching in a lot of different areas, but there’s some areas that we don’t. And so there are some areas where we will say, “Hey, maybe look, at here are some of our favorite coaches in this particular genre.”
And so we’ll kind of guide them if we need to. But ultimately, they have to feel like, okay, well, what I got was of value. And we have to be able to, just with integrity, say, hey, we brought out the best in you. Sometimes that takes a while of training and sometimes it’s not. Sometimes we come in and we get some pros that come in and we just work together and bam, I mean, they just knock it out of the park. It’s awesome. So it varies, but that’s the key, as you said, it’s knowing the talent. It’s knowing that person. It’s the psychology of it.
Ray Schilens: Everything that we do bears our name. Therefore, if we do a demo for you, it’s got our name on it or our fingerprints and we need to make sure that that demo is good. Let me give you a couple of examples of folks. There was a gentleman who came in who was high on the autism scale, but I wanted to see what we can do and make that happen. I had to think about that for a while, think about the best way to approach that. And you know what we got there? And it was a big victory for him and for us as well. Another gentleman came in who he opened his mouth and he was Morgan Freeman. And it was like he didn’t try, he opened his mouth and it was Morgan Freeman.
But the problem is, he had trouble reading. So instead of doing voice coaching, we did reading lessons and got him to a more comfortable place so that when he was in the booth, he could actually perform and do that. So you approach things from all different ways. And there are some people that we say, go get that improv, go get that acting before we can do something. There are also, and I’ll equate this to golf, if you golf, you develop bad habits. If you’re a disc jockey, you’ve developed bad habits. So what we have to do is we have to break those bad habits, and that does not happen overnight. And some people are resistant to change with those bad habits and don’t really get that.
But that’s a process as well. So there are so many little things that we do that are so important. But going back to what I said before, again, whoever comes through Radio Lounge as a coaching student or a demo client, they are wearing our name and we have to make sure that what we’ve done is make them feel good, that we’ve made them accomplish something that they may not have thought of, or given them something that is worth worthy of their talent. So that’s really important. We’re the opposite end of the demo mill and that’s a good thing.
Bruce Abbott: And just to add on, tag onto the end of that, we also believe in, when we do these demos, we’re obviously, we’re helping, we’re guiding the talent in the recording process. We don’t do tricks. We don’t do production tricks, the tactics to make somebody sound different than who they are. We want to present something that if that person goes into a session, they can replicate that live with a client. And we’ve been on both sides of the glass for many years. We’ve been in the booth, we’ve been on the production side.
We have been in some uncomfortable recording situations where we’ve got clients and an ad agency behind us. We’ve got a talent in the booth and they cannot replicate a specific read that they were hired to replicate.
Nicky Mondellin…: That’s a problem.
Bruce Abbott: And it was not pretty. And as the production component of that piece of the pie on that, and being a talent and a voiceover coach, all you could do is just cringe as this very uncomfortable situation took place. So that’s a thing too. And again, that goes back to that whole authenticity. Be who you are. You’re not…
Ray Schilens: [inaudible 00:21:50] the golden throat.
Bruce Abbott: No, that’s not true.
Nicky Mondellin…: Play to your strengths. That’s what you have to do. Yeah.
Bruce Abbott: Be you.
Ray Schilens: Yeah. And that’s the discovery process that we use for the coaching and for the demo. It’s like, we’re not trying to make you somebody different. You’ve got to be you. And there is a limitation to, depending upon where we are at in our voiceover career, of what we can do. And we take that person to that place. And I think reinforcement, positivity, there are some coaches out there, I will not name who they are, that are very, very, very tough to work with because of their demeanor and the way that their coaching style. And that’s not us, we don’t do that. We play to the person on the upside, the positivity side. And that’s so important. So, so important.
Nicky Mondellin…: Exactly. I want to segue-way now into podcasting because that is also something that you guys do very well, not only because of your own podcast, but also producing other people’s podcasts. And so what is it that you do in specific to let people know if they’re ready also to start doing a podcast? What are the things that you tell them when a client approaches you and all that? Because it’s hard specifically for people that are not voiceover artists, but that have a very genre specific thing or very niche kind of area that they work in or a type of service they provide for a company. And they’re thinking, oh yeah, this is great for our branding and we want to start a podcast. But it’s hard for them to actually go ahead and do that. How do you coach them?
Bruce Abbott: That’s an interesting question. Because first off, I think of podcast as websites. When websites first came out, everybody needed a website. They didn’t know what to do with it, but they needed a website. Got to have one because everybody else has one. So I think the most important thing with podcasting is why do you want to do this? What do you want to accomplish here? And the folks who want to make a lot of money doing podcasting, good luck with that. That doesn’t happen. The companies who-
Ray Schilens: It does, it’s just-
Nicky Mondellin…: It can do, but it’s not the norm.
Ray Schilens: It can.
Bruce Abbott: But yeah, there are some out there.
Ray Schilens: It’s not a pot of gold on the other side of the rainbow, so to speak. And the second thing is, do you have a plan? Do you have a plan for this podcast? Think of it as a weekly television show or something like that, a 26 week. Can you give me a 26 week commitment to doing this? Because if you can’t, don’t waste your time. We are not an inexpensive place to do a podcast. There are podcast places out there for they’re doing like 35 bucks an hour. It’s like, I don’t think so. And the problem is they were in a former life, something else and they’re trying to catch onto this podcast phase, so they plop a couple of microphones on a table and then say they’re podcast people. Podcasting is broadcasting. The core of podcasting has come from NPR and such like that, where you do in-depth conversations about stuff.
And if you can do that, that’s really good. So our experience in broadcast, both Bruce and I coming from broadcast, that’s a real important element. We are not just a studio that used to produce music last week that now decided we want to do podcasts. This is where we come from. And this is the important element. So the question is, what do you want to sell? You’re not going to make a lot of money going out of the chute with this thing. What do you want to do? And the other thing that we try to help us shy away from is don’t be stupid and be controversial with profanity and dumb things just because you want to show off to your buds at the bar. Do something that is relevant, that moves the needle and changes the world. If you want to do that, then we can help you, because it’s so much more than just sitting in the podcast studio here and pushing record and letting you do a podcast. It’s got to be meaningful and you got to have a plan.
Bruce Abbott: I think I look at it a little bit different, but I think that there is a… We were talking earlier about authenticity and connection. And Ray was talking about the language there. We have a specific client that we have in mind who is really trying to be the community person, loved by the community kind of thing, family, all this stuff like that, but has a little bit of a hard time watching language on their podcast. So you’re not going to get a lot of family listenership.
Nicky Mondellin…: Exactly.
Ray Schilens: What do you think?
Bruce Abbott: However, it depends on your listeners. It depends on the content. It depends on the situation. I mean, I listen to podcasts that sometimes may have a language type thing in there, but it’s content that’s relevant to me and what I’m looking for. And that’s the thing. The thing about podcasting is, and just to dovetail from what Ray was saying, why are you doing it? What is it? Who are you doing it for? And is there a connection? And as you know, podcasts now range from the most incredibly broad general topics, it could be relationships or family or parenting, to the most minute, niche, thumb tacks or something. But there’s that understanding of why you want to do it and also understanding that there is a certain quality level that you really need to meet, because you can have great information but if it’s hard to listen to… I have a truck that has a stereo system and part of it’s a subwoofer and stuff, and it’s just like, it’s amazing all the plosives that… And you’re trying to listen to this thing sometimes.
Ray Schilens: Good point, good point. Yeah.
Bruce Abbott: That becomes, after a while, you’re just like, errr. Now I don’t know, that may be just the voice guy in me.
Ray Schilens: No, that’s a really good point, Bruce. That’s a really, really good point. Quality, quality.
Bruce Abbott: And quality. And it can be any kind of distraction. It can be a content distraction. It could be something where you’re so busy trying to make money on it where every other sentence is some kind of affiliate push, or whatever. So it really is this whole concept of you’re really just making a connection. You’re making a connection and you want to make that connection frictionless in as many ways as you can. You want it to have this feel like just you and the host and the guests are sitting at the table together.
Ray Schilens: Just like we’re doing now. Exactly.
Bruce Abbott: Just like we’re doing now.
Ray Schilens: Hey, I wanted to bring up something too that we didn’t talk about for years. We were doing podcasting before it was called podcasting. We were actually working with our good friends at Enron, uh-oh, and we were doing a thing, it was a telephony-based program first where you “push one to listen to things going on in Buenos Aires,” or whatever. And then it went to, when they got bandwidth, we put it on the intranet then. So we did the Enron thing, but then we started doing The Advertising Show, Bruce and I were affiliated with Brad Forsythe with The Advertising Show. And we started out on the radio then we went to Sirius XM and then we were syndicated and everything. And finally it came to a point where it’s like, well, why don’t we just be on the internet? This is 2001 we started this show. And we were getting toward the end there 50,000 listens a month on The Advertising Show, which is kind of weird because it was a two-hour show. Who has two hours to sit around?
Bruce Abbott: There was no iPod yet. And especially no smartphones where all of a sudden, you can subscribe and the latest episode just pops into your… So these were people that they’d get on an email list and when that email newsletter would come out every week and they’d click on and listen to the episode. And by the time that show came to a close was just about the time where the iPhone comes out, the built-in podcast. And then obviously the term podcast had kind of been bounced around a little bit. But it was kind of funny that by the time that show came to an end, then everything just went boom and exploded.
Nicky Mondellin…: Flooded so much.
Ray Schilens: I think we’re taking full responsibility for podcasting. Just like, what was it, Gore took responsibility for developing the internet. We are taking responsibility for podcasting, birthing that.
Nicky Mondellin…: And what do you think of your-
Bruce Abbott: Steve Jobs and I, we were-
Nicky Mondellin…: And what do you think about it now? So many people, I think a number that’s been thrown there about 700,000 podcasts out there, or do you think there’s more?
Ray Schilens: Yeah. Oh, sure there’s more.
Bruce Abbott: I’m not sure, but there’s probably more.
Ray Schilens: Well, we’ll see who comes through the door today with a podcast idea. That would be 700,001 or 2 or whatever.
Nicky Mondellin…: And we are back with some technical difficulty there, but I’m happy we could reconnect and just go on.
Ray Schilens: No, actually, Nicky, I went out for coffee, so I apologize for that.
Nicky Mondellin…: And Bruce, you probably had also a run to…
Bruce Abbott: I went to the beach.
Nicky Mondellin…: Oh, nice.
Bruce Abbott: Yeah. If I look a little more sunburned there, I was just…
Ray Schilens: Actually, he can dive out of his second story window into his pool, so that’s truer than you might expect.
Nicky Mondellin…: Well, there you go. Because your booth is on a second floor?
Bruce Abbott: Yeah. I have to tell a great story.
Ray Schilens: Oh, this is a wonderful story.
Bruce Abbott: Okay. So for any voice actors that are out there and you’re looking at a booth. Okay. So Craigslist. Okay. I’m inside one of the… I think it’s vocalbooths.com, their silver series. So they’re like, I don’t know, 7,000 or something like that on their website. And I was looking-
Ray Schilens: That’s in home there, buddy.
Bruce Abbott: Yeah. So I was looking at… My camera’s mounted or else I would show you around the place. So anyway, I was looking on Craigslist one time and I see a… So there was a logistics company that had leftover stuff from a trade show. And there was a booth and it was wrapped, and it was actually vinyl wrapped in whatever that client was for the trade show. And it had this big metal sign on the top of it and stuff like that. And they were offering it for 1,800 bucks, and they were out of Dallas.
And so for those people who are not in the Texas area, so Dallas is probably about a four and a half hour drive from the Houston area. So about 200 something, 250 whatever miles. So we contact them and offer them $1,000 for it. I’m like, well, I can’t offer $1,000 for… I mean, this is a $7,000 booth. They’re already asking 1,800. So I offer $1,000 and then they said, sure. So now, here’s the problem. I got to get it down here. And if you own a vocal booth, you know the walls are 400 pounds or whatever.
So yeah, so they’re a logistics company. So I paid them like $400. They put the thing on the back of a truck with some guys, drove it down from Dallas to a suburb here of Houston. One of my neighbors owns a moving company. So I hired a couple of his big dudes, and they literally helped us bring these pieces up a flight of stairs to the room-
Ray Schilens: My suggestion on that, by the way. It’s like, I’m not lugging this upstairs. No way.
Bruce Abbott: And they held the walls while we put the screws in and everything. When all was said and done, it cost me about $1,800 or so for a $7,000 booth. So be creative, watch Craigslist.
Nicky Mondellin…: Be practical and do a little detective work.
Bruce Abbott: Yeah. You never know what kind of things. And I tell you what, as with many other talent and stuff, I mean, this is an essential piece of tool because your room sound and everything like that is so important. And I can be doing work while there’s all this stuff going on outside and it doesn’t stop me like it used to years and years and years ago.
Ray Schilens: Nicky can relate the same way. Do like Bruce. Do like Bruce and Ray. Well, you forgot a part of the story, because the booth arrives, it is threatening rain here in Houston. And it arrives in the driveway on casters and it’s too tall to roll into the garage. So Bruce and I are there trying to take these 200 pound walls down before the rain comes. We did that. We actually beefed it up a little bit as well, because it is a good vocal booth, but it wasn’t a great one. We put vinyl mask material on the outside with Green Glue and we added a nice layer of indoor-outdoor carpeting to make it look really spiffy on the outside.
Bruce Abbott: But well, the outside was pretty rough because what they did was for logistics and legality and stuff, they stripped all the vinyl wrapping from the outside, which was a major telecommunications brand that’s three letters that’s ends with T&T. So they had to by law take all of that blank T&T vinyl wrap off of the outside.
Ray Schilens: And don’t forget about the big metal sign that was on top promoting it.
Bruce Abbott: Yeah. There was a huge metal sign with their logo on there that I took to the local scrap metal shop and got like $150 for it.
Nicky Mondellin…: And you even made money off of that.
Ray Schilens: No, it was a good deal. Yeah. Don’t be afraid to offer-
Bruce Abbott: Be creative, be creative.
Ray Schilens: Yeah. People will sell stuff for less than it actually should be sold for and I have no problem with that. Well, Nicky, look at your place now. You’ve invested heavily in a booth. We were talking about actually building a booth.
Nicky Mondellin…: Yes. You remember that? You came here, you helped me make my case with my husband. Because he’s like, okay, looking at the prices of the booths. And he’s like, “Oh, there’s no way we can spend that much,” or whatever. Let’s just build one. Maybe it costs us half the money to build that or whatever. And we were going to hire a contractor who had zero idea of what a audio booth is. He’s like, “Oh yeah, let’s just hang it from the ceiling or whatever.” I mean, he had no idea.
Ray Schilens: There were a couple of language barriers there, Nicky.
Nicky Mondellin…: Yeah, that too.
Ray Schilens: One was me trying to speak to a person who speaks fluent Spanish, and the other one was he not really understanding what we were trying to accomplish. So your husband discovered that. And the next thing you know, we’re ordering your studio bricks or studio blocks, whatever it’s called. What is it called again?
Nicky Mondellin…: Yes. Which came here. Yeah. Yeah. Studio bricks, which came here right when lockdown started. And I was so worried that it wouldn’t get here on time, because I’m like, well, the country is shutting down. The whole country is shutting down. I’m not going to get my booth. I was really in despair. But then… I mean, not then, but studio breaks or someone that they hired to transport, they say “Ma’am, yes, deliveries will still happen even if the country is shutting down, don’t worry. We still need to deliver things so you will get your booth.” And so that made me calm down. But then instead of having more people that I wanted to help me out and build it, because you couldn’t be in touch with anybody else.
Ray Schilens: No. You did the right thing.
Nicky Mondellin…: So my son that was here, luckily, my 6’5″ son who is pretty athletic and strong, helped us, and between me and my husband and my daughter as well. And we only had a little mishap. So the door, which is a double glass door, fell on his toe and he lost a fingernail. I’m glad he didn’t break his toe, but yes. So that’s a heavy door to be falling on your foot.
Ray Schilens: Yeah. Here’s the other thing. There are some of these places that are selling, for way too much money, as far as I’m concerned, some PVC with some moving blankets hanging on it on grommets. It’s like, you have got to be kidding me. First of all, you can go to Home Depot and you can buy moving blankets. There are some folks, one of the guys who was here, what I had him do is put furring strips. Again, this is not soundproof. You’re controlling the sound with PVC or with the blanket.
Bruce Abbott: The difference between sound absorption versus sound.
Ray Schilens: Yeah. And people don’t get that. I’m going to put foam up on the wall and I’m not going to hear the lawn guys. Well, that’s not true. But what we had them do, and this one guy did a great job, furring strips on the top and the bottom and then simply stapling moving blankets with kind of an undulation on the walls. He put it on the walls, the ceiling. And it’s a great vocal booth because you’re creating that sound… Not a sound barrier, but allowing the sound to go through the blanket into the wall, you’re effectively creating a wall trap. Right behind me, these are wall traps. This is Roxul insulation and they’re just stopping the reflection. And this is Studio B, this is our voice coaching studio, this is our source connect studio as well. And it’s tainted and you can’t see above me, but there’s also clouds that we have hung.
And when you’ve got a vocal booth, whether you’ve got Bruce’s or Nicky’s vocal booth, you’re in a better place. Is it completely soundproof? No, it’s not. The anechoic chamber at NASA is the only completely soundproof booth. And wouldn’t that be nice to have one of those? But no. But the thing is, when people are getting into voiceover, the thing that we don’t want to see them do is to buy every gadget that’s out there that somebody said, “Well, this’ll probably work. This’ll stop sound.”
There’s a big foam basketball that people, I won’t say the name, that say you put it over the end of the microphone and it’s going to make it a great vocal experience. It doesn’t work. It doesn’t work. So you got to be smart when you’re getting into VO. And a lot of these people who are getting into VO, don’t spend money like crazy. Don’t go out and buy expensive 416s or 87s or something like that. Get into it comfortably, be smart. You’re starting a business. You got to have the right tools, of course, and you’ve got to have the right space. We’ve sent many people into their closets because a closet is a great vocal booth with all of the clothes hanging there and such. But in the case of Bruce, if you can get a good deal on a vocal booth, go do it. In your case, you needed this. You are a professional voice actor and you need a good professional space to work and thrive. But you also made that decision well into your career. This is after you had done this for many, many years.
Nicky Mondellin…: Exactly. Yes, I’ve had it for three years now. But before that, I was recording in the room with acoustic foam all around, which only helped me reduce the noise from the outside to about 50%. I could still hear the lawn guys. I could still hear the power washing, and boy, could I hear the power washing. But yes, so the next step up was that. So what I had to do before is just record when there was silence, stop when the garbage truck was going by, whatever. So there’s all of these interruptions, but ever since I’ve had the booth, I’ve been able to record whenever I need to record. And so that’s been a blessing.
