NICKY MONDELLINI

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Nicky Mondellini

Hernán Mendoza Parte 2 – Descifrando los Secretos de la Actuación.

August 8, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

Hoy tenemos la segunda parte de nuestra fascinante entrevista con el talentoso Hernán Mendoza. En este episodio, Hernán y yo exploramos su perspectiva sobre la dirección, sus experiencias en recientes proyectos cinematográficos y televisivos, y aprendizajes de toda su trayectoria. Nos demuestra cómo una conexión auténtica entre director y actor puede transformar una interpretación y ofrece valiosos consejos sobre cómo enfrentar los desafíos del cine y la televisión, desde la auto-dirección hasta la complejidad de interpretar personajes villanos.

**Aquí algunos de los momentos clave del episodio:**

1.**La Importancia de la Conexión Actoral**: Hernán comparte cómo valora a los directores que comprenden la lógica y la verdad emocional de sus personajes, facilitando así una actuación más auténtica y fluida.

2.**Auto-dirección en Televisión**: Hernán explica cómo, en la televisión, los actores deben dirigir sus propias escenas debido a la falta de tiempo, lo que les permite presentar opciones y trabajar más eficazmente con el director.

3.**La Caja y La Caída**: Hernán nos cuenta sobre su experiencia y nominaciones por sus actuaciones en “La Caja” y “La Caída”, destacando cómo estas películas lo desafiaron y lo llevaron a explorar nuevos aspectos de su talento.

4.**Desafíos del Cine Mexicano**: Discutimos el hecho de que el cine mexicano no siempre recibe el reconocimiento que merece, y cómo películas como “La Caja” enfrentan dificultades para llegar al público local.

5.**La Caída y la Dificultad de Interpretar a Villanos**: Hernán relata cómo aceptó el papel del villano en “La Caída” y cómo trabajó para que su personaje fuera complejo y memorable.

6.**P*tas Redes Sociales**: Hernán habla sobre su participación en esta serie producida por Eugenio Derbéz y la falta de una segunda temporada debido a la recepción del público mexicano.

7.**Huevos Divorciados**: Nos adelanta sobre su próximo proyecto, una película que explora temas de amor y traición con un toque cómico, y comparte su experiencia trabajando en un rodaje donde estuvo en todas las tomas.

8.**Protagonizando Telenovelas**: Finalmente, Hernán nos da un vistazo a su reciente trabajo en una telenovela exitosa, destacando la calidad y el esfuerzo del equipo de producción detrás del proyecto.

Esta charla no solo ilumina el camino para aquellos interesados en la actuación y la dirección, sino que también proporciona herramientas prácticas y perspectivas inspiradoras para quienes buscan avanzar en el mundo del entretenimiento. ¡Prepárate para aprender y crecer con cada palabra!

Este es el link a su canal de Youtube donde comparte todo tipo de consejos y pláticas relacionados a la actuación: https://www.youtube.com/@ACTUARONO Además, mantente atento a las últimas actualizaciones y lanzamiento de los videos que siguen a través de sus redes sociales: @hernanmendoza_

Transcript

Hernán Mendoza: Eso que se te ocurra de primera quítalo y trata de inventar otra cosa y otra, y otra, si al final, después de tres, cuatro dices, “Híjole, es que la primera fue la mejor”. Ocúpala.

[música]

Presentador: La Pizarra, explorando las mentes creativas del mundo del entretenimiento. Aquí está tu conductora, Nicky Mondellini.

Nicoletta Mondellini: Hola, ¿cómo estás? Yo soy Nicky Mondellini. Me da muchísimo gusto que nos acompañes hoy en La Pizarra, porque tenemos segunda parte de la entrevista con el actor Hernán Mendoza, espero que lo disfrutes. ¿Qué esperas tú de un buen director? ¿Qué es lo que tú esperas para que puedas realizar tu trabajo de la mejor manera? ¿Cómo te puede ayudar bien un director?

Hernán: Hay muchas maneras. A mí me gusta mucho cuando hay un director que está muy consciente de la lógica y la verdad. Cuando hay un director que eso, que se da cuenta que en este momento me estás mostrando que estás triste en vez de estar triste, relájate, estate tranquilo, confía en que la cámara va a detectar tu tristeza, no me telegrafíes que estás triste o esto.

Cuando me topo con un director que tiene ese don de poder ver estos detalles me gusta porque me siento comprendido, me siento cuidado, me siento que puedo soltarme y que hay alguien que está pendiente y está checando si está pasando verdaderamente lo que él quiere ver también. Otros directores que también son actores, que también te pueden ayudar de otras maneras, eso también me encanta.

Me encanta cuando tengo un director que es actor o que fue actor y que sabe un poco tu lenguaje, tu forma de reaccionar, no solo la tuya, sino la de todos tus compañeros y genera un ambiente adecuado para todos, para que fluya de alguna manera más rica la ficción, más verdadera, no mete trabas, porque hay otros directores que no son actores y que creen que exigiendo, reclamando pueden hacer que los estúpidos actores reaccionen, y no, a mí ese tipo de trabajo no me gusta tanto.

Nicoletta: No, es otra cosa. Sientes que, por ejemplo, en televisión, donde realmente no hay tiempo para los ensayos porque el ritmo es mucho más acelerado, acabas dirigiéndote tú solo, ¿no? Casi, casi.

Hernán: Sí, de hecho totalmente. Yo creo que el dirigirte solo es fundamental. Yo siempre me dirijo solo en mi casa, cuando yo estudio las escenas me las tengo que dirigir, tengo que entender el por qué lo digo, para qué lo digo, a quién se lo digo, aparte no nada más eso. Como decía mi papá, un gran maestro de teatro, Héctor Mendoza, maestro de actuación.

Nicoletta: Así es.

Hernán: Él en sus primeras clases no solamente te decía, “El mejor director eres tú mismo”. Sino que te decía, “Eso que se te ocurra de primera, quítalo y trata de inventar otra cosa, y otra, y otra. Si al final después de tres cuatro dices, ‘Híjole, es que la primera fue la mejor, ocúpala”. Pero por lo menos ya tienes tres o cuatro para que cuando llegues con el director oficial puedas tener un background, algunas cartas bajo la manga para que el director te compre cualquiera de las opciones que tú mismo te dirigiste el día de ayer antes de venir al set, o eso no, al foro en televisión.

Si tienes 15 escenas mañana de televisión las tienes que dirigir tú, porque no hay tiempo, no solamente no hay tiempo, le ayudas muchísimo al director y el director lo que puede hacer es ajustar aquí, acá, decirte, “No, aquí mejor no te enojes, aquí mejor ríete a ver qué pasa”. “Bueno, órale, va, va, va”. Ya es algo en comunión con el director y le facilitas el trabajo al director, te lo facilitas a ti y todos estamos mucho más contentos.

Si nada más llegas a ver el director que me dice que haga de repente no puedes avanzar, no hay manera de hacerte entender una escena nada más así, tienes tú que haberla pensado no solo como actor, sino también como director en tu casa un día antes.

Nicoletta: Eso se da más ahora que ya no se usa el apuntador, no tienes de otra más que llegar con tus textos estudiados.

Hernán: Por supuesto, el apuntador ya está caduco, es una pena, a mí me divertía mucho, la verdad, el apuntador me divertía bastante porque me concentraba en otras cosas, me concentraba más en la técnica, en la luz, en las cámaras, obviamente en el sentido y todo de la escena, pero ya no me preocupaba tanto por las palabras, porque no me tardaba tanto en aprenderme una escena, conque la entendiera, por qué lo digo, para qué lo digo y a quién se lo digo, con eso el apuntador me ayudaba.

Si era bueno me ayudaba muy bien, si era malo me costaba mucho trabajo y tenía que hacer un trabajo doble, pero era divertido porque terminan las escenas, sobre todo en televisión y hacen tomas de reacciones, está padre porque sabes cuándo te están tomando y cuando tú tienes que hacer esa reacción, porque luego cortan y tú, “Oh, qué reacción hice, estuvo increíble, justo cuando me dijo no sé qué, yo hice unos ojos”. Y nadie lo vio, o viceversa, te toman cuando tú estás en la lela.

Sí, estaba padre, también tenía lo suyo el apuntador, pero sí, ya está totalmente en desuso. La mayoría de los productores y directores piensan que el apuntador distrae, y sí, había muchos actores que no lo sabían manejar y en vez de ayudarlos los perjudicaba. Ahora ya la moda es todo de memoria.

Nicoletta: Sí, ni hablar. Hernán, vamos a hablar un poquito ahora de tus trabajos más recientes, porque tienes dos cosas, primero La Caja por la cual te dieron el premio al mejor actor, que yo creo que fue tu última película antes de la operación, ¿verdad? La Caja.

Hernán: Exactamente. Fíjate que estuvo bien padre eso que mencionas, porque en las Diosas de Plata, que es un premio aquí en México, que hacen los periodistas de cine me nominaron como mejor actor, por La Caja y por La Caída, que es otra película que hice con Carla Souza. Estuvo increíble porque fue justamente mi última película gordo y mi primer película flaco, el que me hayan nominado como mejor actor por esas dos en particular me pareció una belleza, me encantó, fue así.

Porque justo cuando bajé de peso yo estaba un poco preocupado de, “Ya no voy a tener trabajo, ya nadie me va a querer hablar. ¿Habré perdido como Hércules, que le cortan el pelo y a mí ya se me fue la fuerza?”. Sí estaba un poco preocupado porque ya muchas personas, no muchas, pero sí algunos me hablaban, “¿Cómo, ya no estás como estabas?”. “No, es que yo sí necesitaba un personaje que fuera así y así”.

Sí estaba un poco preocupado, pero con esta nominación fue así de, “Yes”. Ganó La Caja, me gané a mí mismo con La Caja. También estuvo increíble porque es una película que a mí me encanta, de Lorenzo Bigas.

Nicoletta: Muy bella película, así es.

Hernán: Viajamos por todo el mundo, a muchos festivales con reconocimientos por todos lados. Desgraciadamente este tipo de cine en México no se aprecia tanto, no estamos acostumbrados, no tenemos la cultura de ver este tipo de cine, nos desespera.

Nicky: Sí, también un poco del tema, el tema de los asesinatos de las maquiladoras, todo eso, es duro y mucha gente no quiere admitir eso, no quieren traerlo a la luz, es algo que duele, es como una vergüenza y un dolor a nivel nacional.

Hernán: Es muy raro, Nicky, porque de repente yo pienso, podemos aguantar todas las películas hollywoodenses con unos temas verdaderamente fuertes. Pero si son mexicanas, necesitamos que sean chistosas y necesitamos que sean simples, básicas y que si la gente que sale ahí es famosa para mí ya estoy hecho, pero no, no me hagan pensar, no me hagan cuestionarme. No sé por qué, pero si fuera una película de otro país, la ven y dicen, “Ah, no, es que esa película es de arte”, y “Miren nada más”, y, “Guau, guau”.

Algo pasa, hay un malinchismo ahí muy extraño que tenemos, que no nos permite llegar en México, porque te digo, internacionalmente nuestro cine está muy bien parado. La verdad es que casi todos los festivales hay uno o dos mexicanos en los top.

Esta película, en particular, tuvo esa desgracia, estuvo solo creo que una semana o dos a lo mucho en cartelera en los cines en los que, aquí en México estás en esos cines o no estás, en los cines de cadena que tienen varias salas. Ahí estuvo un par de semanas, pero en la sala 4 a las 9:00 AM de la mañana y a las 10:00 PM. No hay acceso, realmente no hay acceso.

Nicoletta: Qué coraje.

Hernán: Ahí hay un pleito entre los distribuidores, los exhibicionistas y los productores que nomás no encontramos la fórmula de que este tipo de cine tan hermoso, tan valioso que tenemos en México, llegue a los mexicanos. Eso es lo que todavía no entendemos cómo.

Nicoletta: ¿Está disponible? La gente que nos escucha, si quiere ver ahorita terminando el pódcast y dice, “Okay, vamos a ver esa película”. ¿Dónde la pueden ver? Por ejemplo.

Hernán: Ahí está un problema. No estoy seguro si es Movie, porque estuvo Movie, en esa plataforma, pero de ahí en fuera, yo ahorita no sé dónde se pueda ver. Obviamente, en las cadenas populares, no, no está.

Eso es lo que es difícil, que no hay una plataforma, no hay algo que compre este tipo de películas. Movie es una plataforma que le gusta el cine internacional, de arte y el cine hecho más con cuidadito y todo. Ahí estuvo, no sé si todavía esté, a lo mejor sí. Si tienen Movie, pongan La caja de Lorenzo Vigas.

Nicoletta: No sé si ahí es donde la vi o no, tengo que recordar, sino para poner la liga y que la gente lo pueda ver, desde las notas–

Hernán: Si alguien de los que nos están escuchando o viendo encuentra, ahí mándenos el link de dónde y así ya lo podemos compartir a todos.

Nicoletta: Por favor, sí, se lo agradeceremos muchísimo. Ahora hablemos de La Caída, porque mucha gente no quiere a tu personaje, pero realmente hiciste muy buena actuación y ser el villano de una película no siempre ayuda, pero finalmente fue un gran trabajo donde Karla estuvo practicando ser clavadista durante un buen rato y llevó mucho tiempo para– Ella lo produjo, a fin de cuentas. Platícanos de tu experiencia con La caída.

Hernán: Sí, la verdad es que Karla se aventó un viaje padrísimo de muchos años de trabajo, estuvo tratando de levantar esta película por mucho tiempo, tratando de conseguir socios y gente que apoyará. Lo logró y lo más curioso es que nadie quería hacer este personaje, el personaje de Braulio que es el entrenador malo. Nadie quería hacerlo porque es un tipo que todos odiamos, que no nos gustaría tener cerca de nuestras casas a alguien así.

Este personaje se le ofreció a varia gente famosa, con trayectoria, que tenían un nombre que cuidar. Rechazaron el proyecto, no quisieran entrarle, no quisieron poner su nombre en ese personaje y estuvo batallando mucho Karla para conseguir quién. Se topó con alguien que no es famoso, que no tiene que cuidar su trayectoria, ni nada y que le entra parejo a todo. Yo dije, “Va, va, va, yo lo hago, por supuesto, cómo no”.

Hice un casting, le encantó, cuando ella lo vio dijo, “Este es Braulio, me encanta”. Se contactó conmigo, armamos todo el show y yo lo que quería era, justamente, ya platicando con Karla y platicando con Lucía Puenzo, de que yo lo que quería era que este personaje fuera, de alguna manera, entrañable, que sí te hiciera dudar, que sí llegara un momento en que dijeras, “Híjole, creo que la víctima es él. Creo que sí lo están malinterpretando, creo que sí le están levantando falsos”, y que de repente te des cuenta de que no.

¿Para qué? Para que tomemos conciencia de que este tipo de personas, generalmente, los abusadores de menores están más cerca de lo que creemos, los tenemos muy a la mano, son el maestro, son el tío, son los mismos papás. Gente que a lo mejor tú crees que es superlindo, superbuenahonda, que jamás haría– Pum, es uno de los peores.

Hay que tomar un poco de conciencia y no para que desconfiemos de todo mundo y, “No te le acerques a mi hija”. Sino para que estemos atentos y veamos el comportamiento de nuestras hijas, para poderles dar un apoyo oportuno y pronto. Sí sentí que esta película era muy buena oportunidad para mandar este mensaje, para que la gente entendiera lo complejo que es este tema y que formara parte, de alguna manera, con atención a que dejara de suceder.

Esta fue la aventura que me aventé con Karla para hacer esta película y encarnar este personaje tan odiado.

Nicoletta: Yo creo que sí se logró lo que estás diciendo, porque realmente si había una parte, también– Les recomiendo que la vean. Esta está en Prime, ¿cierto? En Amazon Prime.

Hernán: Esta está en Prime.

Nicoletta: Es más accesible que la pueden ver, pero sí, Braulio, realmente si llegas a dudarlo, no te acaba de caer el veinte, sino hasta ya la segunda parte de la película. Yo creo que eso es bueno, tampoco quieres vender la trama, quieres tratar de entender lo que sucede y precisamente lo que tú dices. La gente, los que son depredadores humanos, digamos, en cierto modo también son muy buenos para enmascarar sus razones o sus actos o lo que hacen, porque quieren seguirlo perpetrando y que nadie se dé cuenta.

Es deplorable y sí es muy buena manera de mostrar cómo pueden llegar a suceder las cosas y que se le tiene que dar el beneficio de la duda a los chiquitos, a las niñas, a los que llegan a ver eso y que se empiece a seguir el comportamiento, que muchas veces es tan difícil de hablarlo y de decirlo, sin denunciarse, durante muchos años. Mientras tanto, dejo unos estragos psicológicos tremendos.

Hernán: Claro.

Nicoletta: Sí, definitivo. Por otro lado, luego hacemos otro giro de 180 grados a Pautas o Malditas Redes Sociales, que eso es una serie que estrenó el año pasado, que la produjo Eugenio Derbez, pero no le escribió toda a él. Yo podía ver– Yo vi chistes muy “dervecinos” por ahí, pero no la escribió toda– No es toda la–

Hernán: Ahí metía la mano, pero la verdad es que los creativos son Jorge Ulloa y su equipo de creativos. Ellos comenzaron un canal muy famoso que se llama Enchufe TV, donde hacían sketchs, muy bueno y se volvió famosísimo, millonario el programa en YouTube. Ya tuvo problemas ahí, pleitos de que si Enchufe, de que si no, que sí– Se peleó, pero él escribió junto con su mujer esta serie, la dirigió incluso, incluso participó con personajitos aquí y allá. Se disfrazaba y hacía algún personaje acá, otro personaje allá.

Es un tipazo, supercreativo, joven, muy joven, es supercreativo. Convenció a Eugenio que lo apoyara en este proyecto, convencieron a Prime Video y se aventaron la primer temporada de Las puras redes sociales. La verdad es que a mí me gustó mucho.

Generalmente, no me llaman para hacer comedia, generalmente me llaman más para el drama, pero a mí me gusta, me gusta todo, me gusta, como te dije al principio, la ficción para mí es la onda y no me importa las reglas del juego ni nada, siempre y cuando sea ficción.

Estuvo bien padre poder haber hecho esta serie que a mí me pareció, por lo menos yo en cuanto se estrenó, la vi, me eché el maratón completo. No pude dejar de verla, quería ver el otro capítulo. Me pareció muy raro que no se haya hecho una segunda temporada, la verdad, porque si–

Nicoletta: Sí, muy raro, la verdad.

Hernán: A mí me pareció que era un buen producto. Me pareció que estaba padre, estaba con un tema muy actual, como que-

Nicoletta: Superactual.

Hernán: – tenía todos los condimentos para estar funcionando, pero uno de los productores de Prime, incluso antes del estreno, me había advertido que uno de los problemas que tenían era que se va a estrenar a nivel mundial, pero si en México los números no dan, no se hace la segunda temporada, aunque en China sea un golpazo, ¿me explico?

Nicoletta: Sí.

Hernán: Por alguna razón, en México no alcanzó a juntar el dinerito para la segunda temporada y ya no se hizo. Jorge Ulloa me habló con gran pesar, dándome la noticia, porque ya teníamos todos planeado en tal fecha comenzar la segunda temporada. Se nos cayó el proyecto, pero para mí fue algo muy grato, fue algo muy agradable y que, como público, me gustó mucho verla.

Nicoletta: Muy gozosa serie, muy gozosa la verdad. Es muy divertida, tu personaje me encantaba y una escena por ahí donde ya te habías peleado con la hija y todo y luego ella ya estaba a punto de hacer un trámite que la iba a perjudicar mucho y tú llegaste y así muy fácilmente, en dos patadas y solucionaste el asunto, etcétera.

Muy bien, me gustó mucho todo eso y yo creo que todo mundo hizo un gran trabajo. Qué lástima. Ojalá en algún momento se logre hacer la segunda temporada porque vale la pena.

Hernán: Sí, ojalá.

Nicoletta: ¿Qué sigue para ahorita? Yo creo que tienes material para mucho. La gente, una vez que vean esos cuatro videos, van a decir, “Ay, Hernán, manda, por favor, síguele con actuar o no–“.

Hernán: Haznos más.

Nicoletta: Sí, definitivamente, sí sería bueno. Yo sé que obviamente, digo entre el trabajo y todo. Es un compromiso, estar manteniendo un canal y con el contenido. [ríe]

Hernán: Como tú lo sabrás.

[risas]

Nicoletta: Como yo lo sabré. Exacto, pero yo creo que sí.

Hernán: Vale la pena.

Nicoletta: Vale la pena. Hernán, síguelo, porque realmente va a despegar en la medida que tú sigas sacando material nuevo, más vas a atraer a la gente porque se suscriben a tu canal y están con ansias esperando la siguiente semana el nuevo video. Sácalo, porque si realmente–

Hernán: Sí, sí.

Nicoletta: Lo haces de una manera muy amena, muy práctica, muy a tu manera y muy al punto. Desmenuzas muy bien estos conceptos que de repente la gente dice, “Pues, claro, mira, es esto. Ahora voy a–“. Muy bonito, síguelo. Pueden ser videos de 15 minutos o de 20 minutos. No tienen que ser de media hora o más.