Ray Schilens: If you’re doing a source connect session or you’ve got a client on with a digital phone patch or something there, you can’t stop. You have to think about the fact, what kind of bush league operation is this that we got to wait for the airplane to fly over? That happens as well. But it’s important that you present yourself professionally. You are a professional voice actor, present yourself that way. Another thing, Nicky, that we see sometimes, and you talked about SOVAS and the great conversations that we had with Rudy and Joan as well. And one thing that Bob Bergen said, “Show up, be nice, and stay late if you need to.” Be nice. And we’re finding, I’m dealing today with a voice actor. It’s like, “We need to get a spot done today. Can you please call me back?” And I’m hoping that this gentleman who will be doing this while [inaudible 00:44:31] doing that.
You gotta be available for people and you have to respond professionally. And I’m hoping after we’re done with this podcast that I’ve got an email from him that we’re good to go, because, again, it’s our reputation on the line for bringing somebody to the table. We’ve had voice actors show up late for sessions sometimes. “Oh, there was a train,” or “Traffic was horrible.” You know what? Figure that out before you get to the session and come prepared to be a professional at the session. And I think that again is part of the coaching process, teaching them to be a professional. It’s no different than when you hire the guys to come fix your plumbing. They put the booties on when they come in your house so they don’t make your house dirty. Little things like that go a long way.
Nicky Mondellin…: They go a long way. And you also, I think, both of you guys have a very good way of dealing with talking to clients. We’ve been in sessions there at Radio Lounge where I just can see how clients are so comfortable with you because you make them feel at home right away. And I just want to point that out because it’s not easy. Sometimes clients ask for very specific things that can’t always be done. And whenever they present something, you guys find the solution right away, and you make everyone feel at ease. And so talk to me about some of the ways that you have that and the ways that you’ve developed that in talking to clients and just doing that, just making them feel comfortable. And they trust you. And you guys have had clients for years and years that they know they come to you, they know they’re going to get quality and that you’re going to deliver. So how do you create that trust?
Ray Schilens: It’s a relationship thing. It’s really no different. You’ve got to, when the people who come in here, whether they’re a voice actor or an agency or a client, a direct client or something, they need to understand that you are there for them. You are there to respect their wishes and give them good guidance. We’ve had many clients, a local chain of hospitals here, that rely on us to coach the talent, even though they are the connection point between the talent and the product, because they understand that, well, Radio Lounge, they just got this way with people. They can make the talent feel good, feel comfortable and understand the importance of giving a great performance.
So it’s a level of respect, but it’s all about, as with anything in life, it’s all about the relationships. Do they trust you? Do they believe in what you do? And in the setting here, Nicky, and you’ve been here before, you understand that. It’s first of all, professional, and second of all, it’s a relaxed environment. It’s called the Radio Lounge. It’s an appropriate name for this place because that’s what happens here. You come in here, you’re going to do a good job because you feel good about your environment. And there’s no level of frustration for a talent and/or for an agency or a direct client. So relationships, I think, are the key here.
Bruce Abbott: I think, in addition to that, it is relationships being both sides of the glass, being both talent at times, and then being both producers at times. You get really good at recognizing situations too. So you start to get, for example, if you are working and you’ve got a client in an agency and you’re doing the production part of this, you can tell when a voice talent is starting to get frazzled. And so you know that, you’ve been in those situations before. We’ve been in many voiceover sessions that just go smooth as silk. And we’ve also been in some of those voiceover sessions where, I mean, they really ran you through your paces. And so we try to bring some of that experience, because we can start to tell where it’s a law of diminishing returns.
So there are times where we see a client and sometimes they may be somebody new at an agency, they’re not used to directing talent. And we can see that what is happening here is you guys are starting to push the talent into uncomfortable territory and this is only just going to start spiraling downhill. So at that point, that’s where having that relationship with those clients and having the relationship with that, so we’re able to, “Hey, you know what we’ve seen work? Let’s try this.” And, “Oh, okay.” And a lot of times we’re able to salvage that. And that’s just one particular situation, but those personality types too. In other words, Ray and I are pretty easy going personality types and so we tend to connect well, not only with clients and agencies, but also because we’re also talent, we can connect to the talent. We’ve been in their shoes.
And so we know the types of things that give them creature comforts that are helpful in situations. So, we do that year in and year out. I was looking at this the other day, Ray and I have been working together as a team here for 32 years. And you start to read people, like there are times we can be in a session or something, and I’m the talent and Ray’s the producer, and there may be something. And all I have to do is look at him a certain way and he can read my mind like a book. And that also happens with some of our clients. We have some of our clients that we’ve had for 25 years now. And so it just gets to a point where if we think that there’s something that can be done that improves it or improves the scenario or something like that, they’re open to that. They’re like, “Okay, you guys, we trust you on this.” And it just takes that, you have to build that trust.
Ray Schilens: I’m going to tag onto that as well. There are a couple of types of directors that come from either direct clients or agencies. Some that don’t know what they really want. They know they’re not getting what they want, but then they don’t know how to really demonstrate what they want, which is very confusing. And that’s many times in a session if we’ve got somebody in the booth and we see that they’re getting confused and not good direction, we will take over and make some gentle, persuasive suggestions on how to do things. And a lot of times, you might have the perfect take on the first take, but well, “We’re paying a lot of money for this person. We got to get more than one take.” So we’ll do it and do it again, until the agency or the client is happy with that. But you have to keep the voice actor calm and composed and confident.
And you have to make sure that you don’t cross the line as the relationship goes with the agency or the director or whatever. One of the things that we talk about here in the coaching sessions is some of the folks come in, “Well, what if I said it this way instead?” It’s like, okay, sitting over there, directing this session is the person, the copywriter, that they paid a whole bunch of money for to come up with this copy. They are not interested in your opinion of how it could be better. Shut up and read the copy. And come prepared as well. That’s another thing. So many times people come into a session and they will not know the right name of the product, the right name of the city. It’s like, shouldn’t you have done your homework before you come to this session?
Now that doesn’t happen a lot, but it does happen occasionally. And that’s something that we teach as part of the coaching process, is: Be prepared. We do a lot for the Houston Symphony. And there are so many names out there of guest artists and composers and conductors and such like that. So you go to YouTube and you hear a couple of iterations of how they actually say the person’s name. And most of the time, Bruce, I think we get it right. There are times when we’ll have to redo something, but we try. And again, there’s that level of respect, the relationship thing with our clients. They believe that at the end, they’re going to get something good out of Radio Lounge or out of the voice actors and both of us and the people that we bring through here. So that’s an important thing that we do as well.
Nicky Mondellin…: Yeah. Can you guys talk a little bit about that great series that you did on SOVAS? Because I think those episodes were just phenomenal. On Feel the Ad Love!
Ray Schilens: Those were fun.
Nicky Mondellin…: And you had Rudy Gaskins and Joan Baker and also Joseph Cipriano and Bob Bergen and Debbe Hirata. Talk a little bit about how that started or whose idea it was to do that series. And it explains very well what the SOVAS are, the Society of Voice Arts and Sciences, how people get nominated or the voting process and the whole thing.
Ray Schilens: I love that. The fact that you are connected with that too is really cool. You were actually a recipient of an award or two, an award for [inaudible 00:54:46]
Nicky Mondellin…: Yes. In 2017. I’ve been nominated three times and then I got an award in 2017.
Ray Schilens: We met Joan and Rudy and we thought… Well, actually through Debbe. Debbe is on the board. That’s right, she’s on the board for SOVAS. Do you know that every coaching student that we have come through here, the very first thing we have them do is sign up for the SOVAS news letter? It’s free. You’re going to get a real good introduction to voiceover. And this is a great organization so go get that newsletter and start listening to that thing as well. But yeah, Debbe’s one of our voice actors on some commercials that we do here. And I said, “Debbe, can we do something to help promote the Voice Arts awards? Can we do a podcast where this is Feel the Ad Love?” She goes, “Oh yeah, that’d be wonderful.”
And it’s like, it’s a no-brainer. It’s like, yeah, we’re going to do it. So that’s how we hooked up with Joan and Rudy. And then people like Bergen and Cipriano. And of course we had Debbe on there as well. These are really, really good people and accomplished people in the voice acting field. So it was a lot of fun and it was just kind of a gift from Radio Lounge to the voiceover industry and to SOVAS and the things that they do. Let’s promote this event. I said, for the next six months, we’re going to do stuff to promote this event. And they said, sure, absolutely. And that’s what we did. Go ahead, Bruce.
Bruce Abbott: And I will say, being a voice actor, and I’ve listened to a ton of voiceover podcasts. And although this does seem biased…
Ray Schilens: Why not? Go for it.
Bruce Abbott: Those are some of the… Especially that Bob Bergen one, that Bob Bergen podcast, it has to be required listening for any voiceover artist, because not only does Bob tell a story, but we brought things out of Bob that I don’t think he intended us to bring out of him. And by the end of this, we were laughing so hysterically we could hardly breathe or speak. It was phenomenal. But the cool thing is, within all of the silliness that was happening and the laughter and the joking and all of this stuff, were these incredible pearls of wisdom, these nuggets of just voiceover gold within those. And it was just so much fun. And of course we were promoting the awards coming up at that time. And that was one of the most fun things I think in voiceover I’ve ever done, was those podcasts. We did just a few of them there, leading up to the event. I think we did, what, three or four coming up there? Five? So it’s required listening. I’m just saying that you have to.
Nicky Mondellin…: Yes, please. I’m going to link to that specific episode with Bob and then people can go back and listen to the others, but that’s definitely one of the ones they should listen to. Bruce, I wanted to ask you something about… I saw that you were reading Atomic Habits, and I heard an interview with… I forgot the name of the author, but he’s amazing.
Bruce Abbott: Is it James Clear?
Nicky Mondellin…: I think so. Yes, I think it is James Clear.
Bruce Abbott: Sometimes I get all confused in my head, so if I’m wrong, I apologize.
Nicky Mondellin…: How has that helped you? Has it made an impact on you? Has it helped you in any way in your career and your life?
Bruce Abbott: Yes, probably part of it, I am sometimes horrible at what I call discipline and commitment kind of thing. Some things I can be very disciplined on, but there’s some areas where I’m kind of like, [inaudible 00:59:07]. And I’m no different than probably 90% of everybody else, where it’s like, I go hot and cold. I’ll be very disciplined in some of the things I do and then I’ll end up somehow slacking off for a while and stuff. But I do believe that no matter what you do, whether you’re a voice actor or if you’re in a completely other field, never stop pushing for self-improvement, never stop trying to make yourself better. You mentioned Atomic Habits, and one of the things in that book is: be 1% better today than you were yesterday. Then by the time you accumulate a month or six months or a year, you’ve created incredible traction.
So whatever that may be, whether it’s habits, it could be marketing, it could be things specifically with voiceover, it could be performance, it could be coaching, it could be whatever, but just always be pushing for improvement, just always trying to do that. There was a big section of time where I really stepped away from voice acting per se, where it was like, I was just running the business side of things with the Radio Lounge and producing and doing all that stuff. And I’d do the occasional spot and everything, but I didn’t actively pursue the voice acting. And then when I decided that I was going to, I just started putting one foot in front of the other and trying to be a little bit better and do a little bit more and this and that. And sometimes it became almost an obsession and sometimes it would be very frustrating.
I’d bang my head against the wall because I wanted to improve in ways that it just wasn’t happening. But it’s just like anything else. It’s this thing where it’s peaks and valleys, but are you creating an upward trend? So no matter what it is, just be patient, be consistent. If consistency and discipline is a problem, learn how to try to be better in being disciplined in commitment and consistency, and then pursue some of these other areas. But I did, I loved that book. In fact, I’ve read it probably twice and I probably need to go back and read it again.
Nicky Mondellin…: But yes, we can definitely all do with little improvements. Atomic, meaning small ones, so that’s small steps that you can do every day and then just building up from there. Yeah.
Ray Schilens: I think that’s a really good way to put it as far as small steps go, because I think anytime you give yourself too lofty of a goal, you’re going to fall short and that’s going to discourage you. So little things make a big difference over time. And doing something daily, well, anything that you do as a repetitive thing builds good habits.
Nicky Mondellin…: Yeah, absolutely. Ray, how do you navigate the highs and lows of the business? I mean, not only as a production company, but also with all the other things that you do relating to the different areas of work that you do. And of course, there was a pandemic that was hard for all of us. But just as a general thing, this is a tough business with all those peaks and valleys, and so how do you navigate those?
Ray Schilens: Life is tough, isn’t it? And faith is at the forefront of my rock. And that’s how I get through the ups and downs. Basically, very simplistically, we do a thing in the morning as a family called sun up one. We do it as a family. And that is a prayer for strength and protection and such. And as long as you’ve got that foundation, you’re good, because days are going to suck and days are going to be sunshiny and blue skies and beautiful as well. But to get through the not so blue sky days, the rainy days, in my particular case, faith is the foundation. Very simplistically, nothing beyond that. And if you can reduce it to that, that’s a pretty good way to move forward. Don’t want to make anything too complex in life. You don’t want to second guess yourself. If you’ve got something you can lock onto that gives you good feelings, good vibes, and an opportunity to grow and be better, then that’s what you lock onto and you do that faithfully. So that’s my foundation.
Nicky Mondellin…: That is amazing and something that is a great bit of advice for all of us to follow. How can people find you when they’re interested in doing a new demo or starting a podcast or getting some coaching? Where can people log onto?
Ray Schilens: We’re in the yellow pages under demo. What? Oh, wait, no, we don’t do that anymore. Never mind. Radioloungeusa.com is our website and you can reach out to us anytime. We do discovery sessions as well. No obligation, just come in and talk with us. We put you in the booth and we’ve got people as well who are established voice actors. There’s one lady in particular who lives in Hawaii. She has relatives here in Houston and she’s coming in to do some demos. We’ll do some coaching.
Bruce Abbott: So for voice acting, we have a lot of local actors that come in, and we love having them when they’re here in person, because they get the vibe. But we understand with this podcast, it’s a global audience. And we also understand that voice acting is a global business now. And so we know that it’s not always an option to be able to get into a studio. And of course, many voice actors have taken advantage of Zoom coaching and everything. And if there was anything that COVID really taught us was that it’s okay to do things remote before where it used to be like, what?
Now it becomes more of the norm. So we offer Zoom coaching, in-person coaching. Location doesn’t stop anything anymore. We’re able to do demo sessions. We do demo sessions here in our place. We also do demo sessions where talent are recording from their own locations. If they don’t have a setup, then we kind of work and help, we either help them get a setup from wherever they’re at, or find a studio where they can connect to us via a source connect or something like that. But there is a multitude of ways that you can reach out and work with us in terms of the voice coaching.
Ray Schilens: As [inaudible 01:06:35] used to say, reach out and touch someone.
Bruce Abbott: Okay. Oh, yes. I think my vocal booth actually used to have a New York Yankees logo along with that company logo, and a big Derek Jeter thing, which if you’re a Yankees fan, I’m sorry, but we’re here in Houston. And so I would have a Jose Altuve, but then the booth would only be like four feet something tall.
Ray Schilens: Don’t say that.
Nicky Mondellin…: Oh, come on.
Bruce Abbott: I love Jose.
Ray Schilens: [inaudible 01:07:04] stature.
Nicky Mondellin…: Jose, small and mighty.
Bruce Abbott: I love that man. He’s awesome.
Nicky Mondellin…: Guys, this has been a pleasure. Thank you so much again for joining me today and for all your pearls of wisdom. This is amazing. People have a very clear idea of how they can reach out to you. And of course, then they’ll be following your podcast and just taking note of all the amazing bits of advice that you’ve given to me today. So what is one last thing that each of you would like to say that it’s… Let’s say it’s a little message in a bottle that you would want to put, and not only for the industry, but just for people in general. Okay? Bruce, do you think of something? Does something come to mind?
Bruce Abbott: I think when it comes to, let’s say for voice acting, be patient, soak it all in, absorb it, practice, practice, practice, practice, practice. This is a business and a job just like any other one. It’s going to have ups, it’s going to have downs. You’re not going to go in and get your first job at a large company as the CEO. You’re going to have to come in and work your way as somebody new, somebody new to a company. So that’s the way the voiceover is, is don’t get discouraged, but also understand that this is not an overnight thing where people come in and it’s like, wow, you know what? I watched this YouTube video and I bought this USB mic, and right, I’m ready to make six figures this year. It takes time. I mean, it takes time. It took me several years to get to that point. So that’s my piece of advice is just be patient, work it, be consistent. 1% every day. And practice, practice, practice. Keep going and you’ll get it. You will get it. You will rock on there.
Ray Schilens: Be professional.
Nicky Mondellin…: On point.
Ray Schilens: Be professional. Be on time. Check your ego at the door. Be nice and make sure that you do and leave the very best impression with everyone that you touch, whether it’s an audition or a session. And stay in contact with people. Don’t overdo it. If you’re going to communicate with somebody, do it in a relevant way. Don’t try and sell somebody on yourself. Just remind people. Be creative as well in the way you present yourself. That’s an important asset as well. But the biggest thing is be nice. Be nice. And it’ll come right back at you.
Nicky Mondellin…: Exactly. Well, that is great advice for everyone to take to heart, for sure. Well, thank you so much, Ray and Bruce. This has been a true pleasure. And I look forward to collaborating with you guys soon, to seeing you guys soon around town or at a burger joint or someplace else.
Bruce Abbott: Absolutely. Thanks. It’s totally our pleasure.
Ray Schilens: Great job, Nicky. Keep it going, okay?
Nicky Mondellin…: I will do.
Ray Schilens: You can do this. You can do this.
Alan Villatoro: Thanks for joining us on La Pizarra. Want to listen to more episodes? Visit lapizarrapodcast.com or nickymondellini.com/lapizarra, where you can sign up for our newsletter and get exclusive previews of future episodes, as well as resources for your creative business. Tune in next week for another interesting interview.