Ya con eso, la gente va a estar enganchadísima. Yo creo que sí, una vez que vean esos cuatro, van a decir, todos los que nos escuchan o ven, por favor, comenten, déjennos en los comentarios y ustedes seguirían escuchando ese canal. Ahí te vas a dar cuenta el interés y vas a ver. Yo creo que sí debería seguirle, así que adelante.

Hernán: Espero sus comentarios, por favor.

Nicoletta: Sí, por favor. ¿Qué más? Ahora estás con Huevos divorciados. ¿Qué tanto nos puedes platicar de esta–?

Hernán: Es una película bien bonita. Gilberto González es un director de cine, pero autor también. Muy joven, tiene como 40 años, tal vez un poquito menos. Tiene una particularidad que está escribiendo para gente adulta, problemas de gente adulta. Su primera película que, de hecho, incluso ahorita, está nominada a las Diosas de Plata de este año que viene. Incluso, yo también estoy ahí nominado, porque hice un papel, le ayudé ahí un papelito chiquito y me nominaron como mejor actor de cuadro.

Esta película trata de un señor que, cuando muere su esposa, lee el diario y se da cuenta de que tuvo tres grandes amantes, mientras él estaba casado con ella. Le da curiosidad y quiere ir a buscar a esos amantes para– “¿Cómo es posible, yo jamás me imaginé que mi mujer iba a tener un amante y ahora me entero de que tiene tres?”.

Emprende un viaje en busca de esos amantes para cuestionarlos, para conocer un poco más a la esposa que él creía que conocía. Es todo una aventura, todo un viaje y se avienta. Está padre.

Esta siguiente película que escribió es sobre un señor que lo jubilan después de muchos años de trabajar en una fábrica. Llega un día a su trabajo, como todos los días y el gerente le dice, “¿Qué haces aquí, manito? Tú ya bye tienes que estar jubilado. Desde hace cinco años deberías de haber dejado de venir. Vete a tu casa.”

Se va a su casa, no tiene nada que hacer, se aburre. “Me jubilaron, me van a seguir pagando. Ya me voy”. Llega a su casa y se topa con que su esposa está teniendo un affair en la sala con Alexis Ayala, el actor.

[risas]

Es una medio comedia, pero situacional, y está bien padre. A este personaje le cuesta muchísimo trabajo entender que su esposa, después de 40 años, esté con Alexis Ayala, “En vez de cuidando nuestra relación”. Lucha por reconquistarla. Es toda una aventura que vive este señor tratando de reconquistar a su esposa para que deje a Alexis Ayala. Todo el desenlace, que mejor no platicarlo para que vean la película.

Lo que más disfruté de esta película es que es la primera película que hago en mi vida en la que en todas y cada una de las tomas salgo yo. El llamado comienza y yo ahí tengo que estar. Termina y ahí tengo que estar. No pueden avanzar si yo me enfermo, si yo me voy a desayunar. Se para todo, porque no hay manera de avanzar si no estoy yo, porque yo estoy en toma.

Eso estuvo bien padre, estuvo muy interesante. Es muy cansado, a todo el [unintelligible 00:28:05] que todos ellos tienen que estar todo el día, todos los días, desde que amanece hasta que anochece. Uno como actor, de repente, ” Ay, que me voy a mi camper un ratito”. “Ay, hoy no tengo llamado. Ay que a gusto”, pero la banda, la gente que trabaja ahí, va todos los días, todo el día.

Me tocó esa parte y me encantó. Sí, es muy cansado, pero lo prefiero. Yo me canso mucho menos estando en set todo el día, todos los días, que estando esperando en mi camper tres, cuatro horas a que hagan–

Nicoletta: Porque ya te apachurraste, tienes que volver a energizarte y todo. Es mejor seguirlo una escena, tras otra, y ni te das cuenta del paso del tiempo. Cuando ves de repente, “Corte a cenar”. “¿A cenar?”. [ríe]

Hernán: “Órale pues”. A mí me encantó eso. Nunca había vivido ese ritmo tan vertiginoso y me encantó. Sé que es difícil que lo vuelva a vivir, porque nadie escribe para gente de mi edad, por lo menos en México. En Estados Unidos sí hay muchas películas de sesentones vengadores. A ellos, los maduritos sí se les da. Aquí no, aquí no hay ese cine, caray.

Lo disfruté totalmente, lo disfruté enormemente. Yo espero que a finales de este año, a más tardar el próximo, que salga y veamos qué tal nos quedó. Esperó esté bien.

Nicoletta: Avísame en cuanto salga y yo en el boletín mensual de La Pizarra les voy a poner la liga, les voy a avisar, “Ya está, ya está Huevos Divorciados. Ya saben”.

Hernán: Está buenísimo.

Nicoletta: Sí.

Hernán: Sí. Se llama hasta ahorita, Huevos Divorciados.

Nicoletta: O sea, puede cambia.

Hernán: No sé si le vayamos a– Sí, porque a mí me parece que es como de Polo Polo o no sé. Se me hace como de albur. No estoy muy seguro, no estoy muy confiado de ese título, pero a lo mejor jala, a lo mejor a los productores y distribuidores dicen, “Nombre, con estos se nos va a llenar la sala”. A lo mejor, de momento se llama Huevos Divorciados. Ya veremos si se lo cambian o no.

Nicoletta: Ya veremos. Estaremos al pendiente. Luego la telenovela que estás haciendo ahora.

Hernán: Sí, ya estoy a punto de. No sé cuándo va a salir este podcast, pero el cuatro de-

Nicoletta: Sí, este año. Lo prometo, 2024. [ríe] Sí, me he atrasado un poquito en la producción.

Hernán: Ya pasó la novela y les quiero decir que nos fue súper bien, nos fue increíble.

[risas]

Nicoletta: Qué maravilla. Estamos viendo hacia el futuro.

Hernán: Se estrenó a principios de año, el cuatro de marzo se estrenó, a las 9:30 PM, por el Canal de las Estrellas.

Nicoletta: Perfecto.

Hernán: Fue un exitazo. Nos fue increíble.

Nicoletta: Rotundo, arrasaron con los ratings.

Hernán: Rotundo, exacto.

Nicoletta: ¿Con qué productor lo hiciste?

Hernán: Con Giselle González, que es una productora extraordinaria. Ella le entra cañón. Le gusta generar unos elencos muy fuertes. Llama muchos primeras actrices, primero actores. Gente joven, guapa, pero con muchas ganas de hacer las cosas bien. Tiene un equipazo. La verdad que siempre junta un equipo padrísimo para hacer telenovela. Yo creo que es de los mejores equipos que tenemos en México.

Nicoletta: Mira, qué bueno.

Hernán: Yo estoy feliz de que me haya vuelto a llamar, porque este ya es el segundo proyecto que hago con Giselle.

Nicoletta: Perfecto.

Hernán: Gracias Giselle.

[risas]

Nicoletta: Genial. Maravilloso, estaremos súper pendientes entonces, definitivamente. Te agradezco muchísimo Hernán por este tiempo. Ha sido, la verdad una plática muy gozosa. Gracias por todos esos consejos. Definitivamente maravillosos. Ya tú y yo nos veremos pronto en un evento en junio.

Hernán: Sí. Ahí estaré.

Nicoletta: Muy importante, ya luego les platicaré qué es.

Hernán: Muy, muy. Sí. Al contrario, te agradezco muchísimo a ti Nicky. Este es tu espacio y agradezco a todos los que nos estuvieron escuchando, viendo. Aquí andamos, si les late lo del canal de YouTube, métanse, mándenme un mensajito para que yo me enteré de que sí vale la pena hacer un esfuerzo extra y subir más videos. Ojalá que ya que estén viendo este video, puedan ver la película de Huevos Divorciados en su cine favorito.

[risas]

Nicoletta: Definitivamente y que estén pendientes de tus redes sociales, porque ahí estarás poniendo tus actualizaciones y lanzamiento de los videos que siguen y todo. Aquí tenemos en pantalla tu nombre de Instagram y yo lo pondré en la liga del programa o en las notas del programa pondré la liga. Así que definitivamente te podrán seguir.

Hernán: Buenísimo.

Nicoletta: Muchísimas gracias de nuevo y nos vemos pronto.

Hernán: Gracias a ti Nicky.

[música]

Presentador: Gracias por acompañarnos en La pizarra. No olvides subscribirte al boletín mensual en nickymondellini.com/lapizarra. Sintonízate la próxima semana para un nuevo episodio.

Filed Under: Episodes

Hernán Mendoza Parte 1 – Detrás de Escena – Consejos e Historias

August 1, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

Prepárate para sumergirte en una conversación fascinante con Hernán Mendoza, un actor cuya trayectoria es un testimonio vivo de pasión y dedicación. Desde sus inicios en la televisión hasta su consagración en el cine y la televisión, Hernán ha dejado una huella imborrable en el mundo del entretenimiento.

Estos son algunos de los momentos clave:

– **Trayectoria de Hernán Mendoza:** Inició en la actuación desde la infancia, destacando en obras de teatro y series de televisión como “Las hijas de Abril” y “Después de Lucía”.

– **Reflexiones sobre salud, ansiedad y alimentación:** Reconocimiento de la ansiedad como factor en los hábitos alimenticios y estrategias para controlar la alimentación emocional. Superación de problemas de salud relacionados con el sobrepeso.

– **Hobbies relacionados con el aire y la creatividad:** Pasión por actividades como el vuelo, el tiro con arco y la construcción de drones como una forma de expresión creativa.

– **Creación del canal de YouTube “Actuar o No”:** Motivación detrás del canal y objetivo de compartir conocimientos sobre actuación, enfrentando dificultades para mantenerlo activo debido a compromisos laborales.

– **Filosofía de actuación y diferencia entre actuar y mentir:** Importancia de la autenticidad y la conexión emocional en la actuación, distinguiendo entre actuar y mentir en términos de intención y percepción del público.

– **Claves para aspirantes a actores y actrices:** Enfoque en la comprensión personal de la actuación, la experiencia de vida y la confianza en la capacidad de transmitir emociones auténticas.

Entre risas y reflexiones profundas, Hernán nos lleva en un viaje a través de su mente creativa, compartiendo sus perspectivas sobre la actuación, la vida y todo lo que hay entre medio. Esta primera parte es solo el comienzo de una conversación que promete sumergirnos aún más en el fascinante mundo de la actuación y la creatividad, ¡no te pierdas la segunda parte la próxima semana! 

Aquí te dejo el link a su canal de Youtube donde comparte todo tipo de consejos y pláticas relacionados a la actuación: https://www.youtube.com/@ACTUARONO Además, mantente atento a las últimas actualizaciones y lanzamiento de los videos que siguen a través de sus redes sociales: @hernanmendoza_

Transcript

Hernán: Finalmente la diferencia entre un actor y otro, una actriz y otra es la experiencia de vida, el cómo tú ves la vida, el cómo tú analizas a los seres humanos que te rodean, a las situaciones en las que atraviesas o ves que otras personas atraviesan.

Interlocutor: La Pizarra. Explorando las mentes creativas del mundo del entretenimiento. Aquí está tu conductora, Nicky Mondellini.

Nicky: Siempre hay material para buena conversación con Hernán Mendoza. Él comenzó su carrera desde muy pequeño, desde niño, en programas de televisión. Más adelante, desarrolló una importante carrera actoral bajo la tutela de varios maestros, entre ellos su padre, Héctor Mendoza, también José Caballero, Julio Castillo y Luis de Tavira.

Entre las obras de teatro en las que ha participado están Requiem, Un Corazón Normal, Huérfanos, Espejos, Inauguración, más recientemente Carne en 2023 y también participó en el musical Billy Elliot, entre muchísimas otras obras.

Seguramente lo habrás visto en las series como Rosario Tijeras, Bronco, Un Éxito Indomable, la telenovela Cielo Rojo, El Candidato, Imperio de Mentiras y más recientemente Pautas, Redes Sociales y disculpa que no voy a decir la palabra tal cual, ya te imaginas cuál palabra es, pero es que a lo mejor hay niños escuchando este pódcast. Hablaremos ya también sobre estas series.

Hernán fue nominado al Ariel por su actuación en la película Las hijas de Abril. Al igual que Después de Lucía, que fue ganadora en el Festival de Cannes y otros festivales como el de Chicago, el de Mar del Plata, San Sebastián y Estocolmo. Recibió el Ariel por mejor actor de cuadro en la película La 4ª Compañía. También participó en las películas Gringo con Charlize Theron, Mirreyes contra Godínez, Loca por el Trabajo, La Caja, por la cual ganó la Diosa de Plata al mejor actor y La Caída, con Karla Souza.

En 2023 comenzó su canal de YouTube llamado Actuar o No, donde ofrece consejos prácticos sobre la actuación con un punto de vista muy particular. Ahora Hernán se encuentra trabajando en la película Huevos Divorciados y en la telenovela Marea de Pasiones. Acompáñame y vamos a explorar la mente creativa de Hernán Mendoza. Ya estamos aquí con Hernán Mendoza, listos para una plática muy a gusto. Hernán, ¿cómo estás el día de hoy?

Hernán: Bien. Muy contento de estar aquí contigo y con todos los que me estén escuchando y viendo.

Nicky: Perfecto. Muchas gracias. Todos van a querer tomar nota porque vamos a entrar de lleno a varios temas muy interesantes, varios de los cuales tú tocas en tu canal de YouTube. Yo debo decir que desde la primera vez que hicimos la entrevista, madre santa, cuántas cosas han pasado, Hernán, una tras otra.

Hernán: Muchas.

Nicky: Buenas, malas. Has vivido toda una vida en qué, ¿tres años, cuatro años desde que te entreviste?

Hernán: Yo creo que sí. Tres, cuatro, sí.

Nicky: Algo así. Comenzando por tu resurgimiento de salud, te ves superbién, estás bien. Cuéntanos un poquito de eso, porque yo sé que es lo primero que la gente va a tener en mente, si es que no te han estado siguiendo en redes sociales y todo, pero sí. Tenemos mucho que agradecer de que todavía estés con nosotros, gracias a esa operación y que saliste adelante. Platícanos un poquito eso.

Hernán: Estaba yo ya muy gordo, al grado de que me estaba afectando mi salud. Tenía problemas con el azúcar, con los triglicéridos, colesterol, la presión alta, etcétera. Me tomaba 10 pastillitas todos los días para poder sobrevivir. Muchas personas me dicen, “Pero tú no estabas tan gordo”. Sí, hay gente que incluso puede estar más obesa, pero que está bien de salud, no le afecta, pero a mí me estaba afectando muchísimo. Tenía 60 kilos de sobrepeso, para mi corazón y para mi sistema era ya demasiado.

El doctor Horacio Holguín, que es un picudazo, él me dijo, “O te opero o no vas a vivir más de cinco años”. Yo no quería operarme porque yo pensaba que la única opción era el bypass gástrico. Las personas que yo había visto con el bypass gástrico las veía todas demasiado delgadas, se veían enfermas y tenían que estar tomando pastillas el resto de su vida porque les desconectan el estómago y entonces conectan de aquí de la tráquea directo al intestino.

Yo decía, “No, tengo miedo de eso. No quiero”. Me dijo que no, que no iba a ser así, que es muy probable porque, como no tengo tanto sobrepeso, es muy probable que con una manga gástrica sea suficiente. La manga lo que hace es que te corta un pedacito de tu estómago, haz de cuenta, la mitad, lo cosen y te queda todo igual, nada más que más pequeño.

La ventaja de eso es que no es tan invasivo, que puedes seguir viviendo normal. La desventaja es que es un músculo que si le sigues comiendo y rellenando, vuelve a crecer. Yo dije, “Me encanta. Prometo que me voy a portar bien”. Sí, me hizo la operación, la hizo maravillosamente porque luego también no es fácil cortar el pedazo adecuado, te puedes pasar o te puede faltar.

Él lo hizo de una manera increíble y me hizo sentir muy bien. En un año ya estaba casi recuperado y en dos años ya estaba en el peso que estoy ahorita, que me siento superbién y estoy muy contento.

Nicky: ¿No sientes ningún obstáculo, ningún problema al seguir comiendo esa cantidad reducida? ¿Para ti ha sido fácil mantenerlo?

Hernán: Sí, totalmente. Yo he tratado de ser consciente de que en cuanto mi panza se llena mi cerebro dice, “Para”. Porque el problema es eso que, aunque estés lleno, tu cerebro sigue queriendo, “Otro taquito. Otro de esto. Otro”.

Yo ya estoy de una manera acostumbrado a que me alimento para llenarme, no gula, no un apapacho a la autoestima. Porque también ese es otro de los problemas, los que comemos mucho tenemos ese problema de que encontramos en la comida algún tipo de consuelo a nuestra autoestima, a nuestra depresión, a nuestros problemas o cualquier cosa que tengamos lo solucionamos metiendo comida.

También hay que trabajar eso, bajarle a esa ansiedad y darte cuenta que es solo por ansiedad, no es por hambre. Parar cuando tu estómago dice, “Ya me llené”, ya se llenó. Generalmente voy al restorán y me quedo con la mitad de los platos. Económicamente digo, “Híjole, qué mala onda. Me gasté un dineral y nada más comí un pedacito”. Mejor, prefiero 1.000 veces eso que andar otra vez con problemas.

Nicky: Te voy a dar un consejo para eso, pide el menú de niños.

Hernán: Totalmente. Hay unos malditos restoranes que te dicen, “Como nada más viene un niño, nada más le podemos dar un menú de niño, no le podemos dar los tres menús”. Porque Alejandra, mi mujer, come igual, también come bien poquito. Hay veces que queremos puro menú de niño, sopita de niño, los nuggets de niño. Hay unos restoranes que dicen, “No, es que eso solo es para los niños”.

Nicky: Ay, no manches.

Hernán: Lo están cobrando, ni modo que lo regalen a los niños.

Nicky: Exacto. No te lo están regalando para nada. Ay, no, por favor. Son restaurantes a los que no hay que regresar, digo, ¿no?

Hernán: Totalmente.

Nicky: Definitivo.

Hernán: Mucho lo que hacemos es que mi mujer y yo pedimos un plato y lo compartimos.

Nicky: Exacto, también. Perfecta solución. Ya después van a ser tres menús de niños cuando tu hija Fer empiece a comer más.

Hernán: Ya esté comiendo solita, sí.

Nicky: Perfecto. Hernán, esa ansiedad que sentías, tú tienes la fortuna de que además de tu carrera tienes hobbies que son muy interesantes, que te satisfacen muchísimo. ¿Tú sientes que eso te ayuda también para llenar eso, todas las cosas que componen tu vida? Esas cosas de, “Siento ansiedad, pero tengo este recurso, este recurso y este otro recurso”. Para la gente que está un poquito considerando eso y quieren ellos saber cómo manejar un poquito esa cuestión de la ansiedad dentro de sus posibilidades.

Hernán: Totalmente. El tener tu mente ocupada es totalmente básico. ¿Cómo ocupar la mente? Con algo que te apasione y que esté al alcance de tu mano. Te puede apasionar jugar fútbol, pero si no encuentras a tus amigos para que jueguen fútbol contigo, no lo vas a lograr.

Algo que te apasione y que tú puedas hacerlo por ti mismo sin necesidad de nadie más que tú, tu disposición y que tu cerebro se dedique a ello. Sí, yo tengo unos hobbies que puedo practicar yo solo y eso me ayuda a estar con mi mente en algo para mí positivo, algo creativo y me ocupa, medito. Para mí, no concibo la vida sin un hobby y sobre todo estos hobbies más personales.

Nicky: Qué bueno. Vamos a explicar cuáles son esos hobbies.

Hernán: Claro. Desde niño siempre me ha gustado el aire. Me encanta el viento, me encanta el aire. Todos mis hobbies han tenido que ver de alguna manera con ello. Yo recuerdo que cuando fui campeón de tiro con arco cuando era niño, lo que más me gustaba era ver el vuelo de la flecha. Desde que salía de mi arco y veía cómo estaba volando la flecha, yo ya sabía si iba a pegar en el centro o si iba a ir a la izquierda o a la derecha, ya por el puro vuelo. Me encantaba el vuelo.

Después me pasé a los halcones. Las aves de presa para mí son unos animales espectaculares y aprendí mucho de ellos por su forma de ver la vida. Yo volaba a través de ellos. Los veía volar y yo estaba ahí con ellos. Después ya pasé a otro nivel. Vuelo yo en parapente, que el parapente es como un paracaídas, pero no sirve para caídas, sirve para volar. Esa es una vela que se infla con el viento, es flexible, pero el viento la mantiene rígida, despegas de una montaña y buscas las corrientes ascendentes porque no tienes motor.

Vas y buscas las termales o las pendientes con viento dinámico para poder ganar altura, subir incluso hasta las nubes y volar. Eso a mí es lo que más me apasiona en este momento y estar volando, ahora sí, literalmente, por fin, eso me llena de mucho entusiasmo, muchas emociones, mucho orgullo. Cada que aterrizo digo, “Guao. Qué padre que vine. Qué padre que lo hice. Qué padre que todo salió bien”. Me hace sentir muy lleno, muy placentero.

A veces no tengo tiempo de ir a volar parapente por mi trabajo, por varias cuestiones y lo que hago es, de alguna manera, vuelo virtualmente. Aquí en el taller construyo drones, construyo aviones y les pongo una cámara en la punta del aparato volador y yo con unos goggles, con unos lentes, veo lo que ve esa cámara, entonces vuelo de alguna manera virtual. Cuando no tengo tiempo de ir a volar mi parapente, vuelo de alguna manera virtual ahí entre los árboles y también es superdivertido.

Lo que me gusta de este hobby de los drones es que mucha de la parte del hobby es la construcción. Tengo aquí en mi taller cosas para soldar, para cortar, para hacer esto, para lo otro. Yo compongo todos mis drones, los armo desde cero. Pido las piezas de China por separado y yo aquí las uno. Pruebo otras piezas, se me rompe y lo reparo. Este tiempo en el taller de estar reparando mis drones, construyendo drones nuevos, también es un agasajo para mí.

Nicky: Definitivamente es algo que se lleva muy bien con todo. Desde empezar a construirlos, desde empezar ya a armar esa pieza y tú saber qué es en lo que va a detonar, obviamente es parte de todo ese viaje y sí te puedes pasar horas haciéndolo, construyéndolo y eso es muy terapéutico desde ahí, supongo.

Hernán: Sí, buenísimo. Una vez que despega y lo ves volar, dices, “It’s alive”.

Nicky: Claro. Sí. En definitivo son los momentos de eureka ahí, ¿no?

Hernán: Sí.

Nicky: Así es. Ahora vamos a hablar un poco de tu canal de YouTube, Actuar o No. ¿Qué es lo que te llevó a comenzarlo? Por ahí algo dijiste, hiciste algunos promocionales en tu canal de Instagram, pero para la gente que no lo ha visto, ¿qué es lo que te llevó a crearlo?

Hernán: Me dedico a la actuación desde hace muchísimos años y muchas personas me preguntan, “¿Por qué no das clases? Deberías de dar clases”. Yo nunca me he sentido, no sé si digno, listo o qué como para dar clases. No me siento ninguna eminencia, no tengo conocimientos como para darle clases a las personas, o por lo menos eso siento.

Ahora que nació mi hija Fernanda, que acaba de cumplir un año la semana pasada, sí me puse a pensar, “Ella acaba de cumplir un año, pero yo tengo 58 años”. Si te pones a hacer cuentas, a lo mejor no le toco, a lo mejor si dejo algunos videítos por ahí, a lo mejor se puede medio enterar de cómo pensaba su papá o cómo se llevaba la vida de la actuación.

Porque a mí me ha pasado que muchas personas, compañeros o maestros de actuación que he visto, que he topado, que conozco, de repente se toman muy en serio esto de la actuación. Yo siento que tiene que haber también alguna parte más relajada, más sencilla, más directa, más digerida para las personas, porque de repente sí escucho algunas pláticas y no entiendo, se me hace demasiado complicado.

Cuando lo hago yo, practico y hago las cosas que hago, digo, “Podría no ser tan complicado. Podría ser un poco más directo, más fácil. El agua es agua y el hierro es hierro. Paren”. Traté de pensar en eso. “¿Si hago unos videos de lo que pienso yo acerca de la actuación, de cómo yo me enfrento al set, cómo yo pienso qué significa actuar para mí, etcétera?”. A lo mejor mi hija en algún futuro lo puede ver y decir, “Mi papá era más relajado”. Pensé en eso.

Me ha costado mucho trabajo. La verdad es que solamente he hecho cuatro videos y no he podido seguir haciéndolos porque afortunadamente me sale mucho trabajo y estoy ocupado filmando en Tijuana o estoy haciendo una novela aquí. Me ha costado trabajo poder darle más forma al canal. Lo estoy dejando también un poco para ver si calienta, para ver si a las personas les interesa también, porque a lo mejor dicen, “¿Este güey qué? Nada más dice puras babosadas y no me está dando nada”.

Si no veo que haya un quórum, a lo mejor nada más estos videos los dejo en privado para que mi hija algún día los vea. Estoy en esa etapa, viendo si produzco más videos, si los subo a YouTube o si los dejo en privado. Todo dependerá un poco de cómo vaya viendo si hay personas que les interesa las babosadas que yo digo.

Como les digo en mis videos, por favor comenten. Seguro voy a decir muchas babosadas, pero platiquemos para que así todos de alguna manera crezcamos. Me ayudan a mí, ayudan a Fernanda y se ayudan ustedes. Yo, por lo menos, a lo mejor no sé mucho de técnicas y de teorías, pero tengo muchísima práctica y estos años de tanta práctica de algo han de servir.

Nicky: ¿Cómo no? Si no paras de trabajar. Ahí está la prueba, Hernán. Es la prueba fehaciente, que tienes todo lo que se necesita para dar clases y para seguir haciendo estos videos. Yo por eso quise hacer esta entrevista, porque yo los he visto. Queridos amigos que nos escuchan, tienen que ver estos videos, sobre todo si son actores, si les interesa la actuación, porque sí son muy prácticos y con un punto de vista, como dices, muy relajado.

Es darse cuenta que no tiene uno que hacerlo de un punto de vista tan rebuscado o académico. Realmente son conceptos y ahorita vamos a platicarlos de estos videos que tienes para que se dé cuenta la gente qué es y por qué deberían escucharlos.

Por principio de cuentas viene la pregunta, “Oye, quiero ser actor. ¿Qué me recomiendas?”. Es una pregunta muy general. ¿Qué es lo que viene detrás de eso? “Oye, quiero salir en la tele y ser famoso”, a lo mejor. Hay que ver, “¿Realmente te interesa la actuación? ¿Vas al teatro?”, como medirle qué tanto te interesa. Tú lo contestas de una manera muy práctica. ¿Cuál es lo primero que tú les dices? Que ya más o menos lo platicaste en el video, pero vamos a empezar por ahí.

Hernán: Siempre que alguien me pregunta, “¿Qué me recomienda? Me gustaría dedicarme a la actuación”. Yo lo primero que pienso es, deberías de reflexionar un poco y pensar, ¿qué es la actuación para ti?

Como tú dijiste, ¿salir en la tele, ser famoso, que te reconozcan en la calle, hacer puro teatro, estar clavado en los escenarios porque te interesa el escenario, las piernas del público ahí en vivo, porque la cámara del cine te seduce y quieres estar ahí, o porque te encanta la ficción, te encanta vivir en un mundo ficticio y hacer cosas que jamás harías en tu vida normal?

Si te contestas esa primera pregunta creo que ya tienes bastante ganado. Obviamente para mí la respuesta es, me encanta la ficción, me encanta vivir en este mundo paralelo al cual yo como Hernán no tengo acceso y que gracias a la actuación conozco lugares, personas, historias, textos incluso muy inteligentes que me hacen decir y que yo digo, “Guao. Qué padre texto estoy diciendo”, y aprendo de ello. Ese mundo a mí me apasiona.

Es muy diferente cuál es tu tirada para querer dedicarte a la actuación, qué te puedo yo recomendar. Si quieres dedicarte al teatro, hacer puro teatro porque el teatro te apasiona, aconsejo que te metas a una escuela donde haya gente de teatro, que den clases los directores de teatro, que tus compañeros lo que quieran es hacer teatro. Poco a poco te vas a ir metiendo en este mundo del teatro y vas a terminar haciendo teatro. Es muy probable que termines haciendo teatro.

Si lo que tú quieres es ser famoso y salir en la tele, también hay escuelas de cadenas grandes de televisión donde te enseñan cómo poder ser una estrella. Tendrás que ir al gimnasio, ponerte lo más guapa, guapo posible y saber cuál es tu ángulo, entender un poco la moda, etcétera. También es todo un camino muy importante. Poderte aprender las escenas rápido, solucionarlas.

Depende del camino que tú quieras, pero todos en general, lo que más recomiendo es que vivan porque finalmente la diferencia entre un actor y otro, una actriz y otra, es la experiencia de vida, el cómo tú ves la vida, el cómo tú analizas a los seres humanos que te rodean, a las situaciones en las que atraviesas o ves que otras personas atraviesan. Tú cómo piensas, cómo razonas, cuál es tu lógica hacia eso. Eso es lo que te va a hacer diferente y único como actriz o como actor.

Creo que sí, lo más importante para poder ser un actor y poder seguir viviendo de esto muchos años es que pienses en tu experiencia y que aprendas de todos los días en la calle, lo que ves, el que te pongas a espiar al vecino y digas, “Órale, sí, seguro. Se le escapó el perro por esto, esto y esto. No, no es cierto. Más bien estaba buscando a su hija”.

Toda esa creatividad que haces para darle lógica a lo que ves te enriquece. Cuando estás en una situación de ficción más o menos similar vas a tener tres o cuatro posibilidades de encontrarle una lógica a esa misma situación y eso hace que seas más rico como actriz y como actor.

Nicky: Sí, definitivamente. El traer todas tus experiencias, meterlas a lo que estás haciendo, ver cómo puedes identificarlas y cómo puedes poner de ti mismo y de cada experiencia para enriquecer eso que es tu punto de vista particular. Eso es lo que te ayuda y lo que hace que te crean. Hablando de creer, tienes un video, hablas específicamente de que si actuar es mentir o es lo opuesto a mentir. Háblanos un poquito de ese concepto.

Hernán: Generalmente pensamos todos que un buen actor es un gran mentiroso y que un buen mentiroso es un gran actor. Yo me puse a reflexionar un poco sobre ello porque yo soy muy malo para mentir, soy pésimo, no me sale. No tengo las agallas para decirle a una persona una mentira y que me la crea.

Sin embargo, como actor, para mí es totalmente diferente, no tengo problema con ser verdadero y con creer la situación en la que estoy viviendo en la ficción. Lo hago muy natural y no tengo ningún problema.

¿Por qué es diferente para mí? ¿Por qué mentir y actuar son diferentes? Pensando en ello llegué a varias, no conclusiones, pero sí por lo menos teorías que a lo mejor me cuadran, que sí es un poco, en resumidas cuentas, que el mentiroso lo que está buscando es engañar a la persona que lo está escuchando, que lo está viendo.

En cuanto esa persona se da cuenta que el mentiroso no está diciendo la verdad se le acabó su juego, ya no tiene más para dónde ir, ya se le descubrió, “Bye. Se te acabó, ya no te creo. Adiós”. El actor, en cambio, es muy diferente. El actor sabe que esa persona sabe que yo estoy mintiendo, pero lo estoy haciendo con tanta verdad que a lo mejor él me va a creer.

La persona que te está viendo no la estás tú engañando, la estás divirtiendo, la estás entreteniendo. Esta persona siempre sabe que estás mintiendo, sabe qué es actuar, que estás actuando, que no es la realidad, que tú no eres el que está matando a esa persona, que tú eres un actor que hace de un asesino. Todo el tiempo saben que es mentira de alguna manera, pero tú estás con toda tu verdad y es cuando tú estás jugando.

De entrada las reglas son muy diferentes. De entrada, el actor necesita que el público sepa que estoy actuando, que estoy haciendo algo que no es cierto, pero es para entretenerte. El mentiroso lo que necesita es que tú ni te enteres y que creas en lo que te estoy diciendo porque quiero mi propio beneficio personal. Es así en términos generales. Hay mucho de dónde sacar, pero esa es la teoría que medio manejé en ese video que mencionas.

Nicky: Claro. También sobre todo porque cuando tú estás viviendo, estás entrando en esa otra realidad. Es una realidad en común con todos los que participan en esa historia. Cada uno está viviendo un universo alterno, si quieres, pero siguen siendo ellos mismos. Te enojas como se enoja Hernán, pero estás prestándole tus emociones a esa historia y a ese personaje, y son verdaderas. No son falsas porque el hacer las cosas falsamente no se siente bien, no le estás llegando al público.

Yo creo que eso es mucho la diferencia entre un buen actor y un mal actor. Cuando tú ves algo que dices, “Ay, no. Qué mal actor, es que no le creo”. Es porque realmente ellos no se están creyendo lo que están haciendo, lo que están produciendo. No es, “Sí, voy a hacer que me enojo, voy a hacer que soy el malo”, no. Tienes que vivir esa historia con todos tus recursos tal cual los tienes.

Eso es como logras elevar un trabajo a algo que realmente impacta y algo donde la gente se mete. Tú jalas la energía. Manejas un cierto tipo de energía donde tú jalas la atención, jalas la energía del espectador para que estén en esa convención contigo y se crean ese mundo ficticio como si fuera absolutamente real, ¿no?

Hernán: Sí, totalmente. Uno de los errores que cometemos los actores muchas veces es que no confiamos en nosotros mismos, de alguna manera. Cuando estamos actuando queremos que los que nos están viendo entiendan la emoción por la que estoy pasando, en vez de simplemente tratar de pasar por esa emoción.

Cuando tú quieres mostrarle a otra persona que estás muy enojado, ya no estás tan enojado porque estás pensando en cómo le demuestro a esa persona que yo estoy enojado, en vez de simplemente, “Estoy enojado. Me enojo y punto. No me importa si la persona se da cuenta o no”. Claro que se va a dar cuenta porque estoy enojado, no hay de otra.

Hay una trampita que todos los actores tenemos e incluso tenemos que estar cuidando siempre, porque de repente se nos va porque el estrés, porque la producción ya tiene que sacar esta escena rápido y no está quedando, entonces te estresas, o el director, “Oye, fíjate. Es que necesito que acá sientas esto, esto y esto”, y tú, “Sí, pero ¿no se está viendo lo que estoy tratando de sentir? Entonces lo trato de ejemplificar un poco más para que el director lo vea”.

Sí es algo con lo que todos batallamos de alguna manera, pero que finalmente la clave es poder concentrarte en lo que sientes, en creer, en tu creencia y dejarte llevar a lo que sienta tu personaje en esta situación por la que está atravesando.

Nicky: Hasta aquí llegamos con la primera parte de esta interesantísima entrevista. Si te está gustando, la segunda parte te va a encantar. Mientras tanto, no olvides suscribirte para recibir una notificación cada vez que salga una nueva entrevista. Hasta pronto.

Interlocutor: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. No olvides suscribirte al boletín mensual en nickymondellini.com/lapizarra. Sintonízate la próxima semana para un nuevo episodio.

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Margarita Sanz Parte 2 -Secretos del arte dramático

July 25, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

Bienvenidos a la segunda parte de nuestra fascinante entrevista con la actriz Margarita Sanz. Si disfrutaste la primera, esta segunda entrega está repleta de historias aún más intrigantes y profundas sobre su carrera y vida personal que no te puedes perder.

Aquí algunos de los momentos más destacados:

  1. **El Inicio de una Pasión**: Margarita nos cuenta cómo decidió dedicarse al teatro y su emocionante admisión en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
  2. **Tiempos de Cambio y Conflicto**: Revive las intensas asambleas y conflictos en la escuela de teatro, y su valiente traslado al Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM.
  3. **Una Aventura Europea**: Acompaña a Margarita en su viaje por Europa con “In Memoriam”, y cómo esta experiencia impactó su vida y carrera artística.
  4. **Desnudos Artísticos y Censura**: Escucha la historia de cómo “In Memoriam” enfrentó la censura en México y EE.UU., y cómo el elenco defendió su arte.
  5. **Un Premio Bien Merecido**: Margarita habla sobre su reciente reconocimiento en los Premios Metropolitanos de Teatro y reflexiona sobre su extensa carrera.
  6. **Obstáculos Personales y Profesionales**: Margarita se abre sobre los desafíos personales, incluyendo dos graves accidentes de coche y el impacto del terremoto de 1985 en su vida.
  7. **El Mundo de la Televisión y el Cine**: Descubre sus opiniones sobre la industria televisiva y cinematográfica y cómo han moldeado su enfoque artístico.
  8. **Recuerdos de Susanita**: No te pierdas la emotiva anécdota sobre su papel en “El Callejón de los Milagros” y los icónicos dientes de su personaje, Susanita.

Margarita Sanz no solo nos ofrece una visión profunda de su carrera, sino que también nos brinda valiosas lecciones de vida y arte. Es un episodio lleno de risas, nostalgia y reflexiones que te inspirarán y te harán valorar aún más el mundo del teatro y la actuación.

Te invito a que escuches este episodio y te sumerjas en la rica historia de una de las grandes actrices de nuestro tiempo. Y si quieres ver los dientes de Susanita y otros recuerdos, no olvides visitar nuestro canal de YouTube.

¡Gracias por acompañarnos, y disfruta del episodio!

Puedes encontrar a Margarita Sanz en Instagram como @margaritasanzactriz

Transcript

Margarita Sanz: El actor tiene que estar en todos lados. No hagan caso a los prejuicios y a sus maestros, eso no, que esto sí, que esto no. ¿Cómo que eso no? Imagínate, ¿por qué eso no? Necesito ver lo mal que se hace la televisión o cuáles son los defectos para poder hablar de la televisión. Si yo he estado ahí y yo les puedo decir, “Esto, eso, esto. Pasa esto. Por eso no sale bien”. Necesito ampliar mi diapasón de conocimiento.

[música de fondo]

Narrador: La Pizarra, explorando las mentes creativas del mundo del entretenimiento. Aquí está tu conductora, Nicky Mondellini.

Nicoletta Mondellini: Hola, ¿cómo estás? Bienvenido, bienvenida a un episodio más de La Pizarra. Mi nombre es Nicky Mondellini. Hoy tenemos la segunda parte de la entrevista con la maravillosa actriz Margarita Sanz. Espero que lo disfrutes.

Margarita: Yo desde ahí les dije a mis papás, “Es que yo no veo otra cosa en mi vida más que el teatro”. Mi mamá y yo nos vinimos aquí a México a buscar un lugar a donde vivir y nos pusimos en contacto con la Escuela Nacional de Bellas Artes de teatro. Había estas pláticas para ver si te aceptan en la escuela. Mi mamá y yo nos vinimos aquí a México, por una señora que nos ayudó a conseguir un lugar a donde quedarnos, una casa de asistencia.

Me dijo, “Tú aquí puedes vivir. Vamos a la escuela a ver si te admiten. Además, queda muy cerca esta casa de la escuela. Te vas en camión, te bajas aquí en el auditorio nacional y ahí está nada más la escuela”. Yo iba Muy nerviosa. No hombre, yo estaba dispuesta, yo les dije, “Yo les hago lo que quieran. ¿Quieren que me tire al suelo y grite? Ahorita”. Yo dije, “¿Quieren que baile? Todo, pero por favor acéptenme”.

Me aceptaron y empecé a estudiar Teatro en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Viví en esa casita de asistencia que mi mamá y yo encontramos. La recuerdo mucho esa casita. Recuerdo el primer restaurante a donde fuimos a cenar esa noche. Recuerdo en qué hotel nos quedamos antes de quedarnos en la casa de asistencia, que ese hotel ya no existe. Hay mucha nostalgia en esta ciudad para mí. Me acuerdo de esos días tan importantes.

Estuve en la Escuela Nacional de Bellas Artes dos años nada más porque hubo un pleito. Ya ves que aquí en México no faltan los pleitos entre la gente, entre colaboradores. Se pelearon unos maestros ahí. El maestro Mendoza, que daba clase ahí, mi maestra fue Soledad Ruiz y Germán Castillo, fueron mis primeros maestros, pero se pelearon con el señor Emilio Carballido. Se salieron de la escuela. Yo me quedé sin maestra porque se peleó con Emilio Carballido, que entró y puso una nueva forma de estudios.

Es decir, una tira de materias distinta, pero sin consultar a los maestros que ya estaban en la escuela. Se los saltó y eso estuvo muy mal. Se pelearon todos. No, hubieras visto las asambleas que tuvimos en el teatro Villaurrutia. Unas asambleas que yo las tengo metidas en mi cabeza. Yo era muy joven y viendo a estas gentes adultas, a quien yo admiraba, perder el control emotivamente y pelearse, de gritarse, dije yo, “This is real life. Esta es la vida”.

Mi maestra se salió. Luego nos enteramos que el maestro Mendoza iba a ser director del Centro Universitario de Teatro, que había pasado por otro director, pero ahora él iba a ser director. Eso es parte de la UNAM, ya no es de Bellas Artes. Estábamos nosotros, toda la generación nos salimos de Bellas Artes.

Nicoletta: ¿La generación completa se salió?

Margarita: Completa. Dejamos la escuela sin segundo grado. Yo nada más hice primer grado, iba en el segundo grado. Pasó este relajo y nos fuimos todos para el CUT. Al segundo año se quedó con dos gentes, yo no sé con quién se quedaron. El caso es que yo retomé mi carrera con el maestro Mendoza y ahí descubrí la vida realmente.

No es que la maestra Soledad Ruiz no me haya enseñado, me enseñó mucho la maestra Soledad Ruiz, me hizo saber que el mundo interior de uno es con lo que trabaja el actor, con el mundo interior de uno. El mundo interior tiene que mantenerse enriquecido para que tú puedas entender la vida y entender tus personajes. Eso ella me lo enseñó.

Ahí con el maestro Mendoza aprendí otras cosas maravillosas. Ahí es donde conocí a John, tu mamá. Fue otra vida para mí. Nos fuimos a Europa. Ese viaje a Europa a donde fuimos fue maravilloso, nos enseñó a todos tanto. Fuimos a un festival de teatro en Europa.

Nicoletta: El de Cádiz, ¿no? El festival de Cádiz.