 

Episode Summary

Ana Santana @santanuca, comparte lo importante que han sido sus conocimientos en publicidad para comprender qué es lo pide el cliente del otro lado del cristal y nos explica el concepto del locutor como producto-servicio-persona, para poder desarrollar nuestra marca personal.

Episode Notes

Transcript

[00:00:00] Mario Filio: Esto es La Pizarra, un espacio para explorar las mentes creativas del mundo del espectáculo en ambos lados de la cámara y el micrófono. Aquí está su anfitriona, Nicky Mondellini.

[00:00:15] Nicky Mondellini: Hola, ¿qué tal? Bienvenidos a un episodio más de La Pizarra. Soy Nicky Mondellini. Seguimos aquí con la sexta temporada. Yo quiero recordarles que todos los episodios de La Pizarra están disponibles en la aplicación gratis para iOS y Android. Se llama La Pizarra Podcast, que también es el nombre de nuestra página web. La otra página web donde también encuentran todo es nickymondellini.com/lapizarra.

También quiero decirles que en esa aplicación ustedes ahora me van a poder dejar comentarios. Me encantaría saber de ustedes qué les gusta más acerca de este podcast, cuáles han sido los episodios que les han gustado, qué les gustaría escuchar y qué les gustaría ver de ahora en adelante en La Pizarra y si también están disfrutando los episodios en inglés, que ha sido una de las novedades que hemos tenido a partir de la quinta temporada.

Cuéntenme todo eso, avísenme qué les gusta, qué temas quisieran que exploráramos porque yo con muchísimo gusto me iré a encontrar a los expertos que les den exactamente lo que ustedes quieren. Hablando de expertos y de contenido, hoy vamos a hablar con una persona que es una gran locutora y también es una experta en la publicidad. Ella ha aplicado esos conocimientos de publicidad para ayudar ahora a los locutores que queremos desarrollar nuestra marca personal. Su nombre es Ana Santana.

Ahora en un momento ustedes van a ver cómo ella nos va a platicar acerca de lo que es un brief. En un momentito les voy a dar exactamente todos los datos acerca de quién es y cómo pueden ustedes conocer a Ana Santana.

[música de fondo]

Cuando me preguntan qué plataforma recomiendo para grabar un podcast o reuniones virtuales yo siempre digo que SquadCast es de lo mejor que existe hoy en día porque puedes grabar con hasta nueve invitados con una increíble calidad de sonido profesional. La verdad es que es de lo mejor que yo he escuchado en cualquier otra plataforma. Además. puedes descargar tus archivos de audio ya masterizados con sonido Dolby. Pruébalo gratis por siete días en squadcast.fm/?ref=lapizarra. Este link lo vas a encontrar en las notas del programa.

En SquadCast tienes muchas ventajas, como la posibilidad de grabar también en video. Lo mejor es que ahora tus invitados ya se pueden unir en un dispositivo móvil, ya sea en iOS o en Android. Además, el soporte técnico está para ayudarte con cualquier duda o problema técnico que surja. Me consta que te responden el mismo día. Busca el link en las notas del programa para que pruebes podcast gratis por siete días y luego eliges el plan que más te convenga, ya sea mensual o anual.

Con más de 20 años de experiencia en publicidad, Ana Santana ha tenido a su cargo cuentas como Nivea, promociones Pepsi y Bacardí, entre muchas otras. Ella ha visto la necesidad que tenemos los artistas de la voz y de cualquiera que tenga un negocio artístico de tener un buen manejo del branding. Como ella nos va a explicar en algunos momentos todo empieza con un buen brief.

Ana es licenciada en Ciencias de la Comunicación. Tiene una diplomatura en Literatura, Arte y Cine y otra en Mitología Mundial, ambas realizadas en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México. También ella es tallerista d El Taller de las Voces dirigido por Martha Escobar, como ustedes van a escuchar en unos momentos, donde yo también tengo el gusto de ser una tallerista con la sección de Creando tu Podcast.

Vamos a hablar muy específicamente de los cursos que Ana ha desarrollado para El Taller de las Voces y cómo ustedes pueden acceder a esta comunidad de El Taller de las Voces para tomar los cursos de Ana o también para hacer asesorías que también ella da, estas asesorías personales para ayudarnos a desarrollar nuestra marca, tener un mayor conocimiento de quiénes somos y qué ofrecemos precisamente para conseguir el tipo de clientes específicos a los que queremos llegar.

Ana, ¿cómo estás? Qué gusto que estés aquí con nosotros en La Pizarra. Cuéntame un poquito cómo es que empezó tu camino dentro de la publicidad.

[00:04:38] Ana Santana: Yo muy contenta de estar aquí. Nicky, la verdad, Gracias por la invitación. Yo estudié Comunicación y la verdad es que yo no quería ser publicista, me parecía que la publicidad engañaba a las personas. Por azares del destino, cuando acabé la carrera, caí en una agencia de publicidad y me enamoré. Me enamoré tanto y me quedé 20 años ahí metida haciendo publicidad siempre en el área de servicio a clientes. La publicidad es fascinante. Sí, no hay medias tintas, o te encanta o te mata, porque es súper, superdemandante, es muy demandante, pero fascinante.

[00:05:13] Nicky: ¿Qué fue ese aspecto que te hizo que te enamoraras de la publicidad cuando antes tenías esa reticencia? ¿Qué fue eso que realmente te llamó y te dijo, “Yo de aquí soy”?

[00:05:26] Ana: Yo creo que cuando me di cuenta y viví el proceso, el proceso que se sigue para vender un producto para una campaña de publicidad, desde dónde empieza todo este proceso. El irlo viviendo y masticando pedacito por pedacito hasta que ves el comercial al aire, el anuncio, ya reflejado todo por lo que pasaste y lo ves ahí, guao. Es como tener un bebé en cada campaña y es padrísimo. Luego ver los resultados y que sí funciona, que a la gente le gusta, los comentarios, eso es fascinante.

[00:06:02] Nicky: Es fascinante también el proceso, hablamos también de lo que son los focus groups y todo eso. Es un proceso largo, pero muy interesante cómo se toma en cuenta la opinión de la gente para implementarlo en esa campaña y para saber exactamente al nicho al que va dirigido ese producto en especial.

[00:06:24] Ana: Es correcto. Sí. También lo que pasó es que yo por todas las agencias de publicidad por las que pasé curiosamente me hacía muy amiga o hacía mucho clic con la gente de planning, de planeación estratégica. Me empecé a meter yo siendo de dirección de cuentas, pero me encanta cuando nos tocaba hacer research y todas estas cosas de investigación de mercado. Esas cosas de poder traducir los insights que dice el consumidor y que acaben en una campaña, en una frase, me parece increíble.

[00:06:57] Nicky: ¿Eso sientes que lo has aplicado en la locución?

[00:07:01] Ana: Sí, la verdad es que sí, porque con todo este conocimiento ahora sí que del otro lado de una cabina de un locutor, donde están siempre los clientes y el ingeniero que era donde me tocaba estar a mí, cuando estás adentro ya en la cabina es muy diferente. Sí entiendo muchísimas de las cosas que escucho que dicen los clientes porque de ahí vengo. Es como de, “Okay, está pidiendo esto. Se refiere a esto, se refiere al otro”, porque para mí es un lenguaje muy, muy conocido.

No es que no entiendan lo que dicen, al contrario, yo, “Okay. Está buscando esta cosa, está buscando esto”, porque entiendo el lenguaje. Es como hablar como dos idiomas, chistoso.

[00:07:44] Nicky: Yo creo que eso es un as bajo la manga que tú tienes. Estás en una posición privilegiada porque tú sabes cómo piensa la gente del otro lado del micrófono, del otro lado del cristal. Uno como locutor hay veces que estás en una sesión dirigida y te empiezan a pedir cosas que tú como que no logras entender por dónde van, pero tú ya tienes esa otra perspectiva y ya lo puedes traducir.

[00:08:08] Ana: Exacto. Además porque, conociendo todo el proceso, cuando como locutor te llega un texto en frente de 10 renglones, yo sí sé– Al ver el texto de verdad como que me pasa un rewind en la mente y todo el proceso, de todo lo que tuvo que pasar para que este texto estuviera en mis manos, lo respeto mucho. Lo que pasa es que lo respeto mucho.

Sí, con todo el conocimiento o el know-how de tantos años en publicidad, digo, “Okay, le están hablando a no sé quién, esto va dirigido a no sé quién. Quien te [unintelligible 00:08:44] la adición de compra de este anuncio es la mamá, es el papá o es para el chavito”. Lo empiezo a traducir automáticamente por el know-how. No es que yo saque, “Súper”. Lo hice 20 años, es muy fácil para mí.