Margarita: No, fue en Wrocław, Polonia. Fuimos a Polonia primero. Luego de ahí nos pasamos a Bélgica, a Bruselas. Después de ahí nos pasamos a Holanda, a Leiden, porque nos mandaron a llamar porque se enteraron que la obra era muy buena. Se llamaba In Memoriam. Nos la había escrito mi maestro a toda la generación. La coreografía en ese caso fue de Ruth Noriega, descansa en Paz. Ella nos hizo la coreografía. Gustaba mucho.

Era en honor de Manuel Acuña, que es un poeta romántico del siglo pasado, muy atormentado, muy melodramático. El maestro que tenía mucho sentido del humor, ¿qué crees que hizo? Claro, burlarse de Manuel y él le dio otra vuelta. Esa obra tenía desnudos, pero eran unos desnudos muy chistosos porque salíamos al escenario con unas sábanas tapadas y corríamos por todo el escenario, pero a la hora de correr hacia atrás las sábanas se levantan. Te puedes imaginar lo que se veía abajo de ahí.

Nicoletta: De todo.

Margarita: Luego había un poema dedicado a las prostitutas que escribió Manuel Acuña y todos abajo de la sábana diciendo el poema. Era gracioso el desnudo. No era cochino, no era horrendo, no era vulgar, era artístico, era hasta ingenuo. Amalia Hernández, que era la dueña, una persona muy conocida aquí en México que ya falleció, tenía su teatro. El ballet folklórico de Amalia Hernández es conocido mundialmente.

La señora nos prestó su teatro para estrenar In Memoriam aquí en México. Resulta que estrenamos, pero ella se enteró de los desnudos porque los vio y no le gustó. Le dijo al maestro Mendoza, “Pues no, fíjate que yo no sabía que tu obra tenía desnudos, así es que ya no te presto el teatro”. Llegamos al otro día a dar la función y ya no había teatro. Dije, “Híjole”.

Después lo que hicimos fue esperar a que se liberara de la programación un teatro maravilloso que ya no existe, que es de la UNAM, que se llamaba Arcos Caracol. Estaba en la avenida Chapultepec enfrente de los arcos que había ahí, que hay todavía. Ahí reanudamos la temporada de In Memoriam, más bien seguimos con la temporada de In Memoriam. Nos fue muy bien y nos invitaron a Wroclaw, a Polonia. Nos fue muy bien.

Se enteraron en Bruselas, donde había otro festival. Ahí vamos a Bruselas. Nos fue muy bien. Nos fuimos a Holanda. Nos fue muy bien. Nos regresamos a Bruselas. Luego de Holanda nos mandaron a decir que si podíamos regresar a Rotterdam a dar otras funciones y ahí vamos de regreso. Nadie dijo nada de los desnudos ni nada.

Ahí te va esta y con esto cierro, porque es que esa obra me formó y formó a todos mis hermosos compañeros. Una obra que nos dio mucha información de la vida y de todo. Nos mandan a invitar a un lugar que se llama San Marcos en Texas, en Estados Unidos.

Nicoletta: Sí, lo conozco. Ahí es donde estudia mi hija. Mi hija estudia en San Marcos.

Margarita: Really?

Nicoletta: Sí.

Margarita: I’ll tell you what happened there.

Nicoletta: A ver.

Margarita: Ahí vamos a San Marcos, a la universidad con In Memoriam.

Nicoletta: ¿En la de Texas State?

Margarita: I don’t know what university it was.

Nicoletta: La única que hay en San Marcos es Texas State.

Margarita: It was a big thing, a beautiful thing. They have a beautiful theater.

Nicoletta: Sí.

Margarita: Ahí fuimos, empezamos con la obra y chin que ven los desnudos. ¿Qué crees? El rector de esa universidad, estamos hablando de 1975, ¿okay? No es ahorita, es muy atrás, le dice a mi maestro Mendoza, “Pues fíjese que muchos padres de familia se quejaron por los desnudos, señor Mendoza. Entonces, yo le voy a aconsejar, le pido, por favor, que a las mujeres les ponga brasier y calzones y sobre todo a los muchachos les ponga unos trousers, unos calzones”.

Claro, el maestro Mendoza se empezó a reír. Dijo, “La obra es así. Es así la obra y yo no voy a cambiar nada”. “Pues entonces no va a poder dar las siguientes funciones”. “Pues nos vamos a México”. Nos mandó a llamar, nos dijo a todos, “Team back, team back. Empaquen sus cosas, hijos”, porque nos llamaba de hijos a todos, “Nos regresamos a México”. “Pero ¿por qué, maestro?”. “Pues porque ya. Imagínense, no quieren aceptar los desnudos otra vez”. Todos, “Chinga, no dimos las otras dos funciones que teníamos, a empacar las cosas”.

Pasaron, no sé, creo que en la noche o algo así, resulta que los estudiantes se enteraron de que nosotros nos íbamos a ir porque los papás de ellos habían dicho que no les gustaban los desnudos. Hicieron un irigote horrible. Fueron a la oficina del rector y le dijeron, “Oye, no, ¿cómo vas a decidir tú lo que nosotros podemos ver? Nosotros ya somos gente adulta. ¿Cómo que los papás?”. Se hizo un irigote.

El caso es que el rector mandó a llamar a mi maestro y le dijo, “Pues siempre sí pueden dar las funciones si quieren”. Nos dijo, “Hijos, desempaquen porque vamos a dar las funciones”.

[risas]

Nicoletta: Ya me lo imagino. Lo puedo escuchar ahorita así como se expresa.

Margarita: Tú conociste al maestro Mendoza.

Nicoletta: Sí, fue mi suegro.

Margarita: Claro. Sensacional hombre. Ahí vamos otra vez y dimos las funciones. Un exitazo. Esa obra me enseñó cómo se debe dirigir una obra, cómo se debe cuidar una obra, cómo es fácil que los mismos actores arruinen la obra y hay que tener mucho cuidado que no hagan eso y volver a limpiar las escenas para que consigan el ritmo necesario. Aprendí lo que es ritmo escénico. Luego aprendí también que a un director de teatro no se le dicta línea. Si tu obra es así, es así.

“¿Cómo que tapa? ¿Cómo que ponle calzones a las actrices?”. “No, mi obra es así y así va”. Además, conocer toda la comunidad en Leiden, que es una población universitaria en Holanda. Rotterdam también, gente maravillosa ahí. Ahí nos quedamos en las casas de la gente.

Nicoletta: Qué bonito.

Margarita: En Bélgica en un hotel. Muy linda la gente ahí. Todo en francés, pero es un francés diferente al francés de Francia.

Nicoletta: Sí, totalmente.

Margarita: Aprendimos mucho de la vida. Yo agradezco tanto al maestro Mendoza porque me enseñó tanto. Después trabajé con él en otras obras y todas las obras fueron para mí una lección de vida y luego una lección artística. Primero de vida y luego–

Nicoletta: Siempre era eso trabajar con el maestro Mendoza. Las obras que yo pude hacer con él, tanto lo que fue nuestra obra de graduación, que fue Los Enamorados, y siempre hacía sus adaptaciones. Siempre. Luego La Desconfianza, Las Gallinas Matemáticas.

Tú, además obviamente sí dices, “Fue una gran lección de vida”. Por ejemplo, me llama la atención cómo habiendo sido tu inicio muy musical y que hacías estas obras tipo musicales, tipo Broadway y todo eso, no fue el camino que finalmente escogiste. Te fuiste por el lado de la actuación dramática. Claro, algunas cosas de comedia, etcétera, pero no dentro del ambiente de las obras de teatro musical.

¿Nunca te llamó por ahí la atención de repente, no sé, una escapadita y participar en alguna obra de ese tipo o ir a probar suerte a Broadway, algo así, ya que tenías tanto entrenamiento musical y cantas precioso también?

Margarita: Sí, desde luego, Nicki. Desde luego porque nací en eso, pero empecé a entender que la actuación no es nada más subirte a un escenario y decir palabras, implica otra cosa. Empecé a conocer otro mundo a través del estudio de los personajes, que eso lo aprendí con el maestro, pero además el maestro era muy musical. In Memoriam tenía cinco números musicales. Yo cantaba una canción sola de soprano. Todo esto musical estaba dentro de In Memoriam.

Después, otra obra que hice con él, había toda una coreografía y otra canción que cantaba yo, porque hizo espectáculos que incluían la música. No estaba tan lejos de mí. No era un show como los que montaba Manolo Fábregas, un gran hacedor de teatro musical en México, ni OCESA de ahorita. OCESA es una compañía que hace mucha comedia musical. No, no era eso.

Luego hice La ópera de los tres centavos, es musical. La música no se me fue de las manos así toda, completa, no, pero aprendí otras cosas que me empezaron a interesar mucho, que es la construcción de los personajes.

Empecé a darme cuenta que en las obras que yo vi en Broadway, vi muchas allá y también en Europa, que el maestro nos consiguió boletos para que viéramos teatro allá, no tanto en Inglaterra ni en Europa, pero sí en Estados Unidos desgraciadamente, esta sensación de que no estudian sus personajes, sus personajes se limitan a decir parlamentos y no los sienten, que me parecen muy falsas las actuaciones.

La música es fabulosa y las voces son increíbles, pero es como, “Te vi ayer. Me voy a casar con tu hijo. Sí lo sabes, ¿verdad?”. “¿Quién te dio permiso de ver a mi hijo?”. “No”. Como totalmente fuera de la realidad, de un tono más creíble. Era como una cosa estereotipada, que yo no estoy de acuerdo con eso. Cuando yo he visto eso, digo yo, “¿Por qué son así? Dicen los parlamentos, pero no los están sintiendo”.

Obviamente, yo nací y me eduqué en una escuela vivencial. Si esas obras de teatro, Nicki, tuvieran una educación, una orientación vivencial de esos actores, sería– El público, yo creo que se–

Nicoletta: Sí, trasladaría.

Margarita: Truena el teatro de la emoción.

Nicoletta: Sí.

Margarita: Porque para mí les hace falta eso. No a todas, ya está mejorando la situación porque ya hay gente más joven que percibe esta sensación de que dices los parlamentos y luego cantas muy bien. Sí, pero tienes que también sentir. Eso me separó un poco de buscar trabajo por allá. También porque estaba muy ocupada en las otras puestas en escena donde me invitaban y tratar de entender el mundo tan agresivo creativamente que es el mundo de la televisión.

Tú hiciste televisión y sabes lo agresivo que es, que no te dejan concentrarte, que todo es como te salga y dices tú, “Madre santa, madre santa, ayúdame, Dios mío”. Es muy difícil. Luego empecé a conocer el mundo del cine, que me dio mucho miedo porque es una cosa de que ahí va a quedar eso para siempre. Te da como pavor. Si tenemos tiempo y puedo correr a mi cuarto, si la gente vio a Susanita en la calle–

Nicoletta: En El callejón de los milagros.

Margarita: Sí. Tengo mis dientes.

Nicoletta: ¿Los conservas?

Margarita: Sí.

Nicoletta: Qué maravilla.

Margarita: Me gustaría enseñárselos.

Nicoletta: Sí, te espero, claro.

Margarita: Quisiera enseñarte al tapatrío.

Nicoletta: Sí. A ver. Mira. Ay, qué belleza.

Margarita: ¿Sí las puedes ver bien?

Nicoletta: Sí, se ven muy bien. ¿Cuál era tu mamá? ¿Cuál de las tres?

Margarita: Mi mamá es la que está sentada al frente.

Nicoletta: Sí. Ay, qué linda. Guapísima.

Margarita: Estos son los famosos dientes de Susanita, porque ella usó dientes– Mi prótesis era dientes feos, pero luego ella se quiere casar y va y se arregla los dientes. Tenía dos prótesis. Una prótesis de dientes chuecos y una prótesis de dientes. ¿Los puedes ver bien?

Nicoletta: Sí, se ven bien. Sí, claro.

Margarita: Mira.

Nicoletta: Sí. Ay, qué barbaridad. ¿Cómo era para ti? ¿No te incomodaba usarlos?

Margarita: No. Como mi boca ha cambiado ya no me quedan muy bien.

Nicoletta: No, sí se ve bien. Para la gente que nos está escuchando en las plataformas digitales, les recomiendo que vean esta entrevista también en YouTube para que puedan ver los dientes de Susanita.

Margarita: Si quieren ver El callejón de los milagros. Se los va a arreglar, pero a la hora de arreglarlos le dijimos al técnico dental, “Es que tienen que verse falsísimos, no bonitos”. Las encías, de esas encías rosas.

Nicoletta: Grandotas.

Margarita: Sí.

Nicoletta: Sí. Ya según ella toda bella, toda arreglada.

Margarita: Sí, toda arreglada, sí.

Nicoletta: Era un cambio de por sí.

Margarita: Era un gran personaje Susanita.

Nicoletta: Sí, cómo no. Te dieron el Ariel por ella.

Margarita: Sí, mejor actuación. No te lo dije porque creo que nos habíamos puesto de acuerdo antes para este podcast, pero en Los Premios Metropolitanos de Teatro me dieron un premio por mi carrera también, un reconocimiento.

Nicoletta: Sí. ¿Es el que mencioné en tu presentación o es un premio diferente?

Margarita: Es ese, pero dado por otra– Fueron dos. Ese es uno y el otro que me lo dieron también recientemente, que para mí fue una experiencia vital muy hermosa. Ya no son 40 años, Nicky, son como 60.

Nicoletta: Sí, porque empezaste muy pequeñita.

Margarita: Muy pequeña, pero aquí en 1972 fue mi primera obra. Haz la cuenta. Esos Premios Metropolitanos ahora, antes en mi tiempo había muchas asociaciones de premiaciones, ahora hay esa. Se llama Premios Metropolitanos de Teatro. Son los únicos, los más fuertes. Luego está también la Asociación de Críticos Periodistas que me dieron el premio que tu mencionaste por La Golondrina.

Los Premios Metropolitanos, esos sí fueron por toda esta trayectoria tan tremenda que he tenido en mi vida y me dio mucho placer recibir– Nunca he sido mucho de hacer mi trabajo porque me den un premio, pero este– Me gustó mucho que me dieran eso porque recordé mucho todo lo que he vivido como actriz.

Agradecí mucho a los Premios Metropolitanos que me hayan dado esa noche porque fue un evento donde dan premios a todo el mundo, los que han seleccionado de mejor obra, mejor coreografía, ya sabes, todas las diferentes especialidades. Siempre hay un premio especial de trayectoria y ese me tocó a mí.

Me dio mucha alegría porque son muchas personas las que deciden ahí en los Premios Metropolitanos quién se va a llevar el premio de la trayectoria, no son tres o cuatro, son como 25, y que me hayan elegido sí me da mucha felicidad. Es un gran premio que recibí yo el año pasado.

Nicoletta: Muy merecido definitivamente. Muy merecido, Maggie. Quisiera que me dijeras, nosotros tenemos en esta carrera muchos obstáculos, pero para ti, ¿cuál ha sido uno de los más importantes que te haya costado trabajo, pero que lo has tenido que superar y por eso fue un crecimiento para ti? ¿Qué fue eso? Estábamos comentando que tuviste un par de accidentes de coche, que estuviste muy cerquita de la muerte y que gracias a las placas de titanio y a las hábiles manos del cirujano estás acá con nosotros.

Ese fue un momento difícil en tu vida, pero ¿consideras que ese fue uno de los obstáculos más grandes en tu vida?

Margarita: Sí, fue un obstáculo temporal porque terminó. Fue un accidente de automóvil que casi me quitó la vida y me costó casi un año volver a la escuela. Hasta la fecha tengo residuos neurológicos de ese terrible accidente, donde una de mis vértebras se movió de lugar y casi seccionó la médula. Fue terrible. Esa temporada de mi vida la estaba recordando ayer, qué curioso. No me gusta recordarlo porque me trae recuerdos muy tristes porque estuve conviviendo con personas que no tuvieron la misma suerte que yo.

En los lugares a donde yo iba a hacer mis ejercicios, personas donde sí la médula fue seccionada y ya no van a recobrar nunca sus movimientos. Verme a mí en ellos me daba un pavor enorme. Tuve que volver a caminar. Yo renací realmente después de eso. Eso fue en 1974. Luego el otro accidente fue en el 2006. Fue muchos años después, pero ese no fue mortal, pero sí era necesario operarme, me volvieron a intervenir en el cuello y quedé bien. Ya puedo decir que no a todas las obras que no quiero hacer y sí a las que sí quiero hacer.

[risas]

Esos son obstáculos fuera de mi carrera artística. El otro fue el temblor de 1985. Yo viví también el del 2017, obviamente, pero en el 85 murieron muchas personas. Yo viví en un lugar donde todo se cayó, excepto mi edificio. Yo digo, “Dios mío, alguien me cuida y quieren que yo esté aquí”.

Eso para mí era como estar en una guerra donde llevas comida, medicina, ropa a las personas que no tienen nada, luego se las dejas y luego vas por más. Vas a otros refugios por una lista de medicinas que necesitan. Es lo que yo hacía, iba y venía del Estadio Azteca a donde llegaron todas las medicinas de todos lados del mundo que estaban apoyando a México. Ahí andaban los perros. ¿Tú supiste que de esos perros que estaban aquí buscando gente se volaron dos, desaparecieron los perros?

Nicoletta: Sí, fue una cosa–

Margarita: Qué vergüenza. Me di ahí cuenta de tanto que había vivido adentro de mí misma. Cuando tú ayudas a la gente cambia todo en tu vida. Ver que tú podrías ayudar a que una persona se pudiera mejorar y ver el dolor de la gente que perdió a toda su familia, que nomás quedó una muchacha, por ejemplo, toda su familia se murió en un edificio que se cayó, los aplastó a todos y a ella no. Muchas circunstancias así. Hay muchas historias que yo tengo de ese temblor, muchas que no quiero ahorita, ¿para qué?

Ese temblor del 85 realmente me marcó. Me dijo que la vida es muy corta y que hay que sacarle el jugo a todo lo que tú quieres hacer. Suena muy trivial lo que digo, como muy dicho, muy manido, pero es la verdad. También viví el del 2017, que fue terrible, pero yo ya me había cambiado de casa.

Vivo en un lugar donde sí se sienten los temblores feos, pero no hay tragedia tan fuerte como en la Colonia Roma, en la Colonia Morelos e incluso en La Condesa. El subsuelo de esas colonias está muy mal y cuando hay estos temblores en la Ciudad de México, que son para recordarlos toda la vida, se caen edificios llenos de gente siempre. Yo viví ahí muchos años en la Colonia Roma.

Ahora vivo en un lugar que el subsuelo es con mucha piedra, no pasan grandes tragedias acá donde vivo yo ahora. También ahora las limitaciones dentro del trabajo artístico, directores, por ejemplo, que no permiten la creatividad de los actores son para mí un obstáculo terrible porque los actores no somos soldados de, “Sí, señor”. No. Tenemos que ofrecer nuestra vida.

Directores, por ejemplo, que no saben de tonos ni de estilos ni de géneros y andan haciendo una obra de Chejov en farsa. Dices tú, “¿Qué es esto?”. Directores que les dicen directores de tráfico, “Tú vente para acá y tú vete para allá”. No hay un trabajo de comunicación entre los personajes, entre los actores. Eso se vio mucho en la televisión, me desanimé mucho ahí.

Di mi mejor trabajo, no creo que yo tenga un trabajo en televisión, siendo un medio tan difícil, que sea mediocre. Vaya que quieren que lo hagas mal. El público de México no merece eso, merece una televisión mucho mejor de la que tiene. Ha mejorado, sí ha mejorado, pero falta más. Eso me hiere mucho, que el director no sepa cómo dirigir, más que nada más moviendo los actores.

También el manejo del melodrama. El melodrama aquí en México es tremendo. Empiezan a hablar y en una escena ya están llorando, ya están moqueando, ya están chille y chille. Ya ni se les entiende lo que dicen. Yo digo, yo no canté mal las rancheras, yo tal vez hice eso, pero empecé a estudiar los tonos y todo. El melodrama no tiene por qué ser así. Es uno de los géneros más difíciles, ¿por qué? Porque sí es exacerbado, sí lo es, pero hay que estar justo en la línea de que no te vayas al abismo ni tampoco te quedes muy atrás.

Aquí en México el melodrama, sobre todo obviamente en la televisión, se exacerba demasiado y siempre he tenido un problema en eso porque incluso los productores están pidiendo, “Aquí llora, llora”. Dices tú, “¿Por qué tienen que llorar? ¿Por qué?”.

Tengo mucho problema con el melodrama yo. Yo tato de alejarme de eso. Es esto, de una falta de libertad creadora con algunos directores. También falta de disciplina con algunos actores. Es que, como tú bien sabes, mi generación y yo fuimos educados de una manera muy seria, con mucha precisión.

Con lo que yo me encontré fuera de la escuela fue totalmente con lo contrario, no de todo mundo porque actores que yo quiero, admiro y que no estudiaron en el CUT, pero era difícil eso, adaptarme a estas cosas. En La ópera de los tres centavos se enojaron ahí un actor con otro. Uno le dice al otro, “Pues le voy a dar siete días porque yo ya me voy. Si no me das mi primer crédito, yo me voy”. Después de haber ensayado casi dos meses. Yo digo, “En mi escuela eso jamás”.

Ni siquiera sabía yo que existía eso de que das los siete días, pero ni en cuenta. Decía, “¿Cómo es posible que hagan eso? Y son actores profesionales”. Por fin la productora ahí que era muy, muy inteligente, los calmó y ya, pero estaban dispuestos. ¿Qué íbamos a hacer nosotros en siete días para preparar un actor?

Eso es algo que el ambiente como que lo ve normal. También ve normal no estudiar mucho, “¿Para qué? Hay que ser espontáneo”. El estudiar mucho, el saber tu personaje no te quita espontaneidad, sino que te vuelve menos pendejo. Perdón.

Nicoletta: No, sí, tienes razón.

Margarita: ¿Cómo? Yo lo que noto tanto también en algunas puestas en escena, sobre todo los jóvenes, que no rascan el texto, no le meten más coco a estudiar lo que están haciendo y se vuelve algo como muy superficial. No en todos, pero sí siento esa superficialidad que nosotros nunca teníamos. Al contrario, era una preocupación no llegar bien al estreno. Aquí hasta estás en una obra el lunes, luego otra el jueves y sábados y domingos estás en otra.

Tenía un alumno que me dijo, “Ay, maestra, ¿ya fue a ver las obras en las que estoy?”. “¿En cuál estás?”. “Estoy en esta de los jueves. pero el sábado y el domingo también estoy en esta otra. Ay, vaya maestra, no sea mala”. Yo dije, “Sí, sí voy”. Fui a verlo. Para esto me había encontrado a otro que estaba con él en una de las obras y nada más por probar dije, “Ah, sí. Oye, y ¿de qué trata la obra?”. “Ay, no es una tragedia, maestra. Horrible. No hombre, es una mujer que se da cuenta que su mamá es una prostituta, se llevan muy mal y se suicida la muchacha. Es muy tremenda”. “Ah, y ¿cómo sientes?”. “Bien, está muy bien”.

Al otro muchacho que me dijo, me lo volví a encontrar y me dice, “Maestra, le voy a dejar sus boletos para que vaya a ver la obra”. Nada más para calarlo, “Oye, cuéntame de qué trata la obra. Ándale, cuéntame”. “No, no quiero arruinarle”. “No, no, dale, cuéntame”. “Es chistosísima, maestra. Es chistosísima, no sabe. Es una mujer bien loca, que es como prostituta y bien chistosa. Nomás que la hija es media deprimida”.

Me contó una historia diferente a la otra, que ni siquiera saben la anécdota, no tienen ni siquiera la misma anécdota. Fui a verlas y dije, “Bueno, espero no encontrármelos para no decirles mi opinión”.

Qué bueno que no me los encontré porque, ¿sabes lo que yo vi ahí? Lo único que cambió, porque fui a ver una obra de uno de esos de la prostituta y luego lo vi en la otra, en otra obra que él me había invitado, lo único que cambió de una obra a otra es el nombre de la obra, el nombre del teatro, el vestuario y el nombre del director, pero no había nada diferente en lo que él estaba haciendo en una obra a lo estaba haciendo en la otra interiormente. No había una búsqueda, no había nada.

Creo que nosotros recibimos una educación maravillosa, pero a veces se conflictúa con lo que esperan los actores en este momento y cómo se está haciendo el teatro. En este momento estoy trabajando con un director que ni siquiera hace trabajo de mesa. Lo cual me preocupa mucho, pero como ya dije al principio de este podcast, él es un hombre sensible, ama el teatro y es un hombre muy inteligente, pero si eso está en manos de otro director no me quiero ni imaginar qué sería La gaviota.

Esos son los obstáculos artísticos que tengo, que me preocupan porque luego no me puedo acomodar.

Nicoletta: Para ti el criterio principal para aceptar o rechazar un proyecto, ¿cuál sería?

Margarita: Que la obra me llegue al corazón, que nos diga algo importante y enriquecedor acerca del conocimiento de la naturaleza humana. Si tiene eso, maravilloso. Si tiene un personaje que me va a exigir, que es difícil y que me atrae o donde yo puedo encontrar cosas de mí misma ahí, como dije al principio de este podcast, claro que lo acepto.

Depende mucho también quién va a dirigir porque también pregunto eso, “¿Quién va a dirigir esta cosa tan maravillosa?”. A veces hasta, si no tengo mucha confianza en ese director, la obra misma es tan maravillosa, que me está dando tanto, que claro que lo voy a hacer. No quiero ser ese tipo de actriz que andar juzgando, “No, con este director sí. Con este director no. Con este sí. Con este no”. Yo no quiero ser así.

Nada más necesito estar consciente de la dificultad este que tiene el material dramático que voy a emprender y ver si lo puedo hacer. Como esta vez de La gaviota, dije, “Ay, no, pues sí, ¿de qué tienes miedo? Ya vámonos y trata de aprender de lo que puedas hacer”. Como te dije, no tomo un proyecto donde sí me doy cuenta desde un inicio que es simplemente una ocurrencia y que vamos a hacer algo nuevo sin saber qué demonios vaya a ser. Eso sí no es para mí.

Nicoletta: Muchísimas gracias por compartir todo esto. Yo creo que son cosas que los actores en general y más los jóvenes actores ahorita tienen que tomar en cuenta para marcar una diferencia en el trabajo que están haciendo ellos sobre el escenario y frente a cámaras. Muy bien has dicho, en televisión es un medio difícil porque no hay tiempo de ensayo, se dirige tráfico principalmente.

Si tú no tienes un buen conocimiento de ese personaje difícilmente vas a hacer un trabajo que sea algo memorable, donde te estás comunicando con la otra persona. Ahora gracias a Dios ya no se usa el apuntador, pero cuando nos exigían usarlo–

Margarita: ¿Te acuerdas? No, no.

Nicoletta: Yo veía los ojos en blanco, así como de la gente que ni siquiera leía el libreto porque llegaban confiadísimos de que se plantaban el apuntador y adelante. Yo no podía llegar sin haber estudiado mis escenas porque, “¿Qué voy a hacer?”.

Yo te iba a preguntar también, ¿cuándo fue que tú decidiste? Mira, te voy a decir, porque mi criterio era, yo viéndote a ti y a toda tu generación haciendo un teatro tan maravilloso y yo empezando a estudiar teatro y todo, yo decía, “Bueno, yo nunca voy a aceptar cosas en televisión. ¿Qué es eso? No sé qué”.

De repente empiezo a ver que tanto tú como Julieta, como Delia, empezaban a hacer cosas en televisión y yo así estaba en la disyuntiva de, “Bueno, ¿sí podemos? ¿Se nos permite que todavía nos juzguen actrices?”. Porque era también esto mucho en la escuela de teatro, “¿Qué eres? ¿Eres actriz o estrella?”. Era el desdén entre marcar la diferencia entre una cosa y la otra, entonces, “No, no, yo no soy estrella, nunca voy a ser estrella, yo soy actriz. Yo sí soy actriz”, pero, “¿Qué hago?”.

Resulta que uno tiene que pagar las cuentas, tienes que aceptar lo que te dan y también hay que formar más nombre en la televisión. Por eso dije, “Okay, yo creo que tengo que hacer nombre en la televisión para que, a la hora de que yo haga teatro, la gente sepa quién soy y quiera ir a pagar un boleto”.

Margarita: Sí, eso es algo para lo que sirve la televisión, entre otras cosas, pero sí hay una crítica que quiero hacer a este tipo de educación que recibimos, que era muy prejuicioso, de que, “Si haces televisión ya eres mala actriz. No te juntes con ellos porque son malos actores todos, que son un lugar común”.

Estuvo muy mal eso. Eso a mí no me gustó nada porque incluso ahora hay muchas actrices que yo conozco que se vanaglorian. Dicen, “Yo nunca he hecho televisión”. Como diciendo, “Yo nunca me he metido en el lobo como tú”. Esto es para todos. El actor tiene que estar en todos lados, no hagan caso a los prejuicios de sus maestros. “Eso no, que esto así, que esto–” “¿Cómo que eso no?”. Imagínate, ¿por qué eso no? Necesito ver lo mal que se hace en la televisión o cuáles son los defectos para poder hablar de la televisión.

“Si yo he estado ahí y yo les puedo decir, “Esto, esto, esto y pasa esto y por eso no sale bien”. Necesito ampliar mi diapasón de conocimiento. “Ahora voy a hacer cine”. ¿Cómo es el cine? Muy distinto de la televisión. Imagínate cerrarte nada más a dos directores y ya. Hay gente que así es. Dice, “A mí no me interesa la televisión, Margarita. Qué bueno que tú haces, pero yo, ¿por qué?”. Yo digo, me parece muy bien y tienen la libertad de pensar así, pero no critiques a los actores que hacemos televisión a veces porque lo hacemos bien. Hacemos lo que podemos. No es nuestra culpa que tengan una mentalidad diferente a la hora de armar las cosas y producirlas. Nuestro trabajo ahí tiene que ser bueno. ¿Por qué tiene que ser malo?

¿Por qué me voy a ahorrar yo una experiencia de trabajar en la televisión y de saber cómo es la televisión? Dentro de las horribles cosas que pasan ahí, yo necesito aprender. Luego me falta cabaret y me falta circo a mí ahorita. Necesito hacer eso. Son cosas que te enriquecen como artista. ¿Cómo te privas?

“Yo nomás voy a trabajar con tal director. Yo no, yo soy de un grupo de actores que nada más hacemos esto”. “Qué bueno que eres de la élite”. “Tú también eres de la elite, Margarita, no te hagas”. “No, es que yo escojo mis trabajos, pero yo no tengo prejuicios”. Por eso hice televisión. Por eso la gente me conoce. Además, me felicita porque hice un buen trabajo no porque hice un mal trabajo. Apliqué como pude lo que aprendí del maestro Mendoza.

Así es que es muy importante no tener prejuicio ante los medios, sino meterse y que no te cuenten, Nicky, que tú tengas tu experiencia y tú dices, “Yo sé porque yo estuve ahí. A mí no me cuentan”. Exacto.

Nicoletta: Te falta también empezar un podcast, Margarita.

[risas]

Margarita: No sé nada de eso. Me da tanto gusto saber que tú tienes tu podcast. Me encanta el nombre, La Pizarra.

Nicoletta: La usamos en todo, menos en teatro. En teatro no usamos La Pizarra. En cine, en tele, hasta en locución siempre se usa una pizarrita ahí también.

Margarita: Es maravilloso que tú estés haciendo esto.

Nicoletta: Muchas gracias.

Margarita: Habernos reencontrado. Esa noche que te vi en el teatro con John yo quería llorar de veras.

Nicoletta: Te iremos a ver otra vez, vas a ver. Te veremos pronto.

Margarita: Ya que John se sienta un poco mejor de su columna porque a ver si se aguanta tres horas estar ahí sentado.

Nicoletta: Llevaremos un cojincito extra. Como dices, “Hay que llevarse un buen cojín”. Yo creo que con eso ya aguantamos muy bien. Maggie, muchísimas gracias. No sabes en serio el gusto que me dio que hayas podido estar aquí. Mi podcast se ha engalanado realmente con tu presencia y con tu sabiduría. Esa forma tan linda, tan amena que tienes de contarnos, de explicar muy bien acerca de todo tu trabajo y de todos los consejos que se pueden tomar aquí para aplicarlos a la carrera de cada quien.

Así es que muchísimas gracias, Maggie, en serio. Ha sido una joya el platicar contigo el día de hoy.

Margarita: Gracias por invitarme, Nicky. Me siento muy contenta de haber estado aquí en tu podcast.

[música de fondo]

Narrador: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. No olvides suscribirte al boletín mensual en nickymondellini.com/lapizarra. Sintonízate la próxima semana para un nuevo episodio.

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Margarita Sanz Parte 1 – Habitando el Personaje

July 18, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

En este episodio de La Pizarra, tengo el honor de conversar con la increíble actriz Margarita Sanz. Te invito a unirte a esta charla llena de anécdotas y reflexiones sobre su vasta carrera en el teatro, cine y televisión. Aquí te comparto algunos de los momentos clave de esta primera parte de la entrevista:

– **Teatro Experimental:** Margarita nos habla de su amor por la experimentación teatral, especialmente en el CUT (Centro Universitario de Teatro), y cómo fomenta la creatividad entre sus alumnos.

– **Anécdotas Personales:** Recordamos con cariño sus experiencias en el CUT y la influencia positiva de mi madre, Joan Mondellini, en su formación actoral.

– **La Golondrina:** Comentamos sobre su participación en esta obra, que aborda temas importantes como la homofobia y la reconciliación familiar, y cómo ha impactado a los espectadores.

– **La Gaviota:** Discutimos su papel en esta obra clásica de Chéjov, reinterpretada con una visión contemporánea por Cristian Magaloni, y los desafíos de trabajar en esta versión innovadora.

– **El Enfoque del Director:** Margarita resalta la importancia de trabajar con directores que tienen una estructura bien pensada y permiten la creatividad de los actores.

– **Inicio de su Carrera:** Compartimos cómo comenzó a actuar y cantar desde pequeña, influenciada por su madre y sus amigas del Tapa Trío.

– **Consejos para Actores Jóvenes:** Margarita reflexiona sobre lo que significa ser actor y la importancia de conectar personalmente con los personajes.

¡No te pierdas la segunda parte la próxima semana!

Puedes encontrar a Margarita Sanz en Instagram como @margaritasanzactriz

Transcript

Margarita Sanz: Es un riesgo artístico muy grande esta obra de La Gaviota, pero no me importa. Me gusta experimentar. Ahí en el CUT todos nos educaron dentro de la experimentación. Esta obra es así también. No es que hagamos un teatro no profesional, es bastante profesional, pero tiene una visión de probar cosas nuevas.

[música]

Locutor: La Pizarra. Explorando las mentes creativas del mundo del entretenimiento. Aquí está tu conductora, Nicky Mondellini.

Nicky Mondellini: Me da muchísimo gusto que nos acompañes hoy en La Pizarra. Yo soy Nicky Mondellini. Quiero darte las gracias por seguirnos porque con tu participación, hemos llegado ya a la novena temporada de este pódcast. Como ya habrás visto, tenemos más de las entrevistas que tanto esperas con expertos en diferentes áreas del mundo del espectáculo.

Hoy definitivamente no es la excepción porque tengo un episodio muy especial. Esta es una invitada a quien yo le tengo un cariño enorme y la he admirado toda la vida. Ella es una de las actrices más aclamadas en México y también a nivel internacional por sus grandes actuaciones en teatro, en cine y en televisión. Me refiero a la inigualable Margarita Sanz.

Además de haber recibido varios reconocimientos a lo largo de su carrera por parte de varias organizaciones de teatro como la APT, la AMCT, Margarita también ha recibido varios premios Ariel por sus actuaciones en Frida, El callejón de los milagros, por la cual también recibió premios de festivales a nivel internacional y también recibió el Ariel por La habitación azul, además de varias nominaciones.

En 2023 se le otorgó un premio por su trayectoria, por sus 40 años de carrera, en la primera edición en México de Mexica Film Awards. Margarita comenzó desde muy pequeña a pisar los escenarios.

Después de realizar sus estudios de arte dramático en la escuela teatral de Bellas Artes y más adelante en el CUT, el Centro Universitario del Teatro de la Universidad Autónoma de México, Margarita comenzó a participar en varios programas de Televisa, del Canal Once, bajo la dirección de excelentes directores como el maestro Héctor Mendoza, Miguel Sabido, Julio Castillo y Miguel Córcega, entre otros.

Sus actuaciones en telenovelas incluyen Quinceañera, Amor en silencio, La calle de las novias, Amor de nadie, Las Juanas y Montecristo, entre otras, y varios programas de Mujer, casos de la vida real y Lo que callamos las mujeres. También en la serie argentina Posdata y El once en la historia con el programa de Carlota de Habsburgo, entre varios otros.

Si yo me pusiera aquí a darles todas las cosas que Margarita ha hecho, me tardaría dos horas antes de empezar la entrevista, así es que les estoy resumiendo un poquito, pero sí les voy a mencionar las obras de teatro, algunas en las que ha participado, como In memoriam, Vámonos a la guerra, que a mí me tocó ver en el Festival Cervantino cuando yo era pequeña, también La ópera de los tres centavos, Crímenes del corazón, La Golondrina, más recientemente. También estuvo en Una pareja abierta, muy abierta y más recientemente en La gaviota, por nombrar solo algunas.

Ahora sí, acompáñame a explorar la mente creativa de Margarita Sanz. Maggie, bienvenida a La Pizarra. ¿Cómo estás?

Margarita: Hola. Muchas gracias por esa hermosa introducción. Me hiciste viajar en mi vida porque quiero decirle al público que yo conocí a Nicky desde que era una niña pequeña, hermosísima, con su pelo hasta la mitad de la espalda. Iba muchas veces al CUT, al Centro Universitario de Teatro, donde yo tomé clases con su madre adorada. Su madre fue mi maestra. Es una maestra que yo quise mucho y que aún ahora, claro, la quiero muchísimo.

Joan Mondellini, que nos dio clase de tap, nos dio clase de jazz a todos los actores que estábamos ahí tomando clases. La quisimos muchísimo. Tengo que decir esto, Nicky. Tengo que decirlo.

Nicky: Adelante, Maggie. Adelante.

Margarita: Descanse en paz tu padre, pero resulta que a veces a Joan, la mamá de Nicky, la dejaba en la escuela, en el Centro Universitario de Teatro, que antes de pasar a las instalaciones de la UNAM, porque pertenece a la UNAM el Centro Universitario de Teatro, estaba en una casa muy vieja esa escuela de teatro.

Todas las muchachas de mi generación nos reuníamos en la ventana. Era una casa preciosa, por cierto. Una ventana antigua a ver cuando llegaba Joan porque la dejaba en la casa su esposo, el papá de Nicky. Era un hombre italiano, guapísimo. Todas decían, “Ya llegó Mario”. Mario es el nombre del papá. Con todo respeto, Nicky. Es que yo recuerdo, nos daba una risa, íbamos todas a la ventana, ni saludábamos a Joan, decíamos, “Hola, Mario”.

Mario sabía que nosotras estábamos ahí de fans de él y se ponía rojo, con sus lentes oscuros. Era un hombre grande, alto, guapérrimo.

Nicky: Bigotón.

Margarita: Sí. Nos decía, “Hola”. Era una risa cada vez que íbamos, porque llegaba, “Ya llegó Joan. Ya llegó. Va llegando. Vámonos a la ventana”. Era una ventana que daba justo a la calle donde ella entraba. Fue una gran maestra. Aparte de Mario, ella fue una increíble maestra. En mi última obra, La Golondrina, me dio tanto gusto ver a Nicky y a su mamá, que fueron a ver la obra.

Me encantó ver a Joan, que no la había visto en muchos años. La quería apachurrar y comérmela. Me dio mucho gusto verla, Nicky, de verdad.

Nicky: Qué bueno.

Margarita: Realmente la aprecio muchísimo. Aprecio todo lo que yo y mi generación aprendimos de Joan Mondellini, de verdad.

Nicky: Mira, la verdad, ella tiene recuerdos maravillosos. Para ella, trabajar con ustedes era increíble. Qué generación tuviste. Tenías compañeros increíbles. Estaba Humberto Surita, estaba Blanca Guerra, Julieta Egurrola, Rosa Bianchi. Qué cosa. Ella siempre ha tenido un cariño muy especial por todos ustedes y por ti, obviamente, Maggie.

Cuando ella me mencionó, yo iba a ir a México en el verano, y me dijo, “Oye, Margarita va a estar en una obra, justo coincide cuando vienes”. Yo, “Vámonos. Ahorita compro los boletos”. No me la quise perder. Siempre es una gran lección en actuación, en una inmersión absoluta en el personaje, que fue una obra un poco difícil para ti. Cuéntanos un poquito acerca de La Golondrina. Ya no está en temporada. Es una obra fuerte. Qué barbaridad.

Margarita: Es una obra, fíjate, muy importante por su contenido, porque está basada en un hecho muy trágico. Hubo un atentado terrible en el 2016 en un bar gay en Orlando, Florida. Entró un loco ahí a matar a más de 50 personas. La obra, aunque no narra ese hecho de manera específica, se trata de una maestra de canto que está dando clases a este muchacho que quiere que le dé clases ella a él.

Ella perdió a su hijo homosexual ahí adentro de ese bar. Se lo mataron, pero nos vamos enterando de las cosas de una manera paulatina dentro de la obra. Es una obra escrita por un catalán, Guillem Clua. La forma en que escribió esta obra es precisamente eso, porque te va dando los detalles, no de un jalón, sino que vas aprendiendo a través de la obra quién es esta señora, cuál era la relación que ella tenía con su hijo, quién es este muchachito que insistía en que ella le diera clases de canto.

Se desenvuelve la obra en donde este muchacho lo que pasa es que era pareja de su hijo. Ella nunca aceptó la homosexualidad de su hijo. Lo aceptó muy tarde, cuando su hijo fue asesinado. Es una obra que encierra una conversación muy importante que se tiene que tener en la sociedad mexicana, en las familias, en las instituciones educativas, en las instituciones religiosas, contra la homofobia.

Por eso, porque maneja estas conversaciones tan importantes, esa obra de La Golondrina es tan importante, gustó muchísimo a la gente. Había personas que tienen ciertos prejuicios, todos lo sabemos, pero que incluso se reconciliaron con sus hijos, que habían tenido problemas por su orientación sexual, y se volvieron a juntar.