[00:09:00] Nicky: Yo creo que realmente si pudiéramos emplear eso y ponernos en los zapatos de los que crearon ese spot y de lo que todo lo que pasaron para finalmente llegar a ese copy, a ese texto que tienes en las manos, tu perspectiva cambia y ya puedes decirlo desde otro punto de vista y no nada más machetear ahí las líneas y buscar las tonalidades, sino saber, “Espérame, ¿a quién va dirigido? ¿Por qué? ¿Qué es lo que se trata de decir?”.

[00:09:30] Ana: Exacto. Al final, como locutores lo que quieres es comunicar. Se trata de comunicar. Como no contamos con todo este lenguaje no corporal– Perdón. Lenguaje corporal más bien cuando la gente te ve, pero cuando tienes solamente la voz tienes que hacer muchísimas más cosas para que la gente se imagine lo que estás haciendo. Esas cosas también son fascinantes, también por eso decidí ser locutora después de dejar la publicidad.

[00:09:59] Nicky: Precisamente esa iba a ser mi siguiente pregunta, ¿cómo fue la transición para ti y qué fue lo te hizo cambiar de rumbo? No es un rumbo diametralmente opuesto porque finalmente sigues dentro de la publicidad como locutora comercial, pero el de decir, “Okay, ya, ahora sí mi espacio de trabajo va a ser una cabina de audio, van a ser estudios de grabación profesionales”. ¿Qué fue lo que ya te fue llamando precisamente a empezar esa carrera de locución?

[00:10:28] Ana: La verdad es que cuando yo estaba siendo directora de cuentas, cada vez que me tocaba ir a hacer el audio de mis comerciales o lo que sea, el locutor es lo último que se hace de todo el proceso creativo para sacar una campaña el aire. Yo los veía y decía, “Ay, qué padre estar ahí adentro. Qué padre”, y fin de tema. Finalmente, dejo la publicidad porque quería dedicarme a ser mamá. Mi hija tenía en ese entonces dos años y medio. Decidí renunciar y ser mamá. Me pasé como seis años siendo mamá.

Ya cuando vi que empezó a crecer mi hija, dije, “Ay, como que quiero regresar a la vida laboral y a ser económicamente activa”, pero ya no quería regresar a la publicidad porque yo sé lo demandante que es. De verdad lo sé y dije, “Ya no”. En eso de verdad así literal dije, “Yo siempre quise ser locutora, me voy a poner a estudiar”. No dije, “Voy a ser locutora”, no.

Me puse a estudiar y he tomado 500 cursos. Empecé con Patricia Palestino, tomé clases de improvisación con Héctor Illanes. Empecé a prepararme. Después como de tres años de estar clases, clases, clases, como que dije, “Bueno, okay, ahora sí me voy a aventar al ruedo”. Fue cuando hice mi demo y empecé a tocar puertas porque, aunque yo venía del mundo de la publicidad, el mundo de la locución es totalmente diferente.

No crean que porque yo tengo contactos o conocidos en agencias de publicidad se me abren las puertas. No, yo tuve que tocar puertas en todos lados, de no conocer el gremio, de entender cómo funciona ser locutor, cómo se tiene que vender uno, cómo funcionas tú como persona, como producto. Esas cosas las tuve que ir aprendiendo poco a poco y ahí vamos. Empecé muy tarde, por eso también. Empecé a los 45, 46 años, pero no me importa, soy muy feliz siendo locutora.

[00:12:36] Nicky: Esta carrera fíjate que no, Ana. Realmente yo creo que no hay momento que sea muy tarde para empezar o para cambiar de giro. Mientras tienes vida, tienes salud y quieres tocar otras puertas, quieres abrir otros horizontes, ¿por qué no explorarlos y por qué no hacerlo? Lo hiciste de la manera correcta, como dices, “Empecé a tomar muchas clases”, lo cual es clave.

Hay locutores que no quieren dedicarle todo el esfuerzo que se necesita a prepararse. Ellos nada más dicen, “No, mira, me compro este micrófono, tengo este software de grabación y todo, me aviento y empiezo”, pero no. ¿Hasta dónde vas a llegar? No vas a llegar muy lejos. Si te preparas muy bien, así como tú lo has hecho, sigues y continuas, porque esa preparación nunca termina, obviamente ya va a ser diferente. Como decimos, ya con ese conocimiento único que tienes tú también del punto de vista del publicista sigue creciendo esa carrera tuya.

[00:13:38] Ana: Claro, eso es lo que espero y lo que intento. También con ese conocimiento publicitario o esa visión que ya la traigo en la vena seguro de tantos años de hacerlo, sí también me doy cuenta que la locución no solamente es la locución comercial de los spots, de los anuncios, de las narraciones, hay un sinfín de cosas que se pueden hacer con la voz y es fascinante. Mi primer trabajo fue y e-learning para enseñar a chavitos en el mercado latino, clases de matemáticas y cosas así, era un software.

Me encantaba cuando me decían, “Esto va para niños de cuatro años”. Hacías la voz toda así para que te entendieran como si fueras la miss de kínder. Luego, “Estos van para secundaria”, y te pedían que fueras como más tough con la voz. Era muy divertido. El poder jugar con todas estas cosas, estos personajes, comunicar, y no solamente en un nanospot de televisión o de radio, sino todo lo que puedes decir en tantas cosas, en videos internos, en un e-learning, en un IVR, en un audio libro.

Es increíble poder trabajar con la voz. Yo ya sé que mis profesores me regañan siempre mucho, pero de verdad me alegro de haber tomado esta decisión, de haberme aventado, de cambiar diametralmente de profesión, pero lo haría gratis, de veras. Cuando estoy en una cabina, así cuando me toca grabación.

[conversación cruzada]

Ya sé, me regañan, pero me gusta tanto que me emociona mucho. Cuando tengo la oportunidad de estar en la cabina grabando para mí es de las cosas más padres que me puedan pasar en el día.

[00:15:24] Nicky: Claro, ahí es donde puedes ver que realmente sí tienes una pasión por ello. Yo creo que los que estamos en esto y que ya llevamos muchos años realmente sí. Tenemos alma de artista, somos artistas de la voz. Sí, si pudiéramos vivir del aire lo haríamos sin cobrar, pero hay que pagar las cuentas y ni modo. [ríe]

[00:15:42] Ana: No, pero por supuesto. Aparte, créeme que me interesa acabar viviendo de esto. Por eso digo que siempre me regañan, pero me gusta tanto que es un honor que te paguen por hacer lo que te gusta.

[00:15:53] Nicky: Exacto, es un honor, sí, así es. ¿Cuál es el género que más te gusta de todos los que ya has hecho?

[00:16:00] Ana: Me encantan los audiolibros. Los audiolibros es una cosa que descubrí, que he disfrutado enormemente porque me recuerda un poco cuando yo era directora de cuenta. De todas las cuentas que manejé la verdad es que te tienes que volver experto en esos productos, en esos mercados, en esos nichos. No sé, manejé Maseca, me volví experta en tortillas. Manejé Movistar, me volví experta en telefonía celular y la competencia. Aprendes muchas cosas, era lo que me gustaba de mi trabajo.

Con el audiolibro pasa exactamente lo mismo, porque lo vas leyendo y vas aprendiendo un montón de cosas, porque he narrado un montón de temas, filosofía, cuentos para niños, novelas, historia, biografías, muchos de autoayuda, hasta eróticos por ahí. Es divertidísimo y aprendes un montón.

[00:17:00] Nicky: Eres una storyteller apasionada, ¿no?

[risas]

[00:17:02] Ana: Sí, sí me gusta mucho.

[00:17:05] Nicky: Qué maravilla. Ahora cambiemos un poquito de rumbo. Vamos a hablar acerca de otro tema que tú manejas muy bien y de lo cual tú estás dando clases en El Taller de las Voces, que es lo del desarrollo de marca. ¿Qué tan importante es que nos veamos como un negocio?

[00:17:25] Ana: Superimportante porque, como siempre les digo cada vez que doy un webinar, es muy curioso el ser locutor porque eres un producto-servicio-persona. Así le digo yo porque, aunque vendes un servicio y estás prestando un servicio que es tu voz, que es como licenciar algún producto, finalmente sí eres tú. El separarlo es bien complicado, porque si al cliente no le gusta es bien complicado no tomártelo personal.

Si tú vendes una taza y al cliente no le gusta la taza, le cambias el color y ya está, es un objeto. Cuando ese producto eres tú y te dicen no me gusta o sí me gusta. Híjole, tener esa capacidad de no tomártelo personal es súper, superimportante y es muy difícil porque eres tú. Por eso digo que somos producto-servicio-persona.

Yo creo que es muy importante que sí nos tomemos como un producto para poder crear una marca porque si lo empezamos a hacer así es una gran herramienta para poder hacer justo esta separación de la que te hablo, para que no te lo tomes personal. Mientras más entiendas que lo que estás vendiendo es un producto, que no eres tú la que no les cae bien, no eres tú, es tu voz porque no funciona para ese producto, la pasas mejor.

[00:18:57] Nicky: Cierto, porque nuestra voz no va a ser la adecuada o la voz perfecta para todos los productos. Para ello ahí tienes que confiar en el criterio de los que te van a contratar o no. Esos rechazos tomarlos como, “Bueno, es que este no era para mí”. También esos rechazos nos permiten seguirnos entrenando, seguir buscando maneras diferentes de vender todo tipo de productos.

[00:19:27] Ana: No, por ejemplo, seguro pasa que te llega un casting, tú lo interpretas, lo mandas y no te lo quedas. Cuando lo ves al aire o lo escuchas al aire, para ser correctos, dices, “Ah, okay, lo que estaban buscando era esto”. Cuando ya te sales tú de tu persona y empiezas a escuchar tu voz como un producto ya no te duele. Ya no te duele ni te pasan esas cosas de, “Ay, nunca voy a llegar a ser, ¿por qué no me quedo con los castings?”.

No, “Efectivamente ya entendí qué querían y el casting que yo mandé no iba por ahí”. Entender eso te ayuda también mucho, a confiar en tu voz y a saber hasta dónde sí y hasta dónde no.

[00:20:12] Nicky: Exacto, conocer tus limitaciones, también explotar tus características y todos tus atributos, ¿no?

[00:20:19] Ana: Es correcto, porque no todas las voces son para todo. Yo no puedo pretender hacer una voz de una niñita o de una chavita porque tengo la voz ronca y siempre la he tenido ronca. Yo ya conozco mi rango y de pronto sí me han mandado casting de 19 a 25 y yo evidentemente lo rechazo y digo, “No es mi rango de voz. Gracias por la invitación”.

[00:20:44] Nicky: Conociéndote bien también evitas la pérdida de tiempo, ¿no?

[00:20:48] Ana: Claro.

[00:20:49] Nicky: Tú dices, “Mejor me voy sobreseguro con las cosas que yo sé que puedo hacer y que puedo hacer muy bien, ¿para qué me doy de tumbos con cosas que realmente se alejan mucho de mis capacidades?”, y te pones en los zapatos del director o del productor y dices, “A ver, si yo escuchara este casting con este tipo de voz, pero mi personaje es esto, ¿qué puedo hacer?”.

[00:21:10] Ana: Exacto. También dentro de tus posibilidades no solamente quedarte con, “Ah, soy buena para esto”. En ese rango como producto también tendrías que tener la capacidad de ir jugando un poquito más, un poquito menos también para encontrar la versatilidad dentro de tu rango.

[00:21:31] Nicky: Cierto. Sí, totalmente. Vamos a hablar ahora un poquito más acerca de eso, conociendo ya nuestras limitaciones, nuestros atributos y todo, ¿cómo empezamos a desarrollar algo de lo que tú has hablado mucho en El Taller de las Voces, que es el brief? ¿Qué es el brief y cómo lo podemos desarrollar? Obviamente estos son webinars y clases que toman tiempo, pero si nos puedes resumir un poquito, ¿qué nos dirías?

[00:21:56] Ana: El brief es la cosa más importante de cualquier proyecto publicitario porque es una serie de preguntas bastante puntuales que te permiten conocer exactamente de qué va el producto, para qué y qué es lo que quieres hacer, porque ideas tenemos muchas todo el tiempo, pero cuando las aterrizas en un papel en blanco y negro se vuelven tangibles y ponerte a pensar en, “¿Para dónde voy?”.

Un brief básicamente es tu guía para lograr un objetivo. Básicamente es eso a través de responder preguntas muy puntuales, casi-casi en 360 grados porque tienes que hablar de tu producto, de los atributos, de las cosas que no tiene bien, de la competencia, del entorno, de muchísimas cosas. Esas son las preguntas que hay en un brief.

[00:22:51] Nicky: Es realmente como un buen examen de conciencia, de quién eres, qué puedes ofrecer y a quién estás beneficiando, ¿no?

[00:23:01] Ana: Lo que quieres lograr, creo que eso es la parte más importante de un brief. De hecho, se los he dicho en un webinar y lo comparto aquí con mucho gusto. Hay brief de veintitantas preguntas, brief de cinco preguntas, pero hay un brief de una sola pregunta, pregúntenselo ustedes como persona, producto o servicio, ¿qué es lo que quiero que la gente se quede pensando después de escuchar mi mensaje o lo que tengo que decir?

Si yo soy Nicky Mondellini y hago un spot de Nicky Mondellini, ¿qué estoy esperando que la gente piense después de escuchar eso? Que Nicky es buena onda, que no es buena onda, que es superprofesional, que no sé qué, esas cosas son las que respondes en un brief y te dan una dirección muy certera de para dónde ir y no perder el tiempo.

[00:23:59] Nicky: Claro. Eso tú lo puedes emplear ya en todas tus comunicaciones. Puede ser en el desarrollo de tu biografía cuando desarrollas un website, en el pequeño perfil que pones en redes sociales o en cualquier campaña de email masiva a donde vas a querer llegarle varios clientes, pero realmente presentarte con todas tus fortalezas y con realmente lo que eres y a lo que vas, ¿no?

[00:24:30] Ana: Exacto. Por eso siempre antes de llenar un brief lo que les digo es que hay que hacer un FODA, que es un ejercicio de fortalezas, debilidades, oportunidades y amenazas. Creo que esa es la parte primordial y en lo que te llevas posiblemente más tiempo en llenar porque ese es un clavado total y una inmersión al producto. Si yo voy a vender una taza, “A ver, la taza cómo es, qué tiene de bonito, qué colores, cuántas tazas hay así en el mercado, dónde la voy a vender”.

Igualito, pero es que eres tú, insisto, eres una persona. Siempre les digo que parecen clases de terapia, pero sí, acaba siendo una terapia porque tienes que meterte adentro y ser bien honesto contigo y decir, “¿Cuáles son mis fortalezas? ¿Cuáles son mis debilidades?”, decírtelo, buscarle y rascarle y de pronto te encuentras cosas que no te gustan, pero tienes que tenerlas enfrente y ser superhonesto.