Yo sé de dos madres que tuvieron esa esa situación de volverse a reunir con su hijo porque vieron la obra. Te tienes que dar cuenta. Es que tú no sabes cuánto va a durar tu hijo o tú. La vida es así.

Esta señora, ¿qué iba a saber que esa noche le iban a matar a su único hijo? Es una obra muy fuerte. Tiene momentos muy chistosos, por cierto. Tú la viste. No todo es obscuro. La gente salió muy contenta, muy llena de un conocimiento importante que tenemos que tener todos. Esa obra realmente me marcó mucho y la disfruté mucho, aunque sufrí en un momento dado.

Hay una lección muy importante, que la razón de tu existencia es realmente que te importe muchísimo la vida del otro. Si no te importa la vida de los demás, el sentido de tu vida está un poquito torcido. Ese mensaje y ese tema era muy importante y se translucía a lo largo de la obra. Me gusta mucho esa obra, realmente. La guardo en mi corazón.

Ahora estoy dentro de otra ave. Ya no es la golondrina, ahora es la gaviota.

Nicky: Ahora es una gaviota.

Margarita: Ya cambié de pájaro. Es una obra muy importante. Es una obra de [unintelligible 00:11:34]. Es un clásico ruso, pero es una visión muy contemporánea. El director es joven, es un hombre apasionado. Cristian Magaloni, se llama. Él hizo una versión diferente porque es del siglo XIX esta obra. Siempre que se monta la obra, se monta de una manera muy convencional. Se usa incluso en las escuelas de teatro para hacer ejercicios de actuación con esa obra.

Esa obra se ha montado muchísimo, además, a lo largo de la vida y del mundo. Esta versión que nosotros estamos haciendo y que acabamos de estrenar– Por eso estoy pintada. Mi pelo está muy güero. Es una caracterización que tengo de mi personaje.

Nicky: Se te ve muy bien.

Margarita: Gracias. Es una actriz que se llama Arcádina y tiene un hijo que se llama Treplev y tienen problemas de comunicación. Qué raro, ¿verdad? Entre madre e hijo. Es una familia disfuncional, pero dentro de todo, lo que quiso Cristian Magaloni es, todo tiene que hablarse, todo tiene solución.

A veces hay personas en la vida que tapan el sol con un dedo y no quieren enfrentar su vida y sus problemas. De eso también trata la obra, pero es una visión muy jovial. Creo que la gente joven del público, porque ya hemos dado tres funciones– Dimos ciertas funciones especiales y vimos la reacción de la gente. La gente joven está fascinada con la obra, les gusta mucho.

Hay gente más conservadora que prefiere ver la obra hecha de otra forma, pero para mí, tengo mi edad, no soy tan joven, para mí es un riesgo artístico muy grande esta obra de La Gaviota, pero no me importa. Me gusta experimentar. Ahí en el CUT todos nos educaron dentro de la experimentación.

Esta obra es así también. No es que hagamos un teatro no profesional, es bastante profesional, pero tiene una visión de probar cosas nuevas, darle una frescura a un texto que es viejo y que, además, la gente joven necesita ver las cosas de otra manera. A mí me da gusto este riesgo que estamos tomando. Estoy aprendiendo mucho de mí como actriz. Me gusta mucho mi personaje, que es una mujer muy egocéntrica, pero luego no.

Está muy preocupada por su hijo porque tienen ahí un conflicto. Él hace teatro. Él también es un escritor joven que quiere hacer teatro, pero él hace teatro más abstracto. Su mamá, Arcádina, no está de acuerdo con la forma en que él ve el teatro. La obra también trata temas teatrales en donde todos los actores que vayan a ver la obra van a estar involucrados en lo que se está diciendo en esa obra.

También las personas que no sepan de teatro van a entender que hay diferencias entre estos dos personajes. No quisiera decir de qué más trata para no estropear a las personas que quieran ver la obra, pero estoy muy contenta con esa nueva disposición mía. Porque a veces los actores nos acostumbramos a estar nada más demasiado protegidos por nuestra propia mente.

A veces es bueno decir, “Voy a olvidar esto. Aquí se está trabajando de una manera muy diferente a como yo estoy acostumbrada. Voy a tratar de ajustarme”. En lugar de criticar y juzgar, primero entra al proyecto y ve de qué se trata a ver si puedes realmente con este experimento. En ese plan estoy, Nicky, de entrar a La Gaviota de esa forma y aprender de ello. Si no, no hubiera tenido la experiencia.

Nicky: Definitivamente. Eso es muy bonito que lo digas porque–

Margarita: Tú eres actriz. Tú sabes.

Nicky: Yo sé. Fíjate que lo que veo es que tienes razón, de que cuando tienes una idea muy convencional de cómo deben ser llevadas a cabo ciertas historias, sobre todo los clásicos, romper con todo eso y entrar a una propuesta nueva. Qué bonito que lo digas tú, con toda la experiencia que tienes. ¿Qué es algo que a ti te gusta de un director de teatro? Algo que tú necesitas para poderte sentir bien, poder proponer y poder sentir que realmente estás desarrollando algo, descubriendo algo en todo el proceso de los ensayos.

Margarita: Que el director no esté haciendo su trabajo en base a ocurrencias. Una cosa es que tú estés haciendo una investigación y otra cosa es que lo que se te ocurra, ahí lo metes. Donde no hay una estructura temática, donde quién sabe qué quieres decir, donde, “Lo que sea. Ahora voy a meter esto. Ahora voy a meter esto otro de acá”, en donde todo se vuelve un desorden temático, artístico, físico y donde no hay realmente un plan de trabajo.

Este director, por ejemplo, no hace trabajo de mesa, que yo considero tan importante. El trabajo de mesa lo hace a través del montaje de la obra, ya con los personajes ahí, viviendo y moviéndose, lo cual es totalmente nuevo para mí, pero no es un hombre poco inteligente ni que se basa en hacer tonterías superficiales, porque las ocurrencias tienen mucho de superficialidad.

No están diciéndote nada, son abstracciones que no tienen estructura dramática, que no tienen nada. Aquí, con Cristian, es diferente. Él no está haciendo su trabajo en base de ocurrencias, sino que está tratando de ver la historia desde otro punto de vista, que es muy distinto. La obra ya tiene su estructura, tiene su eje.

Estando el eje ahí, estando una obra que se puede contar, que tiene una historia interesante y un director que no está haciendo las cosas según sus ocurrencias, sino según lo que quiere investigar con los actores, para mí es muy importante y, sobre todo, que el director permita la creatividad de los participantes, porque yo ni ningún actor es una copia Xerox de lo que se le ocurrió al escritor.

No somos una copia. Tenemos nuestro mundo interno, los actores, y tenemos que ponerlo en juego con el personaje que nos ofrecen, porque por eso es la diferencia de un papel. Yo te ofrezco un papel, Nicky. Ahora, este papel, tú regrésamelo con carne, con músculo, con nervios, con cuerpo. Házmelo tuyo. Ese hacérselo tuyo, ahí es donde interviene mucho el mundo interior del actor.

Mi mundo interior, el de Margarita, va a ir a dar con Arcádina. Como decía Meryl Streep muy bien dicho, “No es que tú vayas a meterte en personajes diferentes a ti, sino que encuentres en esos personajes lo que tienen de ti”. Es muy diferente. Poder hacer esta comunión con ese personaje y pasarlo por una gama de filtros que tú tienes adentro de ti.

Es por eso que los personajes hablan mucho de quién eres, de por dónde andas tú como ser humano. Son un espejo, de pronto. Hasta los defectos que tiene Arcádina yo tengo que reconocer que yo también los tengo, tal vez. Si lo entiendo también es porque tal vez los tengo yo también.

[risas]

Margarita: Es muy posesiva. Es que su hijo se salió de la universidad para irse a meter a una hacienda, porque todo se lleva a cabo en una ascienda que está perdida en el mundo, allí a escribir sus obritas. Estoy verdaderamente, furiosa, ¿por que se salió de la universidad? ¿Ahí qué va a hacer? ¿A quién va a conocer ahí en ese monte? Además, escribiendo estas obras, que para mí son ocurrencias, para Arcádina pero, para él no.

A lo largo de la obra, nos damos cuenta que eso que él escribe, sí tiene un público, sí tiene gente que lo sigue, pero el problema es él. En este mundo, querida, hay personas y están envueltos en personajes de obras de teatro, que le echan la culpa de todo lo que les pasa en la vida a los demás. Ellos no toman responsabilidad por su vida. Todo es tu culpa, tu culpa, tu culpa, nadie me quiere, nadie me quiere hacer caso, no toman las riendas de sus vidas en sus manos y están culpando a los demás de todo.

Si tú no te responsabilizas por tu vida, nadie va a poderte ayudar. Esa es la mentalidad que tiene mi hijo y me preocupa muchísimo y además no tiene sentido del humor, y hay que aprender a reírse de uno mismo. Eso es lo que estoy aprendiendo a hacer en esta obra, un poco, tal vez haga el ridículo, pero estoy aprendiendo a reírme de mí misma. Eso es ser inteligente, no tomarte tan en serio. Eso es lo que me está enseñando este personaje, a parte de todas las cosas, a veces, desagradables que suceden en la obra, pero tiene partes muy cómicas también.

Porque si no hay contraste, ninguna obra te aguanta tanto, si no hay contraste. Estas obras de la época de Chéjov, Grinberg, Ibsen son muy densas, son muy densas y el sentido del humor, como que brilla, pero por su ausencia. Aquí, en esta obra, estamos tratando de– Cristián, trata de que todo tenga un sentido del humor porque sino se vuelve muy denso, y la gente se empieza a alejar de ti, en lugar de estar cerca de lo que está sucediendo.

Nicky: Ahorita estamos grabando el podcast, familia, 2 de febrero. ¿Cuánto tiempo más van a estar en cartelera?

Margarita: Estrenamos el 30 de enero, el mes pasado, el día 30 empezó y fue muchísima gente.

Nicky: ¿Cuántas funciones están planeando dar?

Margarita: Más o menos 16 funciones. Esa es otra cosa que necesita saber el púbico, tu amplio público, que es de muchas– Digo, también de Estados Unidos que nos ven. En México, a veces, es muy difícil conseguir teatro. Es muy difícil conseguir recursos económicos para hacer obras de teatro, aunque seas conocido, es difícil. Entonces, te dan temporadas cortas. La Golondrina, nada más fueron 45 funciones y nada más. Porque esos teatros en donde estamos, muchos actores y artistas quieren estar ahí, hay una lista y hay una cola de actores y actrices que quieren estar ahí. Nosotros tenemos el teatro hasta el 16 de abril.

Nicky: Vamos ahorita a regresarnos un poquito en el tiempo porque, yo quisiera que nos hablaras un poquito de ese comienzo tuyo y cuando empezó, ahora sí, de cuando te picó el mosquito de la actuación, que tiene algo que ver con el Tapa Trío, ¿cierto? Escuché por ahí en una entrevista que hablaste de tu madre, llévanos un poquito a ese tiempo y a ese despertar tuyo en la carrera artística.

Margarita: Fíjense, que yo tenía siete años y yo oía mucho música, porque mi mamá era norteamericana. Se casó con mi papá, que era mexicano, y vivíamos en Guadalajara. Mi mamá tenía un pianista que se llamaba Toribio y Toribio iba a la casa a acompañarle en sus canciones. Ella tenía muchísima partitura de música norteamericana. Ella cantaba y conoció a estas dos personas, que fueron tías mías, porque fueron grandes amigas, a Ruth Barreto y a Audrey Oppenheim y mi mamá.

Las tres, se juntaron un día en una fiesta y empezaron a cantar y se dieron cuenta que sus voces hacían muy buena armonía las tres. Empezaron a hacer un trío y cantaban en congresos. Uno de los esposos de una de las señoras era hotelero. El otro era industrial y mi papá era pediatra. En todos los congresos de medicina, en los congresos de industriales, en los congresos de hoteleros, allí estaba el Tapa Trío cantando en los eventos.

Se les ocurrió a ellas, “Oye, ¿por qué no hacemos un coro de niños y les enseñamos a cantar aquí en la colonia americana?” Obviamente, abrimos la invitación para niños mexicanos que quieran venir. Nos juntábamos todos los viernes a cantar en coro. Yo empecé con la música desde muy chiquita, desde los siete años empecé a saber cuál es la segunda voz, cuál es la tercera voz, cuál es la melodía, es decir, la música fue una parte de mi cuerpo.

Me encantaba a mí, en ese entonces, estamos en los años ’60, eran muy populares Angélica María, Enrique Guzmán, César Costa y Alberto Vázquez. Angélica María cantaba una canción que se llamaba Edi Edi y a mí me encantaba Edi Edi, solo vives para mí, ta, ta, ta, ta.

Nicky: Muy pegajosa, muy pegajosa Edi Edi.

Margarita: Lo que hacía yo, era poner el disco en 45 revoluciones, porque nosotros teníamos discos de revoluciones en mi época, y cantar Edi Edi haciendo lip sync, haciendo de cuenta que yo era Angélica María y que yo cantaba Edi Edi. Mi mamá un día me descubrió en la esquina de la sala, que yo estaba cantando y se empezó a reír de mí, me dijo, “Oye, qué chistosa eres, Margarita. Tú vas a ser actriz”, y desde que ella dijo eso, ya no hubo más el coro, el que yo quería actuar y hacer reír a la gente.

Estas tres mujeres maravillosas lo que hicieron fue conseguir dinero de sus maridos y irse a Nueva York a comprar los derechos de comedias musicales norteamericanas que llevarán niños para poder organizar comedias norteamericanas y presentarlas a beneficio de un orfanatorio que era del doctor Banda, se llamaba. Esto, desembocó en eso, porque antes lo que era Nicky, era que, quitábamos todos los muebles de mi casa y poníamos sillas y mi mamá mandaba a construir un pequeño escenario que tenía un telón.

Toda la colonia americana y todos los vecinos y todos los pacientes de mi papá, se dejaban venir, porque dábamos cuatro funciones al año y se llamaba Sing for your Summer, que significa canta para tu verano. Tú pagabas MXN$5 en la entrada y todo el dinero iba a ser para este dispensario de niños huérfanos. Yo desde chiquita estaba en el show, ya sea, cantando con el coro o cantando a dueto con el hijo de una de las señoras que siempre nos encontraban canciones para hombre y mujer, para cantar los dos.

Annie get your gun, muchas, sobre todo, obras norteamericanas conocidas, Oliver Twist. Yo salía en todos esos numeritos, ahí en mi casa. Yo no conocí otra vida más que estar en el escenario ahí. Claro que tenía que ir a la escuela, yo iba a una escuela francesa y mexicana. Tenía yo que hablar francés a fuerza. [idioma Francés].

Nicky: [idioma Francés].

Margarita: En la escuela yo me portaba mal porque era muy inquieta, y luego mis maestros, a veces, no tenían sentido del humor, eran muy serios. Yo siempre hablando y yo ya había entendido lo que habían dicho, entonces yo ya me aburría, y yo ya quería hacer otra cosa. Sí, me portaba mal, pero luego ya me empecé a portar bien. Cuando mi mamá me dijo, “Mira, Margarita, si tú quieres ser actriz, tú tienes que sacar buenas calificaciones, sino nosotros no te vamos a ayudar a ser actriz, ni tu papá, ni yo”. Nada más me dijo eso, me saqué el primer lugar desde ese día.

Nicky: Ese fue todo el motor que necesitaste.

Margarita: Lo que diga mi maestro, no problem, las horas de arresto se acabaron, los regaños se acabaron. No, no, no, no, yo era una joya en la clase.

Nicky: Enfocada desde ahí, bueno, no hubo problemas.

Margarita: Todo empezó a evolucionar de esos shows que hacíamos en la casa, lo pasamos al teatro experimental de Guadalajara, que es un teatro ya grande. Siempre teníamos orquesta, contratábamos orquesta y luego nos pasamos al teatro del IMSS, del seguro social, al teatro Guadalajara que es mucho más grande. Empezó a crecer eso muchísimo.

Nicky: Hasta aquí llegó la primera parte de la entrevista con la maravillosa Margarita Sanz. Muchísimas gracias por acompañarnos y no te vayas a perder de la segunda parte la semana que viene porque va a estar cargada de unos consejos maravillosos invaluables de Margarita para todos los que nos dedicamos a la actuación, hasta pronto.

Locutor: Gracias por acompañarnos en La Pizarra. No olvides suscribirte al boletín mensual, en nickymondellini.com/la pizarra. Sintonízate la próxima semana para un nuevo episodio.

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Joan Baker part 2 – Joan Baker´s Path to Voice Over Stardom

July 11, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

Get ready for the second part of our inspiring conversation with the multi-talented Joan Baker! In this episode, we delve deeper into her career, exploring her experiences as a voice actor, on-camera host, producer, and educator.

Joan shares valuable insights on the importance of self-discovery and discipline in achieving excellence. She also opens up about her philanthropic endeavors and her commitment to empowering aspiring voice actors through education and mentorship.

Tune in as Joan reveals the secrets behind her success, her passion for giving back, and her unwavering belief in the power of the human voice.

Highlights:

  • Joan’s experiences as a voice actor, on-camera host, and producer
  • The creation of SOVAS and its impact on the voice acting community
  • Insights on the importance of self-discovery, discipline, and mentorship
  • Joan’s philanthropic work and commitment to empowering others
  • The power of the human voice and its ability to connect and inspire

Don’t miss Part 2 of this captivating interview, and get ready to be inspired by Joan Baker’s incredible journey!

Dive into inspiring stories from leading experts in voice over and learn the key elements to building a successful career in this fascinating industry with Joan’s Baker’s book:

 “Secrets of Voice-Over Success: Top Voice-Over Actors Reveal How They Did It”. Find it here: https://a.co/d/cglnsSy  

You can email Joan Baker for private coaching at joan@sovas.org using “La Pizarra” or Nicky Mondellini as a reference on the subject.

Also find her on instagram as @joanthevoice

Transcript

Joan Baker: Scene study is to me the best or the first thing in acting I would study.

Nicky Mondellini: Next would be improv, for example?

Joan: I think improv is very important.

Speaker 1: La Pizarra the slate Exploring creative minds in the entertainment industry Here’s your host Nicky Mondellini.

Nicky: Welcome to another episode of La Pizarra. My name is Nicky Mondellini and I’m very happy that you’re joining us today because we have part two of the interview with the amazing Joan Baker. Enjoy.

Joan: Voiceover all the jobs I was getting I was also studying acting. When I was in this acting class and it was advanced class, there were a lot of actors that were actors doing TV and film. At the beginning of class when the teacher would say, “What jobs have people booked?” Very few people and actors were raising their hand saying, “Oh, I booked this or booked that.”

When you book a job as an actor, you might not have another job for six months. You may have that job for 13 weeks but then you might not work for six months. In voiceover, things are very quick turnaround. I was constantly raising my hand and then I was talking big brand jobs. The school hired me to teach.

Nicky: Wow.

Joan: Again, it was an acting school. They hired me to teach and then I took their roller decks and I got students. Also, some of the people my class took as well because they felt like, “Wow. She’s so successful.”At the same time, voiceover you can say a couple of brands, and people are like, “Oh my God. She’s a hit.” Or, “He’s a hit out there.” Anyway, that’s when I started teaching and that was in 1993.

I’ve been teaching for decades now, but that’s when I honed in my platform to teach and I also really loved it. One of the things I discovered in teaching was that I thought not only is this a second career although it’s under the same umbrella. Not only did I think it was a second career, but because the wildest things happen to you in New York when you’re auditioning and you’re not auditioning from home. There was never any home thing. It was all live until the pandemic for New York.

You end up learning and gathering a lot of things that maybe most people might not get when they’re at home and they’re only in their own head. I’m constantly getting feedback from producers and casting directors. I’m in the waiting room and I’m gathering information from just talking with my fellow voice actors. I learned a lot so I was able to share things right away and I knew that I wanted to be doing this too. What I did was, and I don’t know anyone else that was doing this at this time. I remember I would audition let’s just say.

I auditioned for David Letterman in 1993. As it turned out, it was between me and the girl that got the promos because he wanted a woman. The producer told me that. While I’m talking to him, I said “Will you come to my class and talk about the process?” I would have guest speakers that were producers or people that I wanted to network with. Not only was it a learning experience for the class on the highest level, but it was also a way for me to share my experiences and to network. It created such a hubbub.

Agents were speaking in my class that had never done it before. Casting directors were like, “Really?” It really created something special and I don’t know anyone else that was doing that. Again, it came out of what I would like and appreciate in a class. Of course, we worked on technique and performance, which I was getting all the time so it was always first-hand experiences and also the highest level of people in the industry because when you’re at a top agency, that’s what you’re dealing with. I realized I couldn’t live without it.

Nicky: It’s so interesting to hear you say how you started teaching because of your expertise but then you started to really develop it and like it and like to teach. Can you say who was maybe one or two of your teachers or mentors that really created or left a very big imprint in you that also inspired you to continue doing other things and everything that you do with your own technique in teaching?

Joan: You mean in voiceover or in general?

Nicky: I would say in general because it all ties into the entertainment industry but you can say one in general and maybe also someone in voiceover.