Porque como siempre digo, un producto o un servicio que va basado en una mentira o en algo que no es cierto es como una mesa de tres patas y tarde o temprano se va a caer. Para poder sostener todo eso tienes que ser bien honesto. A lo mejor de tus debilidades que no quieres que nadie las sepa, pero tienes que conocerlas y al conocerlas ya verás la manera, en tu estrategia, de que esas no se vean, pero si no las conoces algún día van a salir al aire, algún día. [ríe]

[00:26:06] Nicky: Exacto. Conocer todo eso y esas debilidades a lo mejor decir, “Okay, bueno, ahí están, sé que están ahí, pero voy a resaltar más todas estas cualidades que son lo que pueden finalmente hacer que un cliente tome la decisión de por lo menos darme una oportunidad”, ¿no?

[00:26:23] Ana: Exactamente. Aparte, las fortalezas y las debilidades es una cuestión interna, de tu persona, son intrínsecas, como le llamamos en publicidad, y las amenazas y las oportunidades son extrínsecas. Muchas veces esas debilidades se pueden convertir en una oportunidad porque es un camino que puedes resolver o que puedes decir tomar acción de cambiar eso y se vuelve una oportunidad y a veces una fortaleza se puede convertir en una amenaza.

Eso es lo que me encanta del FODA, que vas cruzando todas estas informaciones y tienes clarísimo quién eres, lo que tienes para ofrecer y a quién vas dirigido y ya con toda esa cantidad de información llenar un brief te va a ser muy fácil.

[00:27:20] Nicky: Claro. Ese es el primer paso. Tú obviamente estás preparando un curso especial para el desarrollo del FODA, ¿es primero un curso donde ya te avocas solo en el FODA y luego otro curso más adelante para el brief o es todo dentro del mismo curso?

[00:27:42] Ana: Es dentro del mismo curso porque es como enseñarte a hacer un FODA, que es donde más nos tardamos. De ahí el objetivo de este curso es que tú salgas con un brief de estos de los grandotes, no de los chiquitos, de los grandotes, llenado y que el día que tú quieras hacer promoción de ti misma y que quieras ya empezar a generar tu marca, que quieras hacer un logo, que quieras tener un nombre artístico, que quieras tener una página web, una vCard o artículos promocionales.

Lo que se te ocurra para promocionarte a ti como marca, sepas exactamente por dónde y a tus proveedores les puedas dar ese brief y hacer equipo con tu proveedor para llegar a un objetivo que les beneficia a ambos y que realmente lo que la gente vea te refleje, porque claro que tú lo que quieres es tener clientes que te estén buscando justo a ti. Por eso siempre digo que hay que ser honestos.

[00:28:41] Nicky: Así es. Fíjate que eso a mí me ha tocado hacerlo en dos ocasiones donde he hecho y rehecho mi página web y a la persona que contrato me mandan un cuestionario muy extensivo acerca de todas estas cosas, más otras más específicas, entre colores, “Dame, por ejemplo, dos o tres sitios web de otras personas que te gustan o que admiras”, etcétera.

Yo creo que si se hace eso de primera instancia, así como tú lo dices tal cual y lo tienes como ejercicio para ti y ya lo vas desarrollando, a la hora que tú vayas a contratar a alguien, que ya estés listo para hacer tu sitio web, ya se los vas a pasar y tú ya te vas a ahorrar todo ese tiempo de primera instancia.

[00:29:28] Ana: Claro. Es infinitamente más fácil también para el proveedor porque yo estoy segura que cualquier proveedor a quien tú contratas lo que quiere es darte un excelente servicio. Si de pronto tú no fuiste claro con tus instrucciones y lo que te regresa de lo que tú le pediste no te está gustando no funciona para nadie. Tú vas a estar muy enojado como cliente y tu proveedor va a estar frustrado porque va a decir, “Híjole, es que no le atino a lo que quiere esta persona y no le estoy dando el servicio”, y todo sale mal. Invertir tiempo en un FODA primero y después llenando un brief es tiempo que te vas a ahorrar a la hora de solicitar algún artículo promocional o lo que tú vayas a querer hacer porque va a ser más rápido y van a lograr hacer un equipo. Tú dices, “Ay, me pasé tres meses haciendo el FODA y el brief“, pero a la hora que tengas tu sitio web le van a entender rapidísimo al proveedor y van a estar peloteando ideas, “Hacemos esto y hacemos lo otro”, porque le estás permitiendo conocer qué es lo que necesitas.

También para él va a ser increíble podértelo dar y que te vea la cara de guao. Es un ganar-ganar y te ahorras mucho dinero, se los juro, porque luego los cambios te los cobran. [ríe] ¿Para qué pagas cambios? Hazlo bien desde el principio.

[00:30:52] Nicky: Exacto. Si tú ya de entrada vas a lo seguro porque ya lo has analizado, ya lo has estudiado, ya te has tomado todo ese tiempo para poner cada una de esas cosas que te describen, de lo que quieres y todo esto, obviamente ya va a ser mejor hecho desde un principio. No hay nada peor que te dan algo, lo ves y dices, “No, es que eso no va conmigo”.

[00:31:15] Ana: “Ay, eso no soy yo. No me gusta”.

[00:31:16] Nicky: Exacto.

[00:31:18] Ana: Aparte, la verdad es que cuando lo tienes muy claro es también superbonito hacer este partner con tu proveedor. No es que, “Yo te estoy contratando y tú me das un servicio”. No, son un equipo. El pelotear con tu proveedor y que él te proponga, “Oye, Ana, y ¿si le ponemos esto y si le ponemos lo otro?”, y tú, “No, fíjate que ese color no, pero esto que me propones está bien padre”. Ese peloteo de hacer un equipo para un solo objetivo es un proceso encantador y es mucho más divertido la verdad.

[00:31:55] Nicky: Sí, la verdad, y muy interesante, todo mundo acaba feliz porque realmente fue un trabajo en equipo y ya no es, “Sí, a ver, aquí está toda mi información, a ver, sorpréndeme”.

[00:32:06] Ana: Aparte, se convierte en tu proveedor de cabecera, que aparte es delicioso decir, “Uy, se me atoró esto. Fulanito, ¿me ayudas?”, porque ya sabe y él ganó un cliente para siempre. Todos ganan.

[00:32:23] Nicky: Sí, un cliente y una recomendación, qué rico trabajar con la gente con la que has desarrollado esa relación de trabajo tan de confianza y muy bonito.

[00:32:34] Ana: Sí, porque te quitas problemas de enfrente.

[00:32:36] Nicky: Sí, totalmente. Ana, ¿tú por qué crees que sea tan difícil para los que somos emprendedores creativos el realmente verlo así, hacer nuestro marketing, salir de nosotros mismos y vernos como un negocio?

[00:32:53] Ana: Creo que justo por eso, porque acaba siendo una persona, en este caso, de locución. Es infinitamente más fácil hacer todo lo que les cuento del FODA y el brief de un producto físico tangible a de una persona. Cuando piensas en los servicios que tú quieres ofrecer, como tú los ofreces, no hay de otra y tienes que voltearte a ver a ti. Yo creo que a la gente eso es lo que le da un poquito de miedo.

Creo que es la primer barrera, de que, “Ay, no, que todo mundo piense que soy perfecto, divino”, y no es cierto. No eres ni perfecto ni divino, pero tienes muchas cosas que la gente puede comprar y que la gente necesita, pero tienes que ser honesto. Creo que una barrera es esta de, “Me tengo que voltear a ver a mí primero”, y es donde tal vez la gente se detiene un poquito porque da miedo, por supuesto que da miedo.

[00:33:51] Nicky: Sí, da miedo el hablar porque también tenemos tanto miedo al rechazo. Somos nosotros, aquí soy yo y esto es lo que puedo hacer. Lo hago con tanto gusto, con tanta pasión que un rechazo sí es–

[00:34:07] Ana: Duele, por supuesto que duele. No es lo mismo, insisto, con la taza. “Ahí está la taza en el anaquel, no la compraron”, “Bueno, llegará otro y la comprará”, pero cuando eres tú y no te– De verdad es que es muy complicado no sentirte mal.

[00:34:21] Nicky: También eso de que nos cuesta trabajo hablar bien de nosotros mismos, el realmente plantear todas nuestras habilidades tal cual son para atraer un cliente porque caemos un poquito en eso de que, “Ay, pero es que no quiero molestar, no quiero ser presumido. No está bien que yo me esté vanagloriando tanto y todo”. Yo creo que si lo vemos como tú estás diciendo, vete como un negocio, despégate un poquito y di, “Ah, okay, estos son los servicios que le van a funcionar perfecto a este cliente para este producto”.

Ya cuando empiezas a tocar puertas tú ya vienes desde ese punto de vista de, “Oye, ¿sabes qué? Yo puedo ser la persona que te resuelve un problema porque tengo tanta experiencia, he hecho estas cosas. Mira, esto es lo que puedo hacer”, y así tranquilamente te puedo decir, “Puedes confiar en mí porque yo te voy a resolver esto”.

[00:35:13] Ana: Exactamente, pero sí, insisto, al tomarte como un producto y verte como un producto te ayuda mucho, aunque hayas tenido que hacer todo este clavado interno, pero al final en la práctica te ayuda mucho a no sentirte mal con los rechazos o con las cosas que no salgan bien porque al final no todo mundo compra los mismos productos. Es así y ya, como que se te quita ese peso de encima.

Aparte, como artistas de la voz también somos como supersensibles, también eso es una realidad como buenos actores porque estás sacando los sentimientos a flor de piel en cada interpretación que haces. Estás muy metido en ese coso. Sí, es muy difícil no tomártelo personal, pero al poderlo separar y verlo como un negocio es más fácil que no te sientas mal.

[00:36:08] Nicky: Así es. También uno no necesita tener una gran experiencia, muchísimo o un currículum enorme para poder desarrollar tu brief, desde primero tu FODA y después tu brief porque si no empiezas bien, aunque sea que hayas hecho nada más tres trabajos, pero ya decidiste que tu camino es ese y que vas a empezar tu negocio de locución, tienes que hacerlo porque si no cómo vas a ampliar ese currículum precisamente.

[00:36:36] Ana: Exacto. No, además, como insisto, se trata siempre de honestidad, aunque hayas hecho un solo trabajo o no, lo primero es echarte un clavado para dentro de ti. La experiencia no importa, más bien que seas honesto contigo mismo, de eso se trata.

[00:36:53] Nicky: No, definitivamente. ¿Cuándo empiezan esos cursos que vas a dar? ¿Lo estás preparando ahorita en El Taller de las Voces?

[00:37:01] Ana: Exacto. Ahorita justo estoy dando un cursito de FODA y lo voy a ampliar a que sea pegado de FODA con brief. Yo creo que en un par de meses ya estaremos lanzando ese curso para quien lo quiera tomar. La verdad es que sí te voy a contar un poquito de dónde salió esto. Cuando empezó la pandemia, yo soy alumna de Martha Escobar y estaba en la comunidad de El Taller de las Voces.

Cuando empieza la pandemia, Martha, en su generosidad, porque ella es muy generosa, de pronto dio un curso de locución por Zoom gratis. No saben de verdad lo que sentí como de agradecimiento. Me conmovió muchísimo, me conmovió profundamente esa actitud de ella de aportar algo en un momento tan complicado como el lockdown cuando acababa de empezar.

Cuando acaba el curso, que eran cuatro clases, le dije, “Martha, gracias, qué bonito, ¿qué podemos hacer?”, y dijo, “Sí, qué bueno que lo mencionas, gracias. ¿Qué van a aportar ustedes?”, y yo, “Ups”. Fue donde me quedé pensando y dije, “Yo no tengo tanto tiempo ni tanta experiencia de locución, pero sí tengo mucha experiencia en publicidad, de eso sí sé. ¿Cómo adapto todos mis conocimientos a los locutores?”.

Le escribí a Martha y le ofrecí empezar a hablar de este tipo de cosas, del proceso creativo para que los locutores entendieran toda la otra parte de sus clientes y así empezó. Así fue como empecé a adaptar todos estos conocimientos publicitarios a una persona y específicamente a un locutor. Ya después de dar los webinars, de hablar de cien cosas se nos ocurrió que donde más se puede ayudar es en crear este taller para que los locutores tengan bien presente quiénes son, para dónde van tus objetivos y puedan crecer sus negocios.

[00:39:01] Nicky: Sí, porque realmente es un tema que nos cuesta trabajo abordar o finalmente acabamos contratando el servicio que no realmente sea el más adecuado para nosotros o contratas a alguien que no tiene experiencia en saber promocionar artistas de la voz.

Si lo haces a partir de ese punto de vista, tú que ya tienes experiencia en los dos lados, eso ya es una gran ventaja porque ya va más directo, más personalizado, ya como locutores sabemos ahora sí, “Okay, ¿qué tengo que hacer? ¿Por dónde me voy? Desarrollo todo esto y así ayudo a la persona que me va a ayudar a crear mi sitio web a que sepa exactamente qué es lo que necesito como artista de la voz, a qué clientes me quiero dedicar, cuáles son el tipo de trabajos a los que me quiero yo avocar”.

Porque también queremos atraer ciertos tipo de clientes según el nicho que más nos gusta, por ejemplo, [00:40:00] o según de lo que quisiéramos hacer más, pero que no hemos encontrado todavía esa oportunidad porque a lo mejor no sabemos cómo buscar esos clientes, dónde tocar esas puertas, pero todo esto obviamente nos abre el panorama y nos dice, “Ya sé hacía dónde va mi caminito”.

[00:40:18] Ana: Lo más padre es que si alguien escucha tu publicidad, ve tu página web, tu vCard, algo que tenga que ver con tu marca o con lo que tú estás promocionando de ti mismo, acuérdese que trabajamos con la voz y de pronto te conoce en persona y se da cuenta que lo que percibió es exactamente lo que hay. No saben qué orgullo y qué satisfacción tanto para uno que ofrece el servicio como para el cliente porque él te buscó porque eso es lo que necesita. Eso es una relación ganar-ganar increíble.

[00:40:52] Nicky: Sí, totalmente. Ana, ¿dónde te puede encontrar la gente para inscribirse en ese curso, para lo de El Taller de las Voces? Yo obviamente voy a poner la liga del El Taller de las Voces en las notas del programa, pero ¿esa es la mejor manera para inscribirse?

[00:41:07] Ana: Sí, la verdad es que vamos a lanzarlo a través de El Taller de las Voces. Yo la verdad es que no soy mucho de redes sociales, soy de las que la chismea, pero no publico mucho. Eso sí, me pueden encontrar en mi email directo, contesto todo, siempre contesto, estoy muy atenta a los emails y es santanuca12@gmail.com.

[00:41:28] Nicky: También lo voy a poner en las notas del programa. Esa es la mejor manera de ponerse en contacto contigo. ¿Das asesorías personales también?

[00:41:35] Ana: Sí, también. Además del curso, por supuesto que asesorías personales también.

[00:41:40] Nicky: Esas asesorías, ¿las tienes así en paquetes de dos, tres, cinco asesorías o es según el grado de experiencia?

[00:41:48] Ana: Depende de lo que esté buscando el cliente. Yo sí tengo un paquete que es el FODA y el brief con las preguntas específicas, con los ejercicios que hay que hacer, con las preguntas, tareas, sí dejo tareas, ese tipo de cosas, pero a lo mejor alguien solamente querrá una asesoría de, “Oye, ¿cómo le hago? Me estoy atorando en esta parte, esto no lo entiendo”, y con muchísimo gusto.

[00:42:11] Nicky: Ana, muchísimas gracias por todos estos conocimientos que realmente son interesantísimos y muy buenos, indispensables aplicarlos en nuestra publicidad como locutores y en el desarrollo de nuestra marca personal. Realmente nos has dado aquí unas grandes joyas, casi que una masterclass acerca de qué tenemos que hacer.

[00:42:32] Ana: No, yo encantada de compartir. Al contrario, gracias por el espacio.

[00:42:37] Nicky: A ti. Muchas gracias. Estaremos pendientes de ese curso, también lo estaré anunciando más. Yo también tengo el gusto de ser una de las panelistas ahí en El Taller de las Voces con la sección de Creando el Podcast. Ahí afortunadamente te conocí y con mucho gusto seguir. Es una gran comunidad, como bien dices. Martita Escobar, que gracias a Dios ya la tuvimos también aquí como invitada en La Pizarra, ofrece muchísimo en El Taller de las Voces y es una gran, gran persona y gran profesional.

[00:43:11] Ana: Totalmente.

[00:43:13] Nicky: Ya saben, amigos, dónde comunicarse con Ana en su email y en El Taller de las Voces que voy a poner la liga. Cualquier pregunta, no duden en contactarla.

[00:43:24] Ana: Por supuesto. Muchas gracias.

[00:43:27] Mario Filio: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. ¿Quieres escuchar más episodios? Visita www.lapizarrapodcast.com o nickymondellini.com/lapizarra donde podrás suscribirte al boletín mensual y tener acceso a los avances exclusivos de los nuevos episodios, así como recursos para tu negocio creativo. Sintonízate la próxima semana para otra interesante entrevista.

 

**Esta parte fue grabada al terminar la entrevista pero en la postproducción se incorporó dentro de la entrevista, ya que la transcripción se realizó antes de la edición final**

[00:44:02] Ana: Me interesa mucho que los productos que habemos como locutores sean lo más honestos posible. Eso no se consigue más que haciendo esa exploración y tener claro para dónde vas. Yo creo que mientras más honestos los productos son de mejor calidad.

[00:44:20] Nicky: Cierto, porque vas desmenuzando realmente, “Esta soy yo”, y el ser honesto con uno mismo te quita mucho peso de encima de saber, “¿Sabes qué? No tengo por qué mentir, no tengo por qué decir que soy esto cuando realmente no lo soy porque luego a lo mejor hasta voy a atraer el tipo de trabajo que no quiero atraer”.

[00:44:42] Ana: Cuando está esa honestidad mágicamente tu producto es de mejor calidad y los clientes que vas a atraer son los que están buscando eso. Decía Charlie la otra vez que me encantó, decía, “Mira, yo ya entendí, para hacer publicidad o para vender hay dos cosas que tú tienes que buscar en tus clientes, o qué placer les vas a dar o qué dolor les vas a ayudar a curar”.

[00:45:16] Nicky: Eso es muy bueno.

[00:45:17] Ana: Cuando lo dijo yo así de, “Charlie, nunca más lindo dicho. Está increíble lo que dijiste”. Lo ocupamos cuando dimos el webinar juntos, porque yo, “Charlie, cuéntales esto porque esto sí es de tu autoría, yo no me lo puedo adjudicar porque eso lo dijiste tú y es magistral”.

Es que es eso. Si tú no eres honesto, ¿cómo le vas a ayudar a alguien a resolver un problema, a quitarle un dolor o cómo le vas a dar un placer, sino es de verdad? Tu producto ya no va a estar tan lindo ni va a ser de calidad. Por eso la honestidad es básica, pero a la gente le da miedo.

[00:45:54] Nicky: Sí, nos da miedo. Nos da miedo abrir de repente eso porque son pasos que sí cuesta trabajo tomarlos, pero una vez que los empiezas a tomar ya te cambia el chip.

Yo lo vi también dentro de mí. Una vez que me empecé a ver como negocio empecé a ser mucho más clara en mi comunicación con las personas y en mi comunicación también con esa persona con quien hice mi último sitio web porque antes de eso me costó mucho, con los primeros websites era de que, “Ay, es que no sé qué decir, ¿cómo le hago? ¿Qué digo? ¿Qué tanto digo?”, empiezo a contar mi historia, “Bueno, sí, era una Luna llena cuando yo nací en un pequeño pueblo”, “No, vete al grano”.

[00:46:38] Ana: Lo que pasa es que de pronto se confunde esto de ser honesto y echarte un clavado para adentro como si te fueras a exponer y fueras a ser vulnerable. Eso no es cierto porque el que hace el FODA eres tú, de ti para ti y con esa información contestas un BRIEF, no es que tú le enseñes el FODA al proveedor, eso es para ti. No estás ni expuesto ni vulnerable ni nada, simplemente lo plasmas en unas preguntas de brief son honestos, es concreto, tiene un objetivo y es muy claro.

Yo veo que a la gente, “Ay, no, van a saber que soy bien flojo o van a saber–” Como que se sienten expuestos y vulnerables y no, es para ti.

[00:47:28] Nicky: Mientras más te conoces más sabes qué puedes ofrecer y de qué tipo de cosas te tienes que alejar o cuáles tengo que aprender a ser mejor.

[00:47:38] Ana: Exacto. De verdad que cuando te conoces de pronto dices, “Aquí hay una oportunidad de chamba que yo no me imaginé”.

[00:47:47] Nicky: Que no había explorado.

[00:47:49] Ana: “Resulta que soy bien buena para esto”, por echarle una rascadita.

[00:47:57] Nicky: Sí, totalmente.

Episode Summary

Robert Campbell, @808inc, talks about the use of humor in advertising, he is the director and creative director of 808, Inc Productions in Houston, a studio specializing in live-action and animation. He is also president of Wordwide Industries, where he writes for numerous ad agencies on regional and national accounts.

Episode Notes

Transcript

Alan Villatoro:

This is La Pizarra, a place where we explore creative minds in the entertainment industry on both sides of the mic and the camera. Here is your host, Nicky Mondellini.

Nicky Mondellini:

Hello, everyone. Welcome to another episode of La Pizarra. My name is Nicky Mondellini, and today we’re going to talk about the funny side of things when it comes to advertising. My guest is Robert Campbell. He is director and creative director of 808, Inc Productions in Houston. It’s a studio specializing in live action and animation. He is also president of Wordwide Industries, where he writes for numerous ad agencies on regional and national accounts.

Nicky Mondellini:

If you are a podcaster or you’ve been thinking about starting a podcast, I highly recommend the platform that has worked very well for me when it comes to recording interviews, and that’s Squadcast, especially because of its amazing Dolby sound quality, which gives you advanced audio processing features like dynamic audio leveling for increased quality and clarity, immersive experience with sound moving around you, thanks to advanced spatial audio, improved sound clarity with noise canceling and echo reduction, optimized bandwidth to help ensure everyone stays connected, and advanced network resilience to help maintain good audio quality in challenging network conditions. And you can download the sessions in a format that is easy to edit, so post-production is faster and publishing is quicker, or you can download the mix and master files. Try it out for seven days at no cost by visiting squadcast.fm/?ref=lapizarra. You will find this link in the description.

Nicky Mondellini:

And you can also record video on Squadcast which you can easily download into any video editing software. Depending on your membership. You can record up to 10 hours or more per month. They also have a great feature that uses autosave while you’re recording to keep all the content, even in the case of technical failures, or if you forget to hit record when you’re starting a session. And since you can record from anywhere, a cloud backup is available when you’re not able to download your audio and video files. And I will let you know that tech support is very reliable. They will get back to you within a couple of hours to troubleshoot any issues. Go ahead and start your seven-day free trial today at squadcast.fm/?ref=lapizarra. After your free trial, you can decide which membership level best fits your needs, and you can pay monthly or annually at a discounted price. Find out all the amazing things you can do with Squadcast by clicking on the link.

Nicky Mondellini:

Robert Campbell has written for print, web, broadcast, outdoor bathroom walls and everything else, and has directed numerous commercials. In addition to receiving a Cannes Lions, his work has been featured in Ad Age, Creativity, Adweek, at Credit.com Top 10 TBS’s Funniest Commercials On Television and a BBC documentary on advertising. In addition to his day jobs, he speaks at schools and professional organizations around the country. His presentation I Smell Funny, talks about the use of humor in advertising. Robert, welcome to La Pizarra. How are you doing today?

Robert Campbell:

I’m doing wonderful.

Nicky Mondellini:

Wonderful. And we’re enjoying a very, very nice weather in Houston, now that the weather’s getting milder and cooler, so I can attest to that. We’re really enjoying nice weather. But anyway, well there’s so many things that I’d like to ask you, but I thought it would be a good place to start with the very beginning of your career. What was the project that just launched your career in this direction of advertising?

Robert Campbell:

Well, I don’t know that there was any one project, and it’s certainly not like I had a plan of any kind. My career trajectory has really been more of like a pinball. You come out of the shoot, and you know exactly where you’re going. And then you start bouncing into stuff and you end up just kind of ping ponging from one way to another. And then at some point, you fall off out of the game. But I’d have to probably go back to high school, really. My buddies and I would get together and we’d make these short skits using my dad’s Super 8 Camera, one of those old handheld soundless… I forget how much film they accommodated. I want to say it was like maybe 50 feet. It was basically four to five minutes of film.

Robert Campbell:

So we get together on weekends and we’d do parodies of Apocalypse Now, or Star Wars or whatever, or we do these short little skits. I grew up around SCTV and SNL and all that stuff. So I just love kind of that short format, fun joke-telling stuff. So I did that, and I guess my plan, and again it wasn’t really a plan, my thought was that I’d go into film school at high school. And what I ended up doing was getting into the radio television program at the University of Houston. And it was actually a lot of fun. It was not what I had in mind. It was, the program that they had at that time, was built around those big studio live production environments. So you had these huge Norelco cameras in the studio with the big gun turret cranks on them. And you had three of those in the studio, you had the camera operators in the studio, you had audio somewhere else on the premises, and then you had the big television control room with the technical director and the big death star switcher.

Robert Campbell:

And everything was live. All the projects were live. It’s like you get one run through as a practice thing, and then you’re on. And I kind of went into the program thinking, okay I had this image in my mind of what a writer/director was. And it was kind of that plus reality. It’s like everything happening live, everything goes wrong. And then you have to kind of factor into your workflow unexpected things, which will always happen. So like I said, I had this image in my mind of what a writer was and what a writer did. And this was, I guess being so close to reality, it was a lot sloppier than what I anticipated. But I enjoyed it. It was a lot of fun.

Robert Campbell:

Now while I was going to school and studying all this stuff, I got a job. A friend of mine got me a job at a small ad agency. And when I say small ad agency, it’s one of those places where basically you come in and if you work there, you do everything. So I was there, I did dark room work. I did photography. I did videography. I was a writer. I was an illustrator, art director, production artist, even actor from time to time. It was-

Nicky Mondellini:

Wonderful.

Robert Campbell:

It wasn’t exactly… I’ve actually kind of worked in the industry for a while now. And the way that was done is really not the way it’s supposed to be done, kind of in that laboratory environment advertising. It was sloppy, and we did a lot of things that we weren’t supposed to do, probably put lives in danger. But it was a lot of fun and it was exciting. It was just kind of this whole thing of making stuff up on the fly. And it’s not going to be perfect, but you move on and you kind of adapt and accommodate. So as I was doing this, kind of working while I was going to school, I started thinking about the academic path I was taking. And I really started going back to what I was doing in high school with my friends, which is, that’s the sort of thing you do because you have fun doing it. And I have a very short attention span. And those 30 minutes or those five-minute movies we did when I was in high school, really meshed with the world of commercial advertising where really they’re like 30-second movies.

Nicky Mondellini:

And we are back after a little tech issue there. Connections sometimes fail that we get a little bit of a freeze, but that’s okay, and then we’re going through that. But anyway, you were saying about how your short attention span worked very well for those 30-second movies that are commercials. So tell me how you were really not only doing everything for it. You started writing more and more for it, and then trying to pack all of that attention and looking for the finer points when you’re doing a 30-second spot.

Robert Campbell:

Yeah. I have a short attention span, so I forgot whatever it was I was talking about. But yeah, as I was working while I was going to school in advertising, like I said, it dawned on me that that might be a little more appropriate, given that this whole very attractive notion to me of having these 30-second movies essentially was what a commercial is. You have a targeted goal, you have a really specific objective and you set off and you solve it. So I ended up switching my major at the University of Houston from radio television to journalism. At the time, they didn’t have an advertising program per se. So I went into journalism, and took what advertising classes they offered. And when I graduated, I had an internship here with a local agency and then later got a job with a local agency and worked my way up to writer, senior writer, creative director, director, and then whatever it is that I do now.

Nicky Mondellini:

Everything. You do everything, Robert. Well-

Robert Campbell:

Yeah, we all do.

Nicky Mondellini:

Yes, we all do. It’s amazing how in this career, in show business, wherever you go, and you want to get to know a little bit more about what you’re doing, you’re not just content with showing up and learning your lines, being an actor, and then you start paying attention to the way things are produced. And then all of a sudden, well, you know what? You want to dip your toe into everything else. And then why not hold a camera or grab some cords or whatever, and then just say, “You know what? I think at some point, I might want to start my own company or partner up with someone.” The more you get into it, the more you are involved. You want to be part of everything that is being created. And that translates into wearing several hats. We have to learn a little bit of everything, right?

Robert Campbell:

Yeah. Yeah. Yeah, we did a little bit of everything, definitely working at the smaller agency. I think at one point, I was tasked with removing a 100-foot beehive from the back of the building, which I don’t know how good that looks on a resume, but it was definitely interesting.

Nicky Mondellini:

So now, I want to ask you, in your presentation I Smell Funny, there’s something that you said that says, “When done right, humor is a powerful and surprisingly cost effective tool for differentiating a brand and connecting with customers.” Okay. So this is going to be a two-part question. First of all, what are the elements that make a good comedic spot, from your perspective?

Robert Campbell:

Well, okay. I’m going to give you a 50-part response to your two-part question, if I can keep the connection here. So yeah. When I was working at BBDO, every year, they would send down the super bowl reel of all the super bowl commercials they were doing. And I noticed that 95% of them were humor spots. And when Gene Hollister, who was the executive producer I worked with at BBDO, he broke off and started 808, a local production company. And I joined him, and we sort of took that philosophy without even understanding why or thinking about why we took that philosophy with us. And one of the things we encountered, when you’re at BBDO, like I said, it was sort of expected that if you were doing commercials, they were funny commercials, they were humorous commercials. And I say it was expected of us as part of the creative department, but it was also something that the clients we had tended to expect. A few questions were asked.

Robert Campbell:

And breaking off and taking that same proposition to a local market with local and regional clients where you don’t have these insanely high budgets, you get a little pushback. It’s like you’d present something that, “Oh, this here’s a funny spot.” And they’d look at you like you were an adorable puppy that has just crapped on their expensive Persian rug. It’s like, “Yeah, that’s really cute, but you’re not going to be doing that again.” So I started looking at it like why are we doing humor? Is this really the most responsible thing we can do as communicators to put together a humorous spot? Is this how we should be spending our clients’ money? And the more I thought about it, what is it that sells? It’s, as human beings, we tend to think of ourselves as rational beings.