Joan: In general, when I studied dance, again, I had extraordinary women teachers. I had men teachers, but I ended up having extraordinary women teachers. One of them was Ann Reinking. She passed away a couple years ago now, but Ann Reinking was the hottest dancer on Broadway. She was Bob Fosse’s girlfriend. All that jazz was all about their relationship and all but she was an extraordinary teacher of mine. I studied with a lot of legends. If it was in African dance, then I studied with extraordinary African teachers. They happened to be women.

Jazz was my thing and everything I studied I poured into jazz. It created a uniqueness. Ann Reinking, there was another teacher named Betsy Howe. I had first heard about her– I don’t know if you remember the movie Flash Dance.

Nicky: Yes

Joan: It was such a big deal in the dance world but Betsy [unintelligible 00:06:20] I had heard of her because she was the original choreographer for the movie and she choreographed that movie without any music. It was really on the low end so she decided that she was going to leave. She left her choreography with the guy that ended up doing it with which was Jeffrey Hornaday. I had heard about her through behind-the-scenes in dance. I knew I wanted to study from her and I did.

In terms of voice acting, this is interesting. My first teacher was Joni Robbins. She is also passed away but she was someone that was more in the cartoon world and genius. Absolute genius and she was also a genius teacher. We became friends after my four sessions with her. She was the one I had four sessions with but for some reason, I worked really hard at it in those four sessions and I already had a natural ability to do things. I also paid my dues in other acting areas. It came together rather quickly and I can’t say that it’s happened to me all the time in my life. It has not.

I really loved that aspect. Joni Robbins I would say in voice acting. Believe it or not, I have not studied with a lot of teachers and voice acting as much as I was getting on-the-job training. I also taught for eight years or many years with Pat Fraley and we taught all kinds of things together. Then the pandemic hit and that stopped. He is an inspiration to me. His skills, his mind, his creativity, his spontaneity is something that truly has inspired me. I have tended in voice acting to use my intense experience being on the job because when I started there weren’t any teachers.

I think there was Joni and then there was another teacher that I heard of. Other than that, there really were no teachers and there certainly weren’t any teachers teaching at acting schools voice acting, and stuff. It just came from me.

Nicky: You also started in 2022 teaching and you’re pioneering at the Hartford.

Joan: University of Hartford, The Hartt School.

Nicky: You are pioneering the voiceover. I don’t know if it’s a program or a major or a class.

Joan: Actually, it is a program but this year I’m working with the school again to expand the program. For me personally, I will be teaching now twice a day on Tuesdays and Thursdays. I will be teaching voice acting twice a day, but I also plan on bringing in more guest speakers that can cover more in-depth around genres that I feel are important in today’s voice-acting world. I also teach the business. That just goes hand in hand.

I will also provide people that focus on the business, but probably on the industry side because we as voice actors really have to learn the language and the flow of people that hire us. I think that’s so important to hear from the people that hire us or hear from the people that facilitate because there’s always been a confusion there. People tend to be scared or nervous even being in the same room with them and they don’t know how to behave, and they certainly don’t know how to thrive. I feel like if I can break the ice, that’s going to help people to thrive.

Also, it’s going to help them to be able to have conversations with everybody in the business, not just their fellow voice actor, or not just an agent, but everybody. That’s one way to get work. Is to have conversations with everybody. Also, miracles happen in conversation. That’s how things happen. It’s important to be able to talk to everyone in the industry and have something to say to them, and listening to them and understand what they’re saying so that you can use that in your entrepreneurial business.

Nicky: What have you seen now with voiceover techniques or actually what is used, like the tendencies I would say probably that are being used now that have actually changed from, I don’t know. When you first started or maybe even 10 years ago.

Joan: Actually, I was doing these things when I first started, and it’s what I still implement today. That is that you have to use your whole body as an instrument in front of the microphone. It is not from the neck up. You have to incorporate everything. I’ve studied speech and diction. Yes, I had a little regionalism as most people do, but it really was more to discover my instrument from that aspect. It’s like learning Greek, or it’s like learning Italian when you study voice, from the speech and diction aspect. I had the best teacher, another inspiration of mine. Her name is Denise Woods.

What you learn from speech and diction, you can absolutely pour into voice acting and upgrade your performance and also your level of knowledge about what you’re doing. Taking a couple classes and then getting the microphone set up, you can’t even talk to people when you don’t know your instrument or you don’t know the craft and how the craft works through you.

I would think if you really want to do this, that you would be led to these things. You wouldn’t have to be convinced of doing it. That to me is the true performer. That they don’t have to be told. They might have to be told where to go, but I’m saying you don’t have to convince them to do it or that it’s a good thing to get coaching. Everyone on this planet gets coached when they’re in an art form or in a sport. That is not unusual.

One of the people that I coached that I ended up loving and partly because he loved education. Everything I said, he took to heart. There was never any skepticism or whatever. That was with the late Johnnie Cochran. I was his coach for three years when I was the voice of Court TV and he had a show on there. Court TV felt like he needed coaching because even though he was great in a courtroom, that doesn’t necessarily translate to television.

It was right after OJ trial. I believe the man was guilty as charged and I felt like I did not want to work with Johnnie Cochran. I thought about it and I said, “I’m not going to let my opinions get in the way of working with someone that I don’t particularly care for.” I ended up turning that train around and that was because of Johnnie. He was one of the most extraordinary students I’ve ever worked with and not because he was Johnnie Cochran, but because of his belief in education, because of his desire to learn and to take it with him.

I remember when I first started working with him, Court TV people, the cameraman, and the director of the show, because he did his own show, they called me up to tell me he was a different person after the days he worked with me on set. A different person.

Nicky: That’s a huge compliment.

Joan: I ended up working with him for three years. I also worked with other anchors like Nancy Grace and I worked with other anchors that weren’t such a high profile name on the air, but it was one of the best experiences. Coaching people that they’re not skeptical. You don’t have to make them do something, but they get it and they want to make their performances and their communication even sharper. It really is inspirational when you work with people like that, as opposed to, “I’ve always been told I have a great voice. How do I get into voiceover? All I need–“

No. You want to break into this industry amazing. That’s how you work, especially in this day and age. Otherwise, why not hire AI? This is something you want to jump through hoops over. As I say to people, to be the performer that you want to be, that I want to be, you have to become unrecognizable to who you know yourself to be in order to be a performer of excellence, a performer that has impact, and a performer that thrives.

Nicky: A transformation is needed definitely because–

Joan: Many. [laughs]

Nicky: You’re going to bring communication to another level and you have to back that up with training, with passion, and you have to put your whole body, your whole soul into it.

Joan: You have to learn how to tap into yourself at will.

Nicky: That’s easy. Not everybody does that.

Joan: No, it’s not, because we’re human too. You have to be able to do that and you can learn because the mechanism is already there. The greats that I would be learning from in dance, that’s what made them great and distinguished them from other dancers. That they were able to tap into something inside and bring that forth. That’s the stuff that heals. It’s not just the stuff that brings you an income, although there’s that too, but it’s the stuff that heals.

Nicky: For sure.

Joan: It’s the stuff that people are clapping about. It’s the stuff that people buy tickets to. It’s the stuff that gets people to buy products in commercials, audiobooks, being able to tap into something other than, “Yes, how do I do this?” By hook or crook, you’re getting insights from Facebook groups and you’re getting 2000 different opinions. That’s just not it.

Nicky: What is now your best advice for someone who wants to start their journey as a voiceover artist? That they know they have a passion for it, but they want to do it the right way. What is the best advice that you could give someone like that?

Joan: I think that’s not a totally easy question because actually, I get that question from all kinds of people all the time. If I don’t know them a little bit even, it’s really hard to give general advice. What I would say generally is I would work on myself first. I would work on my being-ness. For example, I would work on the areas in life that I have said no to and turn them into yeses. Why? Because later on when you do voiceover, when you have to be uninhibited in front of people that you don’t know and that could actually do something for your career, you have to show up uninhibited.

When you’re learning voice acting and you have a lot of issues, even if you don’t even know you do, but you have to work on certain things about yourself first, then I would go into acting class immediately. Some people already have that. If you have that, I would then basically choose a coach that can not just coach you on craft, on skillsets, but also in the industry. Because it’s one-on-one, it’s very different than taking a class. Everything is based on the class curve, where when it’s one-on-one, you can directly work with what people bring to the table naturally, but what they also need to work on.

You can work on that much easier one-on-one. Also, I think people automatically think, “Oh, I talk in real life, I can do that.” You have to bring a script to life. Jobs are actually based on your analysis of the script and then how you bring it to life. It is not based on your voice because we all know at an audition, we all are going to sound the same. It’s done by voice type. At that point, who gets the job? The one that breathes life into the script from their being.

You want to be able to, one, study acting because that’s one place you’re going to be able to tap into yourself. It’s not in vain, because you’re going to bring those acting skills to voice acting. Also, to be honest with you, what I would also do is, some people, they’ve been told they have a great voice, but when you’re talking to them and you’re in the industry, it’s no great shakes. As a matter of fact, even when you have a voice of God, you already know agents have plenty of voices of God on their roster. In a sense, it’s no great shakes, but it’s your responsibility to sharpen your vocal skills, right?

One of the best ways to do it is by singing. Not that you have to be a singer, but to develop the skills of a singer again, that deepens your instrument in terms of bringing the diaphragmatic breath, and tapping into which you can do when you are coming from the diaphragm. You tap into your solar plexus, which sits right behind the diaphragm. That’s where your emotional spontaneity lives. When you’re able to really work with your breath, and that you will definitely do in singing. There’s also other things you can do too but singing, you will definitely work with your breath.

Nicky: I think singing makes you to stretch your voice and notes in many different ways. I do that every morning to warm up my voice before sessions. I don’t feel right, I don’t feel my voice is in a good place unless I do that warm-up that consists of also singing. I think that if everybody could actually tap into that and continue that, what is a type of singing specifically maybe a style or something-

Joan: Oh, I’ll tell you.

Nicky: -that you would recommend.

Joan: Opera. Not pop, necessarily. Not like that. Opera. Opera singers have to tap into their instruments. They have to breathe in a particular way. They have to hold notes. They have to bring color, nuances. They have to bring that through the voice. What do us voice actors have to do? Bring subtlety and nuance to what we’re doing.

Nicky: Totally.

Joan: It’s the equivalent. Opera would be what I would do. By the way, you’re not doing opera to be an opera singer. I studied opera. Trust me, you would not pay to see me sing opera. What I actually focused on with the teacher were scales. I was studying for my voice to expand it, to deepen it, and also to let emotionality shimmer through it. That’s what opera does. The exercises I did weren’t just like, la, la, la, la la, la, la. It wasn’t like that. There was substance and things I’d never heard of that I was practicing and bringing to my voice that totally makes you stand out without trying to stand out.

Nicky: With the scales and everything, it’s a different part of your voice that sometimes you even surprise yourself that you can go there and [crostalk] about it.

Joan: I agree. Also, I happen to be someone, although I would not call myself a singer, although I have sung in my life, but I would not refer to myself as a singer. I don’t have a break in my voice. I could go very, very low on the scale, go very, very low, go to really, really high, past high C without a break. That was the one thing I had.

Nicky: That’s amazing.

Joan: But I’m not a singer. If that had been my ambition, yes, that would be huge. I always wanted to be an [unintelligible 00:23:23] dancer and singing was somehow in the middle. Yes. opera, singing.

Nicky: Definitely.

Joan: Acting, and in particular acting scene study class. This is why, because you’re not just doing monologues, you’re actually working with another person in situations where you’re talking in dialogue, not in monologue. What do we have to do in voice acting? Is to take the script and turn it into dialogue even though we never hear the other person. Now, of course, there’s scripts that have dialogue, but most of the scripts, especially in commercials and all, they’re just one person. We have to create dialogue as if we’re talking to someone. If my husband Rudy happened to walk by, as I’m talking to you right now, he would happen to overhear my point of view of the conversation, although, i.e. I’m in a conversation. That’s what we have to do as voice actors. Scene study is to me the best or the first thing in acting I would study.

Nicky: Next, would we improv, for example?

Joan: I think improv is very important. Remember earlier I said you want to be someone that you want to look at the different areas in your life that you’re saying no to. Obviously, if it’s something harmful, keep saying no, but I’m saying you want to look at areas in your life where you’re saying no and say yes, trust me, that’s improv. That’s the beginnings of improv. I love improv. I think it’s absolutely important to any art form, even dance.

In dance, there’s an art form maybe some might call it improv, but you learn these things in the arts. It’s a given. Yes, improv is very important. When I work with people, when I coach them one-on-one, I will have them say yes to things they normally say no to, because they definitely grow and transform and they actually end up really loving the thing they’ve been saying no to for years. That doesn’t happen right away because I don’t know the person well enough yet to say, “Oh, say yes to this,” but I have done it and it has been transformative.

It has opened up something inside and that’s what’s so important. Because when you’re a kid, if you really study kids, they’re constantly opening up something inside them and it gives them a reason to move. It gives them a reason to explore and to be curious. What is that? Improv. You don’t even have to spend money, even though improv is very cheap, but I’m saying, yes, definitely take improv. What I’m saying is you can start with your own life.

If we were self-loving in every area of our life, our dreams would come true really quick. When you have blocks and areas, it shows up somehow in your career as halfway there or there’s a lot of issues or you get stuck on one thing and you can’t get past it. Say yes to something in your life that you’ve been saying no to. You will see these things change and you may not even connect it to that, but it’s that. Because if we were self-loving in every area of our life, our dreams would be fulfilled immediately.

Nicky: They do, because we would finally give ourselves a chance to explore something that for some reason we thought we couldn’t do it or we shouldn’t do it. [crosstalk] to other–

Joan: There was a huge fear about it.

Nicky: Fear is a big thing that keeps us from doing those things that can be transformative.

Joan: I have done on myself a lot of using myself as a guinea pig. For example, if someone said to me, “Oh, you’re just afraid.” I don’t want it to stop there because that doesn’t create the breakthrough. What am I afraid of? What inside me creates that fear? Maybe it’s about rejection. I’m afraid, but then I go one step past it and it’s because I feel I will get rejected. Then how I respond might be to reject myself first. All that creates fear. This game creates fear.

I think it’s really important and it’s baby steps. You don’t have to jump off the mountain but I’m saying there are areas in our life that are right here in front of us right under our noses that we say no to that we can say yes to and create a breakthrough for ourselves. Oh, and it will show up.

Nicky: What is the thing that you like most about teaching?

Joan: I love connecting people to their truth through their voice and I use commercial acting to do that. I also use other genres, but in particular, I use commercial acting because that is the only area you can get an agent if you’re a newcomer, i.e. you’re not making any money. I also think even when you’re in an agency, most people find that a mystery, commercials. They find the reads a mystery. They find connecting to it a mystery. This isn’t Shakespeare, but it actually is Shakespeare. It just may be 30 seconds worth of Shakespeare, but it actually is Shakespeare.

I also think it’s the basis to a lot of genres because the same language that’s being used in commercial acting, you’re going to hear it in animation. You’re going to hear it in video games. You’re going to hear it in narrating. It’s the same communication. Also, I don’t care what the genre is, people want conversational. You really get to focus on it in commercials. It is to me, the universal language. I love connecting people to their truth through their voice. To me, the voice is the eye of our soul.

It really mirrors your soul, your voice. There’s a lot of miracles that happen when you connect to yourself in that way. When you connect to your truth– They’ll say, fake it till you make it. No. Connect with your truth. You won’t have to fake it. You’ll probably get further faster. Connect with your truth. That’s what you share. Then you don’t have to fake anything.

Nicky: What do you say about, you mentioned AI a little while ago. It’s the dreaded conversation because we’re all like, “Is AI going to take over our voices?” We’re working so hard with training, with everything, with being so truthful, and then all of a sudden the AI models are being perfected where they can really come very close to mimicking all the nuances in the human voice. What is your take on that?

Joan: I truly feel yes, I think we will have to fight. We do other things. So many other things have come along where it was a obstacle. This is definitely a big one, and we’ll definitely have to fight. I think ultimately AI is going to find its place, and it’s not going to necessarily be in voice acting. I also think, that some of the dangers, like I recently heard that an AI from the Trump campaign had sent out phone messages saying in Biden’s voice not to vote. When it gets into politics, they’re going to do something. In particular, through the voice, they’re going to do something.

I think, especially from the people I work with and talk to, they’re not interested in AI. They want humanity to show up in their products. They want humanity to get people to watch the Super Bowl. They want it unless it’s a specialty thing. Now, I’ve also talked to people that are in the e-learning genres where right now people tend to lose their jobs to AI. In that area too, I think people are going to finally go, “You know what, I really do want a human.” You’re not saving all this money with AI when it sounds cheap. When people are using AI, they tend to also get the voice actor because they didn’t like it.

We don’t know how it’s going to end. All we can do is keep focusing on ourselves and what we bring to the table and trust that Ken Burns is not going to hire an AI to do his narrations because he’s not. People that I work with, I don’t know anyone that has said, “Joan, we were thinking about going AI. I’m talking about an advertising agency. We’re thinking about doing our [unintelligible 00:32:21].” I’ve never heard anyone say that yet. I feel like it’s the lower rung that are looking for cheap ways to get things done. They never had any interest in the voice actor. They didn’t even know how to direct them. They really didn’t know anything about them.

There’s plenty of people in the middle like that where they weren’t trained to direct voice talent. They don’t know anything about it. They don’t even want to go through agents, nothing. In a sense, they’re just behaving how they always have but now we’ve coined it. Now something we can coin and point to, AI. They weren’t interested in you in the first place. I see people talk all the time about training clients how to treat them. I have never had to train a client how to treat me. They want their stuff to resonate with audiences. They want to work with the voiceover talent. They want to pay the voiceover talent.

Now, maybe some of them resent how much, I don’t know. What I’m saying is, I’ve never had to train someone to work with me. I don’t really get that. Unless it’s like, again, these other levels that they weren’t interested in voiceover in the first place or voice talent, Producer wants to have the best product out there. If that’s the case, they’re not going to hire AI.

Nicky: It’s more I think for tasks and things that help you organize yourself and your business but actually, when you really want to make a statement or really want to connect with people and have people remember the spots or the movies or the documentaries and really have an impact.

Joan: You’re going to hire a human being. Also, I think AI does have a place. I just don’t think it has a place with show business or performance. I think it has a place in science. Come up with a cure for Alzheimer’s, please, AI. Please, I’m begging you. That’s to me, a great place that will assist the scientists, the doctors. Not take their place. Certainly not take our place.

Nicky: No, definitely. As an assistant, yes, that would be good.

[laughter]

Joan, I have one last question. I don’t mean to monopolize your time. You’ve been very generous with your time. Thank you so much.

Joan: Thank you.

Nicky: If there is something that you would have done if you wouldn’t have gone into the entertainment business and not be a multifaceted artist that you are, what would it have been? Have you toyed with the idea of, “Oh, maybe I would have been–“I don’t know.

Joan: I actually have toyed with it.

Nicky: Oh, yes?

Joan: I think I would have been a metaphysical counselor. A counselor that uses metaphysics and other healing arts to help people. That took me years to come up with because I honestly could not think I would do anything else or wanted to do anything else. Because I studied a lot of metaphysics and because I’ve done a lot of different healing, especially from the past, I’ve met the most extraordinary teachers and healers. I tend to not do anything half-baked. When I’m working on myself, when I’ve been healing my own inner life, I’ve sought out great teachers or great spirits out here so I’ve learned a lot.

I actually apply that to performance to a certain degree, but not necessarily coining it like, “I learned this technique.” No. It depends on the person and where they’re at. It’s all to tap into authenticity. It’s all to tap into what’s really there. Wound or no wound, what’s really there that can be used at this moment that can create something extraordinary?

Nicky: I think that’s beautiful. It definitely complements a lot of what you do. It talks a lot about you, your soul. You’re a giving soul, and you want to help first and foremost. You like to guide people, inspire them, and help them. That really ties in very, very beautifully. Joan, thank you so much for your time.

Joan: Thank you, Nicky. Oh, thank you. I think you’re extraordinary, Nicky.

Nicky: Oh, thank you.

Joan: I think you’re absolutely extraordinary. Talk about a big heart and a giver. Thank you.

Nicky: Thank you, Joan. Definitely, I’m going to put the links in the show notes to your book. People are going to ask me if you do any private coaching.

Joan: I do.

Nicky: You do? When do you find the time for that? You’re a professor. You teach everywhere. Wow. [crosstalk]

Joan: I know. It’s insane. I actually stopped coaching around the end of September. Then I start up again in January when everything is said and done. Right now, I started up again. They can email me at joan@sovas.org. They can also use the podcast name or your name as a reference on the subject.

Nicky: Oh, okay. Perfect. I will definitely put all of that in the show notes.

Joan: Thank you, Nicky. Thank you so much. It was great seeing you. Thank you for pursuing me.

Nicky: Oh, absolutely. Are you kidding me? This is going to be one of my favorite episodes for sure.

Joan: Thank you, sweetie. Have a good night.

Nicky: Thanks. You too. We’ll stay in touch.

Joan: Great. Bye-bye.

Nicky: Bye.

[music]

Speaker 1: Thanks for joining us. Don’t forget to subscribe on your podcast player or YouTube if you haven’t done so. Share what you liked about this episode on social media and tag us @NickyMondellini.

Filed Under: Episodes

Joan Baker part 1 – Joan Baker´s Path to Voice Over Stardom

July 4, 2024 by Nicky Mondellini

 

Episode Notes

Get ready for an inspiring journey into the world of voice acting with the multi-talented Joan Baker! In this episode, we dive into Joan’s early life and the challenges she faced, leading her to discover her passion for dance and acting. From dancing at the prestigious Alvin Ailey school to captivating audiences with her Josephine Baker performance, Joan’s determination and love for her craft shine through.

Tune in as Joan shares the pivotal moment when she transitioned into the world of voiceover, landing a dream agent and booking her first national commercial almost instantly. Discover the secrets behind her success, her relentless pursuit of opportunities, and the unwavering belief in her unique voice.

Join us for Part 1 of this captivating interview, and get ready to be inspired by Joan Baker’s incredible journey!

**Highlights:**

* Joan’s early dreams of being a dancer, actress, and humanitarian

* The challenges she faced growing up and her journey to self-discovery

* Her experiences at the Alvin Ailey dance school and the lessons she learned

* The transition from dance to voiceover and her breakthrough moment

* Landing a top agent and booking her first national commercial

* Joan’s relentless pursuit of opportunities and her passion for her craft

**Don’t miss Part 2 next week, where we delve deeper into Joan’s career, her work as a professor and coach, and her philanthropic endeavors.**

 Dive into inspiring stories from leading experts in voice over and learn the key elements to building a successful career in this fascinating industry with Joan’s Baker’s book:

“Secrets of Voice-Over Success: Top Voice-Over Actors Reveal How They Did It”. Find it here: https://a.co/d/cglnsSy 

You can email Joan Baker for private coaching at joan@sovas.org using “La Pizarra” or Nicky Mondellini as a reference on the subject.

Also find her on instagram as @joanthevoice

Transcript

Joan Baker: I still don’t remember what I said. Anyway, she said, “Wait right here.” She goes and gets the director. She said, Joanie, “Can you tell the director what you told me exactly?” I went about saying exactly the same thing. I look up, he’s pounding the table with tears coming out of his eyes. He’s laughing so hard.

[music]

Announcer: La Pizarra, The Slate,. Exploring creative minds in the entertainment industry. Here’s your host, Nicky Mondellini.

Nicky Mondellini: Hi, everyone. Welcome to another episode of La Pizarra. My name is Nicky Mondellini. I’m very happy that you’re joining us today because I’m going to be talking to the very talented, multi-hyphenate Joan Baker. You can find her on Instagram as @joanthevoice. She has won multiple Promax and Telly Awards for TV commercials, promos, and documentaries as a voice actor, on-camera host, and producer. Many of you know her also as the co-founder of SOVAS, the Society of Voice Arts and Sciences, which she co-founded with her husband and business partner, Rudy Gaskins, as well as the That’s Voiceover! Career Expo and the Distinguished Voice Arts Awards.

Today, we will hear not only about her amazing career, but also about her work as a professor and coach and a philanthropist. Joan’s voice can be heard on ESPN, ABC’s The View, HBO, and Grand Theft Auto, among many other things. On A&E, she’s the on-camera host for Tribeca Film Festival Red Carpet interviews. Joan’s book, Secrets of Voiceover Success, has opened up boundless opportunities for aspiring voice actors. You’ll find the link in the show notes. She is an instructor at Columbia University’s Graduate Drama Class, and she shares her expertise with students at New York University, Kentucky University, Actors Institute, and New York’s Professional Performing Arts School.

She also started a new role as an adjunct professor at the Hartt Theatre Division at the University of Hartford with the Voice Acting curriculum. Now, join me in exploring the creative mind of Joan Baker.

Nicky Mondellini: Yes, basically, this is a bilingual podcast, and half of the interviews are in English, and half of them are in Spanish. I interview people on both sides of the camera.

Joan Baker: Oh, that’s great.

Nicky Mondellini: Yes, I started this in 2020 in the middle of the pandemic.

Joan Baker: Yes. We started the State of VO during the pandemic as well, which was a free– it was on Zoom, and it was free. The unique thing about it was is that we would basically get buyers, and they would offer our audience job opportunities. We would, of course, talk about the State of VO and the state of the business of VO, and also around the pandemic and all. I think a lot of great things came out of the pandemic. We really got creative and soulful.

Nicky Mondellini: I think so, and I did love those State of VO sessions.

Joan Baker: Oh.

Nicky Mondellini: Yes, I really, yes, I found out through LinkedIn, I was waiting for Mark Gus to send the invitation and say, “Well, just send me a message, and I’ll add you to the list and whatever.” I was just hoping to get there on time, because I guess you guys also have a limit of people that you could allow in, right?

Joan Baker: Actually, I’m not sure if at first we did, but no, as time went on, no, not that I know of. It was unlimited. As a matter of fact, we would get crazy. We would get like 500 people confirming, but then maybe 200 would show up. Whatever we got confirmed, we got half, about half that would show up.

Nicky Mondellini: Got it.

Joan Baker: No, as far as I know, we were set for unlimited. The pièce de résistance to me, although this person wasn’t offering a job, but Nancy Cartwright.

Nicky Mondellini: Ah, yes.

Joan Baker: Do you know it took me two years to pursue her to be on that show.

Nicky Mondellini: Oh my God. Wow.

Joan Baker: Two years. When I resonate with something, I will pursue it until it comes to fruition.

Nicky Mondellini: I’m really happy that you do that because you brought great content and great opportunities for everyone in those sessions, and in everything you do. We’re going to backtrack a little bit and start talking about the start of your career. How did it all begin for you? Was it someone in your family and it was just part of what you’d seen growing up or–?

Joan Baker: Actually, no. My mom though was very showbizzy dramatic. I had that, and I had an uncle who I always heard about and he was a dancer in the Lido and on the Lido stages, all over the world. I had that, but it was literally my dreams since I can remember. As a kid, one of the things I wanted to do was I wanted to be a dancer, I wanted to be an actress and I wanted to be a humanitarian. I even remember in kindergarten, the teacher would ask, “What does everyone want to be? Start around the room.” You would literally hear kids go, “I want to be a piece of green bread.” [laughter]

I’m not sure how I coined ‘humanitarian’ because I’m sure I didn’t know that word in kindergarten, but I definitely wanted to help and assist people in their lives. I even had a dream about it that I used to fantasize about. I did bring this to a therapist before, but the dream was, I was standing in front of people in the army and the navy, right? I guess I was dancing and giving. Whatever I was saying in front of the microphone, I was giving. The men were wounded around me, but happy, but wounded. It was a dream that I carried around or a fantasy that I carried around, but I didn’t know what it meant. I just knew that I wanted to perform and help people.

Nicky Mondellini: Yes.

Joan Baker: When I brought it to a couple of therapists, they’re like, the masculine side of you is wounded. That’s what I got.

Nicky Mondellini: Oh, okay. [crosstalk] you’re remembering a past live when you were performing for the troops [laughs].

Joan Baker: Exactly. No, exactly. I brought it to a couple of therapists, not asking for their analysis, but just talking about it. I got that more than once. The masculine side of me was somehow wounded and in my lifetime, I would need to heal it. Now, what I interpret that is some masculine qualities, right? Maybe, even though I don’t have a problem pursuing, but usually that would be coined as something masculine. Not necessarily now, today, since things are a little bit more balanced and equal and we can love our athletes that are women and love our athletes that are male. It doesn’t have to be like weak women and strong men, right?

When I was growing up, of course, and all through adulthood, basically, certain things are coined as masculine and pursuing something or pursuing a career would be considered one of them. I’ve never had a problem with that because in my mind, that’s all I had. I grew up in the civil rights era in the ’60s and someone like me, meaning someone biracial, my dad, white, my mom, black, did not have an easy time out there in the world. Did not have an easy time with even our next door neighbors. Did not have an easy time with school teachers.

If anything, in my schooling situation, I became very shy and inhibited because when there was attention on me, it was negative. I began to not know how to deal with this, but I began to make my own way in terms of, I did things that would draw attention in a positive way. One of those things was being involved in acting. One of those things was being involved with dance because I would get positive attention, but beyond my wildest dreams. Not only did my dream start without knowing that, without knowing those responses, my dream was to be an actress, dancer, humanitarian.

Then as I ventured out in school and into the world, that got me positive attention, because if I showed up on my own, not demonstrating any talents or anything, it was not pretty. I would go home at night, this is when I was in elementary school, junior high, high school, and cry myself to sleep because it just seemed to be unfair. I didn’t want to tell my parents because I felt embarrassed, and I felt like they would be embarrassed too, not knowing that isn’t the truth, but I never said anything to anyone. I also found it interesting that very few people would come to my rescue and stand up for me.

I barely could stand up for myself, but it just surprised me that people that I invested my time in, my friendship, all kinds of things when I was a kid, they couldn’t deal with it either. Even though we were friends and we were good friends, people couldn’t deal with it either. There were some ugly things said to me, all through childhood from adults and kids. It was not easy. I left Moraine County, which is where I’m from, Moraine County’s in Northern California, beautiful area, beautiful homes and beautiful all kinds of things, but just not necessarily for me. I left and went to New York when I was 19 years old. I’ve been here ever since.

Nicky Mondellini: What brought you there was an audition for the Alvin Ailey or had you auditioned from them before?

Joan Baker: Actually, I auditioned once I got to New York. I hadn’t auditioned in California. I had a boyfriend. This took me forever to get a boyfriend, but I had a boyfriend when I came to New York and he was also a dancer. He actually did audition for School of American Ballet, which is also called SAB and it’s New York City Ballet Schools. it’s an incredible scholarship. He got paid to be at the school every month, but he auditioned before we went to California. before we went to New York and then I auditioned once we got to New York for Alvin Ailey.

I did get a scholarship and it lasted about two years. The scholarship was worth, and this again was in the ’80s, the scholarship was worth $1,300 a month. That was a pretty big scholarship to have, especially back then. It was the most– in my life, it is probably one of the top three most intense things I’ve ever done. I’m sure it prepared me for other things that I’ve been doing in my life, but it took me 10 years to get over the intensity. Also, there was also negativity in dance in general. I don’t know about today’s world in dance, but certainly when I was coming up in dance, there was a lot of negativity in dance.

I went from one negative experience into another, but there was results that I got from Alvin Ailey that I couldn’t have gotten anywhere else because it’s so intensified. Dance in itself is a very intense art form. You cannot screw around with dance if you want to be a dancer. I also developed a lot of discipline. That’s also helped me. It’s probably why I gravitated to it anyway, because it has that quality to it. That’s helped me in my later years in life. Totally.

Nicky Mondellini: I can definitely see that because being there at the level of expertise that is required to be in such a prestigious dance company, it is really tough. Of course, being there, it’s something that you can definitely translate and see into your other art disciplines.

Joan Baker: Yes, exactly. Dance has really made such a difference and I could see how it would make a difference in other areas in show business, because again, you’re bringing that discipline and that focus. You can’t beat that combination if you really want to succeed. There are no excuses. Also, there is not, “Oh, I don’t feel like it today.” Then you don’t. You might not feel like it and that’s fine, but you still do it. Dance does create a different human being, right? Also, dance is really about self-discovery. I find that same thing in voiceover, that same quality of self-discovery for excellence to bloom, to blossom. Then also, the excellence is something you want to pass on and share.

Nicky Mondellini: How was it that you went from dancing into your other disciplines that you do? You’ve been hosting and presenting, producing, and of course, voiceover. How was that transition for you?

Joan Baker: Actually, I didn’t even think about it. It’s like, “If this thing needed to be done, I’ll do it.” It’s just like what I do in SOVAS. There’s so many hats that I wear. It’s like, oh, this thing needs to be done. Oh, I need to learn how to do PR. Let me dig in my heart. For example, I love people and I’ve always loved people, no matter what has happened to me. I’ve always loved people. I really use that quality to do many things. My love of people and also my love of learning and also my love of focus and seeing things through in a way that has the results of joy, not just for me, but for others.

When I was young, I was also a kid actor. I was on a kid show called Whatchamacallit. It’s nowhere on the internet, of course, because there was some fire. A lot of things, and this was in San Francisco, and it was at a main channel, KPIX Channel 5. There was some fire and it destroyed all the footage. I was on that show-

Nicky Mondellini: What a shame.

Joan Baker: -for a good three years. Yes. I replaced an original. There was four kids on the show. One girl, three boys. I replaced the original. They looked all over Northern California for that replacement. I had an agent. I had an agent in San Francisco. I got called to go to the audition. I went to the audition and I noticed there were all these kids in the lobby. It was in a Victorian house, which is very San Franciscan. There was all these kids in the lobby and I had an appointment. I went right in and the producer was talking to me. To this day, I cannot remember what I said, but the producer said to me, “So, Joanie,” she said, “Tell me about your day.”

I’m telling her about my day and I look up and she is pounding the table with tears coming out of her eyes. I still don’t remember what I said, but anyway, she said, wait right here. She goes and gets the director. She said, “Joanie, can you tell the director what you told me exactly?” I went about saying exactly the same thing. I look up, he’s pounding the table with tears coming out of his eyes, he’s laughing so hard. Next thing I’m on the show. It’s never happened again, Nicky, but never happened again.

Nicky Mondellini: It’s one of those beautiful moments that hasn’t happened and it just blossomed.

Joan Baker: Yes. It just happened. I know. Also, because I dreamt about being an actress every single day of my life and I had just done the Shakespeare Festival and this is in Northern California. I was in one of the shows. I was determined to get an agent. Once I got the agent and then I got this audition and then– I was just determined, and I didn’t know, like I didn’t know any fears. I didn’t know any of that stuff. It was all bravery. “This is my dream. I’ve always wanted this since I can remember.” It was incredible.

Nicky Mondellini: Talk about manifesting from an early age, right?

Joan Baker: Yes, definitely. Definitely. On that show, not only was I a regular actress on it, we also used to write the show. I had some instincts around writing because I always tried to do funny things, and they always picked my stuff. I wrote, I did host different segments. One time I interviewed– went to Barnum and Bailey Circus. The makeup artist did my makeup as a clown. I interviewed the oldest clown in the world, the youngest clown in the world, the first man clown. I was in the circus as well as they were taping me and my neighbor, I heard a neighbor.

Now, this circus was far away from where we lived. I heard someone go, “Joanie Baker, is that you?” This is out there in the circus. I have makeup on and a clown outfit. It was funny. It’s like I said, there was a lot of negativity just by being, just by showing up. Somehow, I was bound and determined to create positive things or to create things that I could love and enjoy, and I can honestly say that I did. That traveled with me to New York. Again, it was the same diving into these experiences in New York, especially when I first got here in terms of training and developing myself, that they were harsh.

It’s funny because the first 10 years I was in New York, I said, Moraine County did not prepare me for the level of competition and how to behave in a competitive setting, as opposed to shrinking, which is how I felt. I saw people and they were all from New York, right? They had the competitive spirit that was quite amazing and beautiful to see. Not scary, not negative, but really powerful. I had wished that there was something like that where I grew up because it really took me a long time to cultivate that spirit without feeling like I was hurting people or somehow I was getting ahead with somehow an unfair advantage. There were a lot of lessons on my path, no question about it.

Nicky Mondellini: Why would you say it was an unfair advantage? You were clearly there at the right place at the right time. You had worked very hard for it.

Joan Baker: What I mean by unfair advantage is that I used to think that if you were competitive, that somehow that was an unfair advantage. That’s how little I knew about competing or being in a world like dance that’s very competitive, but I just didn’t quite understand it. No one talked about it where I grew up, necessarily. Things were given to people that you didn’t necessarily have to fight for or knew what that meant. Other than that, it was a scary thing to compete. I brought those myths with me. I have busted those myths over and over and over and over again for myself. That’s what I brought to New York. It made me feel small and shrink than rise to the occasion.

When I got a scholarship at Alvin Ailey, I was shocked because I know that my little tag said ‘435’. I was a ‘435’ person auditioning for a scholarship, and there were people well after me. There were 30 people that got this scholarship. I was actually stunned. Stunned. I wasn’t exactly like, “Whee,” soaring at the audition. I was really nerve-wracked and nervous. One of my goals and one of my dreams was to be in Alvin Ailey, although that didn’t happen. Getting on scholarship at the school was like I was a performer in Alvin Ailey. Five classes a day, five days a week. That did not include nighttime. It was no joke, Nicky.

I studied ballet, two types of modern, jazz, and ethnic, and Dunham, which is a very intensive ethnic dance, brought to the United States by Katherine Dunham, which is why it’s called Dunham technique. It’s Caribbean and African. It’s actually one of my favorite techniques there is in dance, as well as Katherine Dunham, who has well passed away. When I saw her, because Alvin Ailey brought a lot of teachings to us, teaching us about Black history, but Black history in dance and all that. When I saw a whole wall– I walked into a classroom at Alvin Ailey, which is truly huge and gigantic.

The whole wall was covered, wall-to-wall pictures of Katherine Dunham. I saw who she was and what she was doing and how she was doing. I go, “That’s me.” Very theatrical. Very soloist. I always have seen myself as a soloist type, although very much embracing an ensemble. My style has always been one that’s a little bit more unique, where when you’re in an ensemble, everyone has to look alike, dance alike, all that. That’s how I saw myself. That’s how I trained myself, like a soloist.

Nicky Mondellini: From there, what happened for you to start going the path of voiceover, performing in different ways, not as a dancer, but going in and then now using other parts of your elements, your voice, your whole presence? How was that for you?

Joan Baker: When I was dancing, I also did a lot of performance theater in New York. If you’re not in New York, it’s a huge avenue. It’s a huge freeing creativity and discipline. Actually, you can do a lot of your own stuff when you’re doing– I don’t know if you would call it performance art, but that’s what I’m going to call it. It was all in downtown New York when it was really, really big. I used to dance. I used to do Josephine Baker, right? Jean-Claude Baker discovered me coming into the restaurant when it just opened. I was there because Interview magazine was doing a piece on me. This is when I was 26.

Through that journey of Josephine Baker, I also created a nightclub act. That gave me a lot of experience doing that. I did that for four years. After the Josephine Baker, and I also did so many other things performance-wise, especially in downtown, which was huge, right? After I decided I wanted to let go of Josephine Baker, because I didn’t necessarily want to do that scene the rest of my life. I really did want to get into showbiz and get paid, right? What I did was– my dance teacher at the same time had left. My dance teacher was extraordinary, a legend in the field. She retired or moved. I was at a downswing in terms of dance.

I decided at that time that I was going to do acting, since I had always done that as a kid and all. I still wanted to do that as an adult. What I did was I somehow stumbled upon a manager. The manager said to me, “I got you an act.” It was cable, but before cable was cable, on this show called Tucci Live. She was a real ballbuster character, right? He said, she wants you to create a character and talk about the nightlife in New York. He knew that I had come from nightclub in New York, so it would be an interesting perspective. I did that.

I came up with this whole character voice and this whole costume, talking about Madonna and all the people that were popular at the time in the nightclubs. After that show, I was sitting in his apartment, and I was looking at Backstage Magazine. I saw an ad that said ‘voiceovers’. It said straight voice, character voice, and something else. I decided I was going to take lessons from her just to see what it was about, because I only knew voiceover to be cartoon at the time. I didn’t even know you could make a living at it. I knew nothing. I took four lessons with her, and I did a demo reel. This was in 1990. 1991, I started at the top of the talent agents, and I worked my way down in New York.

The first three wanted to sign me off my demo reel. My demo reel would not work today. At the time, every single voice on there was a character voice, completely different. It actually sounded like– every spot sounded like a different person, right? Then I had some of my regular speaking voice in there. There was a cat fight to sign me. I eventually signed with Don Buchwald and Associates. I signed on Valentine’s Day, 1991. As soon as I signed, one of the agents said to me, “You know you’re going to have to change your demo reel.” I was like, “Really?” He said, “Yes, don’t worry. They’ll be all with real jobs, but it will be your regular speaking voice. It won’t be all the cartoons you did.”

I was like, “Oh.” I literally did not know the industry at all. Right away, I started working. Literally right away. I even booked a national commercial right away. Then I started doing promos right away. I didn’t even know it was promo. I had no idea. I just loved the fact that nobody was trying to figure out from my looks where I would fit in. Everywhere I went, people, talent agents, shows, whatever it may be. Not in performance art, but in other legitimate places. They were always trying to figure out how I would fit in. Almost always, I never fit in.

In voiceover, that was not happening. I was going out for on-camera commercials, too. That was not happening. I can’t tell you how happy and free I was. It was literally like a horse that the gate just opened and the horses took off. I pursued everybody. With my demo reel, and my agent at Don Buchwald gave me her Rolodex. I took her Rolodex, and I’m not kidding you. It was in alphabetical order. There was a lot of people in each alphabet. I dropped off my tape to every single person on that Rolodex. See, this is where the discipline comes in [laughs].

This is where feeling stopped in your life. Now, for whatever reason, the gates opened. I really showed up 100% full throttle for myself. It paid off right away. I didn’t know the rules. I certainly didn’t think I was bothering anyone since people do hire talent, right? I had no, there was no barriers. Right away, I started building a career. I can’t tell you how happy I was.

Nicky Mondellini: This is where we end part one of the interview with the amazingly talented Joan Baker. Stay tuned next week when we will hear the rest of this conversation. Thank you for listening.

[music]

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