Robert Campbell:

But I believe that our decisions are based almost entirely on emotions. And if there is a rational part, if there is a rational lobular in our brain, its only purpose is to take those emotional decisions that we make and rationalize them in such ways to make us think that, “Well, that was a smart decision I made.” I think we make emotional decisions and then we try to make sense of them later. But at any rate, it’s clear that emotion sells. Without digging too deep into the whole ancient Greek definitions of tragedy and comedy, tragedy is not the best way to sell urinary tract infection medication, for example.

Nicky Mondellini:

Yeah. Definitely.

Robert Campbell:

Humor is, if I can carry that metaphor a little further, it’s like a Trojan horse. It’s a way of getting past that wall of consumer skepticism and deliver a message without all the burning and pillaging, so to speak.

Nicky Mondellini:

There you go. Yeah.

Robert Campbell:

But you were asking what are the elements of a good comedic spot. Yeah, there isn’t really one. It’s a whole chain of things. And I think one of the first ones, and as a creative person, this is almost sacrilegious to say, but money is kind of a big one. Starting off, what are your limitations? As an example, we had a client. I don’t want to name the client, but they had, let’s just call it a warehousing product that they were selling. And we had a creative concept that involved basically this store that was, instead of purchasing this product, they purchased a warehouse gorilla that did all of the work that this product was supposed to do, that was designed to do. And obviously, that did not work out well in the context of this commercial.

Robert Campbell:

So I think the tagline was this product is better than a warehouse gorilla. And we liked the idea, the client liked the idea. It looked really funny and effective on script. But we got into a situation where, “Okay. How much money do we have to do this?” And it was, I think we had $15,000 to pull this off. So obviously you can’t rent a gorilla for $15,000. You can possibly rent an animatronic suit for $15,000, but you’d have nobody to operate it, and you wouldn’t have any money to do anything else. So we ended up, at the end of the day, doing this compositing trick. And so I had this spot that basically it was a two-minute piece, I think. But we spent two minutes building up to this huge punchline, this huge reveal. And then we get to the reveal, and it falls flat.

Robert Campbell:

Now the client was happy with it, and it actually did the business objectives that were set out. It had actually accomplished those. But it was, as far as a creative spot or something that we would put on a reel, it was just, for us, it fell a little flat. So again, that’s the first question, is what’s the budget? What are the limitations of this project? If you’re doing a funny script… And I guess maybe just to back up a little bit on funny advertising, it’s really, I don’t want to kind of push it as funny advertising and refer to it as funny advertising, it’s really using an emotion to sell a product or using something that makes you feel good watching it. Some products lend themselves to more heartfelt executions, and a lot of them do that very well. I’m personally not very good at that. I tend to gravitate towards the humor, and yet I’m not really that funny of a person. I can’t tell a joke to save my life.

Robert Campbell:

But I’m really careful about referring to it as funny advertising. It’s that whole Joe Pesci thing. It’s like, “Funny how? How am I funny? What’s funny here?” And then I’ve been in situations with clients where you pitch something as a funny spot and they literally tell you, “I’m not here to make fun of my brand.” And what do you say at that point?

Robert Campbell:

So it’s really just emotion without the emotional investment, I guess. It’s strategically how I would put it. But anyway, like I said, money. I guess the second element would be script. It’s got to be a good script. And there’s a whole thing with that, working with actors in particular. I like to have in mind an actor. And honestly, every writer is sort of, in their own mind, they’re a failed actor. They’re performing their little screenplay in the theater of their own skull. But you write it to be performed. If you’re doing a commercial, you write it to be performed. And a lot of times I want to have that person in mind, as I’m writing it, which somehow, it’s almost like you’re pulling from them through the ether to write something, and then in turn, put that into the script and then give it back to them. But you have to have solid actors, solid performers. I’ve had really good actors take really bad scripts from me and turn them into something amazing and I get credit for it. But it’s total performance.

Robert Campbell:

It always helps with advertising in particular, if you’re relevant. You’re not just doing something for the sake of humor, you’re doing something on the commercial side of art. You need to be relevant. We’ve all had the experience where you think of a really funny spot, but you can’t remember the client that it was for, which kind of defeats the purpose of selling it in the first place.

Nicky Mondellini:

Yeah, for sure.

Robert Campbell:

I think Geico, they have consistently done really good work for years. They’ve associated with the brand solidly. One of my favorite spots of all time was the old FedEx spot, the fast talker, John Moschitta, I think, the fast talking guy with FedEx. Anyway, if you haven’t seen this spot-

Nicky Mondellini:

I remember that one I was…

Robert Campbell:

You were?

Nicky Mondellini:

I was probably not in the US yet.

Robert Campbell:

Well, Google it. It’s really funny. But at any rate, you have to be relevant. You have to sort of link with the brand and the mind. Of course, you have to be funny, and funny is a real subjective thing. What’s funny today will probably not be funny next week. Again, I’ve done so many things that just make me cringe now. I remember back when we were doing campaigns for a large oil and gas client. One of the comments I got from one of our clients was, after presenting a spot, they said, “Okay. I was asking for Bob Hope funny. But you’ve given me Milton Berle funny.” And I had no idea what he meant at the time, and I’m still not sure I know what he meant by that, but oh well.

Nicky Mondellini:

Yeah. Brand of humor, he wanted probably a little bit more slap sticky, or?

Robert Campbell:

Maybe.

Nicky Mondellini:

Who knows. Who knows. Yeah.

Robert Campbell:

It could be it.

Nicky Mondellini:

Yeah. And I see, a lot of the times, irony plays a big part in humor, in putting something through, trying to think strong emotions are there, are present, and that people draw from or place themselves in that spot, and they’re like, “Oh yeah, that’s right,” because it’s very ironic. And then immediately, they relate to it and then they think of a situation of theirs. But still, like you said, it has to relate to the product. You still need to remember the name of the product, right?

Robert Campbell:

Yeah.

Nicky Mondellini:

So what are-

Robert Campbell:

If you can relate to somebody’s emotional experience or emotional history, and relate to a product, you’ve done your job.

Nicky Mondellini:

Yeah, definitely. And what are some of the hardest things to try to sell to a client? You mentioned the budget, of course. But also, do you find that there’re problems, or maybe just obstacles with, I don’t know, like frame of mind, maybe they’re a little bit too conservative? Like you come straight out of the box with really outrageous ideas, even if they’re within budget, but that you might find that wall of, they’re they want to keep to be more conservative or they don’t want to offend certain people. How do you handle those situations?

Robert Campbell:

Well, you have to sort of take them on a case by case basis. A lot of it deals with you have to factor in how… When you’re presenting an idea, there are a certain number of blanks that, who you’re presenting to, are going to have to fill in on their own. Now, some people think conceptually, we’ve had clients that you can give them a one minute set up on something and they exactly have a clear picture in their mind of what it’s going to be. And a lot of clients literally need every step sort of explained and illustrated. Sometimes, you go in with what we call a key frame, just a single frame representing a mood or a vibe even, and then you just kind of walk through or perform the spot.

Robert Campbell:

Other times, you need a fleshed out storyboard. And we used to sort of have a formula for doing it the same way each time. But over the years, I’ve come to realize that certain clients, if you show them too much, they’ll get in their mind that it needs to be a certain way. And any variation from that, you’re going to run into some problems down the road. And we were talking, I think offline earlier about trends and stuff. One of the trends I’ve seen in the past 10 to 15 years is just the level of involvement at every step of the process with clients. And collaboration really is great. But there’s a bad side to that too. Particularly if they have a hard time seeing where you’re going to end up, point A or point B might scare the heck out of them before they get to the end of the assembly line.

Robert Campbell:

We had a television spot we did many years ago, and in the spot, we had a couple of mechanics. And they were not for the client we were representing. This was sort of the problem-solution thing. “Don’t take your car to these guys, take it to these guys.” So we needed a couple of Numbskulls country mechanics to sort of do what they do, to show the problem part of the equation. And so we had a script, we had a storyboard, and it was pretty straightforward. Conceptually, if I was explaining the concept of the spot, I don’t think it would’ve changed much.

Robert Campbell:

But what we ended up doing was we brought in some actor performers. These were improvisational actors. I think at least one of the guys was a former grounding. They possibly both were. But we brought these guys in, and we shot the boards, the first part of the day, and the client was there. Of course, the clients are always there on the shoot. And they signed off on everything. And always at some point in the day, everybody starts checking their voicemail, and they pay a little less attention to what’s going on. So what we ended up doing is we set these improvisational actors, performers, we set them up, in this garage, and let the cameras roll and just kind of let them riff off of each other. And we captured just all kinds of craziness on film.

Robert Campbell:

And when we got it back, the spots we cut looked nothing like the spots we had boarded. And then again we had that, we had our bases covered. But by the time we presented everything to the client, they were ecstatic about it. They loved it. And it was something that even us as the creative team couldn’t have anticipated doing.

Nicky Mondellini:

Wow, that’s wonderful, when that thing happens and things just flourish in an unexpected way. That’s amazing.

Robert Campbell:

Yeah.

Nicky Mondellini:

Okay. So now I’m going to go back to the second part of that initial question, which was, is there a wrong way, or what are the wrong ways to do comedy? Which you sort of alluded to, but more specifically the big no-nos. “If you want to do a comedic spot, stay away from this.” Is there anything you can think of?

Robert Campbell:

Oh, yeah. I think my answer for this would be a lot shorter. It’s if it makes you laugh, it’s funny. And if it doesn’t-

Nicky Mondellini:

Don’t.

Robert Campbell:

That’s really the simple way out. Like I said, it’s between the writing and the performance and understanding the limitations, the production limitations, the financial limitations, being confident in the process and maybe sticking to the plan as much as you can, but being open to serendipity, the unexpected. Not just being open to it, but just embracing it. I was talking about the two guys we brought in. And we asked the guy during the presentation or during the shoot, we asked the guy if he knew any stupid tricks. And he actually did this really stupid trick. I’m not going to say what it is, but you can go to 808inc.com and look at the spot, and you can see the stupid trick that he does.

Nicky Mondellini:

What is the name of that spot, to identify?

Robert Campbell:

I believe it’s something like maybe dipsticks. It’s for Texaco Xpress Lube.

Nicky Mondellini:

Oh, okay.

Robert Campbell:

But la-la-la-la-la-la-la-la, where was I? Oh yeah.

Nicky Mondellini:

Yeah. The stupid tricks.

Robert Campbell:

Stupid tricks. That is a question that we figured it’s good to ask any actor in advance of a production to, if they have any stupid tricks in their portfolio, to haul them out.

Nicky Mondellini:

Just to incorporate. Well, that’s good. And I guess it’s going back to do not be too strict, and let nice and unexpected things come through, because you might end up just finding out a lot more than you were expecting that you can integrate into the spot and just make it so much more interesting.

Robert Campbell:

Yeah. And it can drive line producers crazy to do things last minute. But they’re going to happen anyway. The unexpected’s going to happen anyway. You might as well get your mind okay with rolling with it, because you never know. And it may work and it may not. Don’t be afraid. Okay, you’re talking about the nots. I think don’t be afraid to try something, if you’re able to, and don’t be afraid to admit that something that you thought was going to work isn’t going to work, because from personal experience, I’ve stuck with things much longer than I should have.

Nicky Mondellini:

Well, definitely. Yeah, I can see how that can work. On one hand, you just want to follow with whatever you had written and you want to follow that line, but keeping an open mind and just letting things come through. Now, I want us to take a look at this spot that you sent me. I love it. Personally, I think it’s really hilarious, and it’s called Poodle Pants. So let’s take a little pause here, and I’m going to insert it, and then we’ll talk about it.

Audio:

I’ll take them.

Audio:

Have you picked out the pants?

Audio:

The pants?

Audio:

For the poodle.

Audio:

The poodle needs pants?

Audio:

Of course, the poodle needs pants.

Audio:

But he’s a poodle.

Audio:

Is there a problem?

Audio:

The gentleman doesn’t think the poodle needs pants.

Audio:

Trust us, this poodle needs pants.

Audio:

But he’s a poodle.

Audio:

Without pants, do yourself a favor, get the poodle some pants.

Audio:

Tired of buying stuff you don’t need? Teligistics takes the confusion out of phone company rape plans. It’s what you need, and only what you need.

Nicky Mondellini:

Okay. So Poodle Pants is hilarious and those-

Robert Campbell:

Oh, thank you.

Nicky Mondellini:

… actors are just phenomenal. They’re phenomenal, and you see the intention of it. And you make a really good point, it’s like definitely don’t let yourself be sold into things that you don’t really need. But the way that you express it there, how did that concept come about with the Poodle Pants?

Robert Campbell:

Well, okay. Before we get into that, do you remember the name of the advertiser or the client, the product?

Nicky Mondellini:

It was… Oh my goodness. That’s a good point.

Robert Campbell:

I’m sorry. I didn’t mean to put you on the spot.

Nicky Mondellini:

Insurance company? No. No. No. Was it like an insurance company?

Robert Campbell:

It was Teligistics, and it was, I believe, a company that simplified rate plans. And I didn’t mean to put you on the spot because honestly, the only reason I remember it was because I did it, and I looked at it. But-

Nicky Mondellini:

And the name was on the script.

Robert Campbell:

And, I don’t know if you noticed, that was my voiceover at the end of that. But if-

Nicky Mondellini:

Oh, that’s right. Yeah.

Robert Campbell:

If I was going to critique that spot, and I know that you liked it and thank you so much, I actually do like the spot too, but I do think if I was to critique it, it doesn’t really make that connection with the client. It’s probably one of those sort of nebulous value propositions that it’s like, this is a weird situation. Here’s a much simpler and easier situation. So that said, I didn’t mean to poodle poop on my own spot, but there you go.

Nicky Mondellini:

Nice one.

Robert Campbell:

What were your questions on that? It was a fun one to do, for sure.

Nicky Mondellini:

Yeah, the concept, just coming up with a concept, because I think it’s brilliant.

Robert Campbell:

Well, thank you so much. And it was a fun script, it was a fun spot. We pitched it to the client, and then the client decided that was not the direction they wanted to go in. I’m trying to think if we even did anything for this particular client. But we ended up producing this piece on our own without a client, just because we liked it so much. The actors were great in it. And actually, the director of that spot is the customer. We cast a number of actors for that role, and couldn’t quite get what we were looking for. And then the director, who is also an actor, and is also, I believe he was also a former grounding Steve Burrows, an amazing director, we actually talked him into playing the part of the customer in that.

Robert Campbell:

But it’s sort of multipurpose created. One of the thoughts was we’d produce the spot and then take it back to the client later and they’d be so compelled to go with it that it would eventually run, but they still decided against running it and it broke our hearts. So sad.

Nicky Mondellini:

Oh man.

Robert Campbell:

Because it’s got a dog in it.

Nicky Mondellini:

And you got a great demo.

Robert Campbell:

Oh yeah.

Nicky Mondellini:

Oh, yeah.

Robert Campbell:

And you can’t go wrong when you put a dog in something. And you put pants on that dog? Come on. Come on, that’s-

Nicky Mondellini:

And glitzy pants at that, definitely.

Robert Campbell:

Glitzy pants, for sure.

Nicky Mondellini:

Oh yeah. You have all of the elements there, and you hit a lot of different demographics, the animal lovers. And as I mentioned there, I know a lot of people who would actually buy pants for their poodles, that like to dress up their dogs. And so why not. But yeah, it goes to show that they’re so serious about, “Get the pants. You got to get the pants.” And yeah, it’s funny you are putting that kind of a situation, and then it happens many times where they sell you the insurance for that. And then you get the added services and this and that. And they try to muscle their way into telling you, you’re going to need all of those things when you actually don’t. So I really personally think it does make a point.

Robert Campbell:

Well, thank you. Thank you very much.

Nicky Mondellini:

Sorry about [inaudible].

Robert Campbell:

I’m probably just being… I’m just a downer. I’m a downer, sometimes. I will say this, since this is a podcast for actors, we did provide direction on the casting for that particular spot. But each of the actors, definitely the actors we ended up going with, they brought a little more backstory, I guess, to the performance or to the audition. So when you’re presenting an idea, or at least when I’m presenting an idea, sometimes I talk fast for one thing, but I sometimes tend to plow through a script without going into great deal of explanation on their motivations and backs stories and everything.

Robert Campbell:

But each of those actors brought in kind of a different perspective. There’s the kid, he’s obviously new at the job and probably a little self-conscious. He’s encountering a new situation and he doesn’t know what to do. And then the manager comes in, and he’s been around, he’s confident with little sales, maybe he can probably smooth this situation over. But then we have the muscle come in. He’s kind of the bad boy. I don’t know if this is going to get violent at some point, but if this guy’s not open to getting the poodle some pants, then maybe we can do something about it. We can do a little persuasion, making a poodle offer he can’t refuse.

Robert Campbell:

But like I was going to say, all these guys brought that to the audition, and it wasn’t something we put into the profile when we were casting that. And I really appreciated that attention to detail. So as an actor, bringing that to an audition, sometimes assume that the writer may not have a clear idea in mind. Plus it in any way you can.

Nicky Mondellini:

Yeah. So that’s a nice segue into my next question, is how do approach that or what do you look for specifically when you cast, when you put the specifications and then when you’re looking at people and how they approach it, what things are you looking for? Comedic timing, as much as what else they can bring to the audition?

Robert Campbell:

Yeah. I guess comedic timing is kind of a big catchall. It helps again, if the writer has kind of a clear idea of what the story is, and you have an actor who gets that. And as a writer and an advertiser, I try to put as much of that into a description or explanation as possible. You can get past that point where you’re over guiding or over directing something that needs to happen organically at some point. I don’t want to… Again, I think embracing the unexpected also includes what an actor is going to bring to the role. So I appreciate it. And you’re not always going to have an opportunity to put a lot of backstory into a character or an announcer, if it isn’t a straight announcer, if you’re doing some sort of a performance based commercial. It’s not always something that’s needed, but if it’s not needed, they may not be looking for it, and it may kind of subtly sneak in and overwhelm them.

Nicky Mondellini:

Yeah, exactly. So, yeah. So then that’s the thing. It’s like you don’t always know how much you can bring to whatever they tell you or the casting director tells you, “Do this, do that,” and you don’t always have all of the backstory. So sometimes it’s good. Sometimes they even send us the storyboard and then you get the big picture. But a lot of the times, you only get half of the information. So it’s a little bit harder to come out and just improvise things. But a good point would be to maybe don’t hold back or don’t be afraid to show a little bit more, to create more of your own backstory and see if that maybe sheds light into other things. And the director can see other things that he might have not been expecting that he can use.

Robert Campbell:

Right. Yeah, there are obviously production tricks you can fall on when you get to the point where you’re actually shooting something. But in an audition tape, it’s usually pretty simple and straightforward. You’ve got a consumer camera on one end and a couple of chairs set up in a studio on the other. So really, it’s all on the actor to kind of put it all out there. The interesting little backstory on the two guys, the dipsticks, the two guys at the car shop or whatever, we had those actors show up on set that day. And one of them seemed like a normal guy, talking with everyone, kind of interacting with everyone. Seemed like just a regular guy.

Robert Campbell:

And then the second guy just kind of stayed off in a corner by himself talking to himself, kind of looking at stuff, spilled his coffee a few times. And at the end of the day, both of them did a fantastic job. The second guy, as it turns out, was he was getting into character, kind of a method actor. And it just showed two completely different approaches to performance, which I thought was interesting. Like I said, they both did a great job, but it was just two completely different approaches to it.

Nicky Mondellini:

Yeah, exactly. And you don’t always know how much you’re going to have to prepare. But yeah, it’s always really interesting what comes out and the unexpected things. And in that sense, when you have the client there and he’s present, because they don’t always come for the whole shoot, but when they’re there and they start proposing a little too much, does it ever get on your nerves or how do you handle that sort of situation when you know they’re maybe steering it in the wrong direction that it’s going to collide a little bit with the original story or the new things that are coming out that you say, “That’s going to be even better?” So how do you handle those?

Robert Campbell:

It’s a balancing act. I’m always open to new interpretations, but there are limitations, there’re physical limitations. You start running over time on a production and then it gets to be, is it that important to get this, that it’s going to sacrifice us getting the next shot or the next two shots or whatever. And you could also get to a point with an actor where it’s tough. One of the toughest things is you’re not… One of the reasons I enjoyed making Poodle Pants was that we didn’t have a client breathing down our neck on that shoot. It was just us. And it was funny or it wasn’t funny. And it was a pretty tough crowd. So we just kept at it until we got it.

Robert Campbell:

And we didn’t have any other weird considerations we had to deal with. And I say weird considerations like they’re not valid. They are. It’s the client’s dime. They’re spending the money on this. And it’s not just funny. It helps that it’s funny, but the main point is that it’s selling something. It’s getting a message out there. I’ve wondered off topic. What point was I going to make, Nicky? I forgot. It was important.

Nicky Mondellini:

Yeah. It’s just about how do you handle it when the client is there and he’s probably not letting you do the full on take. Like they want to steer things in a different way-

Robert Campbell:

Yeah, it’s delicate.

Nicky Mondellini:

… and it’s aligning with your whole idea.

Robert Campbell:

Yeah. It’s a delicate process, of course. And at some point, I think it gets to be obvious when you’re not getting what you need. You’re literally just kind of beating down an actor, trying to get them to do something a certain way that may not even be right. I tend to respect the actor a lot, particularly if, number one, we selected them for a reason, and number two, if it’s somebody who’s put some thought into the backstory, into the history of this character, what their motivations are. That counts for something. If that’s what they’re drawing for their performance, it’s valid. So yeah, it’s a tight rope. At some point, you’re just kind of like, “Well, that was good. We’ll look at it later and see what it feels like in the edit.” And then reality sets in where, okay if we want to get the rest of the schedule done, then we need to move forward.

Nicky Mondellini:

Yeah, exactly. Is there something that has made a difference in the way that you’ve achieved success in your career?

Robert Campbell:

Have I? Have I achieved success? That was a trick question.

Nicky Mondellini:

Yes, you have.

Robert Campbell:

That was a tricky answer.

Nicky Mondellini:

You have a success…

Robert Campbell:

I would say yeah.

Nicky Mondellini:

I would say yes you have.

Robert Campbell:

I would say actually yes. And this goes all the way back early on where any creative person feels this, whether you’re a writer, whether you’re a designer, an art director, artist, actor, you feel kind of that block, that creative block, whether it’s a blank sheet of paper or whatever it is, this idea that you have to create something, and that it’s all on you. I think what’s made a huge difference for me, and I have that, by the way, I think everyone kind of does, everyone’s intimidated by that blank sheet of paper and you have to put something on it, especially if you’ve got a deadline breathing down your neck, but what’s helped me in that approach was I think the realization that it’s… I think creativity is kind of a misused and misunderstood word. Ultimately, and this is my personal philosophy, there’s probably a lot of talented people who would disagree with me, but I don’t look at it as creating something. You’re not literally playing God. You’re not creating something from nothing.

Robert Campbell:

We all draw from our personal experiences, the environment, books we’ve read, things we’ve watched on TV and at theater, relationships, everything. We’re drawing on this vast reservoir of experience. And if you’re predisposed to being a creative person or someone who does that professionally, you’re going to form opinions naturally. You’re going to have things that you like and things that you don’t like. “I like what this musician did in this song.” And that’s, you’re drawing necessarily from that experience. Trees don’t grow in mid-air. You’re drawing from a wealth of experience. And it’s kind of like the chimpanzees. They’ll put the blocks in the enclosure with the chimpanzees and they’ll stack the blocks in a certain way to get to the banana. They’re not creating those blocks. They’re just arranging them in a certain way to accomplish something.

Robert Campbell:

In kind of a weird metaphor there, it’s kind of what we do. We’re putting together different things in different ways. You’re not creating something out of nothing. It’s not that big of a responsibility. And a lot of this, I think, maybe kind of goes back to… Rightly or wrongly, when I got my first job in advertising, I kind of had a lot of those pressures wrapped up in my perception of what the job entailed. And I went through quite a bit of pavement pounding to get my first real job out of college. And I finally got a call back to come in and take, I think the absolute lowest job on the totem pole. And I came in, I got the job. I was so happy with myself. And then I found out that the reason they called me was because the guy they had hired originally had been arrested for grand larceny and technically couldn’t show up for work. So I was the backup to that guy. So because of that-

Nicky Mondellini:

Okay, whatever it takes, man.

Robert Campbell:

Yeah. Well, it’s kind of, for better or worse, it sort of flavored my inability to take advertising too seriously. It’s the way I look at creativity, is that really, it’s a puzzle. You’re solving a problem. And that’s why I love limitations. I love kind of those little borders you draw around your task, your endeavor, your goal with, “This is what you have to work with.” There’s a really cool scene in Apollo 13, where Ed Harris comes in and the astronauts, their oxygen tank has blown up and they’re kind of on this uncontrolled orbit to the moon.

Robert Campbell:

And he walks into this room full of engineers. And he dumps a box full of all these different pieces of equipment, representing what the astronauts have to work with and say, “Okay, this is what you got. Let’s use this to get these guys back from the moon.” And in a sense, it’s kind of you have all these limitations, all these sort of boundaries that you have to work with, and it’s a puzzle and it’s fun. It’s fun to solve these creative puzzles. So that really, it’s enabled me to sort of tackle creative projects in a way that if I was frozen by that blank sheet of paper, I don’t know that I’ve ever done that. And it’s made something that could be sort of intimidating into something that’s kind of challenging in a fun way. So I still enjoy it.

Nicky Mondellini:

Yeah, of course. In other words, really, to get past that writer’s block or putting too much pressure on yourself is thinking, “You know what? No, you don’t have to invent something that hasn’t been invented.” You just have to use all of your resources of what you are, put yourself into it and then see it’s perfectly okay to grab situations that have been done before, but now it’s going to be with your take, with your point of view. So that’s a nice way of putting it.

Robert Campbell:

And there’s so much good work out there. You never know how something’s going to influence you or even what’s going to influence you. And sometimes, it’s just kind of floating around in your head and through your system. And it flavors who you are. So I think there’s a lot of pressure that creative people put on themselves that may not be necessary.

Nicky Mondellini:

Definitely. And let’s talk now about this business is just so full of peaks and valleys of your successful and then you’re not, and then you throw into the mix a lot of obstacles. So how do you personally navigate hard times? For example being in lockdown during the pandemic and everything that that brought with it in the business? A lot of studios had to shut down. Nobody was able to work, everything had to be put on hold. So how was that for you?

Robert Campbell:

Well as a writer, I’ve been very fortunate specifically with the pandemic. That aspect of my work, I can do for my little, my little man grotto here. I can do 90% of that here. Production meetings get to be a little challenging, or have been over the past year. And I think that’s something that everybody’s getting used to. With 808, we’ve been on quite a few productions. And honestly, peaks and valleys describe even kind of this COVID period. It’s just when you think things are loosening up, they ratchet down again. But again, I’ve been very fortunate in that I can do a lot of what I do from anywhere. Very appreciative of that. But I think the other key is just being adaptable. You’re podcasting, for example. You’re exploring new areas. I think it’s an opportunity to do new things and create new experiences that you can absorb and send out later.

Nicky Mondellini:

Yeah. And then you’re discovering other things that you would’ve never looked at had there not been the situation where you have to be in lockdown. And so yeah, for sure, just like you’re mentioning the podcasting and everything else, but also it’s giving yourself a chance to think about other things in a different way, that now you have time for, or that you have been forced to look at in a different way and solving things in a completely different way. So what is one last piece of advice that you want to give to people that are producers or writers, it could be either for advertising, or film, or whatever else, that you would’ve liked to have heard yourself at the beginning of your career.

Robert Campbell:

Don’t take no for an answer. I was going to say, I’ve done the thing where you go back and you look at the stuff that’s in your first portfolio, or on your first reel, and you kind of cringe a little bit. You were so pleased and proud of yourself… And I’m speaking strictly for myself, so pleased and proud of yourself at the time. And then you look at it later and it’s like, “Oh. Ouch. Somebody should have told me to go back to driving a truck or ripping beehives out of buildings. But what I mean by don’t take no for an answer, I mean stick with it. If it’s something you enjoy, even if there… And there will be people who tell you that you’re no good at it.

Robert Campbell:

If you enjoy it, you’ll become good at it. It becomes a craft that you hone. You improve, and gradually it becomes… You immerse yourself in that world. And again, it’s like you’re a thinking being. So you can form your opinions of what’s good and what’s not, and then you grow as you do that. So stick with it. Stick with it. If you truly enjoy it, you’ll become as good as you think you are, or as good as you want to be, or as good as you want to think you will be.

Nicky Mondellini:

Definitely.

Robert Campbell:

I’m not sure what tense I’m on there, but you get the idea.

Nicky Mondellini:

All of the above are very true. Yeah, definitely. And I think that is spot on advice because we tend to beat ourselves up so much and are so tentative about doing something. When we hear that first big no, and like, “Oh no, it’s not going to work,” out or whatever. And if we believe that person too much, and then we stop believing in ourselves and what we can do, then that’s it. They ruin your creativity. But we do hear a lot of nos before we hear a yes in this business. Right?

Robert Campbell:

Mm-hmm. Yeah. Yeah, absolutely. I think in any business, anybody-

Nicky Mondellini:

In any business, yeah.

Robert Campbell:

… the worst thing you can do, if it’s something that you enjoy doing, letting somebody else reign on your parade, go for it.

Nicky Mondellini:

Definitely. Robert, oh my goodness, it’s been such a pleasure talking to you today. Thank you so much for joining me. I know you have-

Robert Campbell:

Thank you.

Nicky Mondellini:

… plenty of things that you’re doing and the talks that you’re giving and everything. And so, yeah this has been really very helpful, and some very useful tips for young producers and writers. And I wish you continued success with 808 and anything that is coming along.

Robert Campbell:

Thank you so much, Nicky. It’s been a pleasure.

Alan Villatoro:

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